スペイン語の用語「ボデガ」は、「パントリー」、「居酒屋」、または「ワインセラー」を意味する場合があります。派生語bodegónは、通常は軽蔑的な形で大きなボデガを参照する拡張語句です。スペイン語の芸術では、ボデゴンは、犠牲者、ゲーム、飲み物などのパントリーアイテムを描いた静物画で、しばしば単純な石のスラブ上に配置されます。また、1つ以上の図が描かれていますが、キッチンや居酒屋に置かれている。また、花や果物、その他のオブジェクトで塗装して画家の熟達を表示することができる、低寿命のオブジェクトや日常的なオブジェクトを指します。
ボデオンはスペインの芸術作家であるFrancisco Pacheco delRío（1564-1654）とAntonio Palomino de Castro y Velasco（1653-1726）がDiegoVelázquezの初期のイメージで既に使用していました。これはおそらくオランダのいわゆるキッチン日常シーンがレンダリングされ、食べ物と料理を配置する静物が重要な役割を果たしました。 Joachim BeuckelaerとPieter Aertsenは、当時スペインに属していた南オランダで栽培されたこのジャンルの重要な代表者でした。また、スペイン語のナポリやスペインのヴィンチェンツォ・カンピーやアニビール・カラッキの作品を通した迂回路では、これらの新しいアイデアがスペインに到着した可能性があります。文化的な歴史の面では、公的生活の中での単純なものや日常生活への回り道は、現実感をより細かく感じる人好主義からの出発点、ヨーロッパ絵画の他のジャンルでも見られる現実主義に関連しています。 17世紀の初めからすぐに、これらのモデルはスペインで取り上げられました。 Velázquezの初期のBodegonesでは、スチールライフの要素はすでに前景に押し込まれていますが、まだ比喩的な状況の一部であり、オランダのモデルの後でさえ、 "低い"テーマ選択を正当化する聖書の背景シーンを使用します。
Bodegónは静止画のジャンルであり、主に絵画であり、象徴的な意図はなく、アーティストが定義したフレームワーク内で一定の方法で編成された無生物（食べ物、ゲーム、果物、花、さまざまなオブジェクト...）を表します。オブジェクトの構成には芸術的な偶然はありません。実用的な扱いを示唆しています」広い意味では、ボデゴンという用語は静物の同義語として使われています。
画家が主題として選択し、プラスチックエンティティにオブジェクトのグループを編成するという基本的な決定をする日には、本物の静物が生まれます。それは、彼が働いている時間と環境に応じて、あらゆる種類の霊的な言葉でそれらをロードし、彼の深いデザイナーのデザインを変えないということです。
バロック時代からは、17世紀の第2四半期にスペインで人気が高まりました。静物画の伝統は、現代の低国、今日のベルギーとオランダ（そしてフランダースとオランダの芸術家）ではるかに一般的でした。北の静物には多くの亜種があった。朝食用のピースは、トンプイ・リール、フラワー・ブーケ、ヴァニタスによって補強されました。スペインでは、この種の客席はずっと少なくなっていましたが、食べ物や食器が置かれたテーブルが置かれた朝食用のものが人気を博しました。現在スペインの発明と見なされていますが、古代ローマでは、石のスラブ上にある果物の古典的なトンプピースのプレゼンテーションが一般的でした。
歴史：
ボデゴンは16世紀末に登場した。イタリアのサンプルに基づいています。 Juan Estebanによって署名された市場シーン（Granada、Pal。Carlos V）の最も初期の例は、1606年にUbedaに登場した。最初のキッチンシーン - 約。 1604 gはVincenzo Campiの手に属し、セビリアのArzobispal宮殿の高官のギャラリーの天井の装飾の不可欠な部分です。
イタリアでは、ミケランジェロ（Michelangelo）とカラヴァッジョ（Caravaggio）という現実的な方法の影響を受けて、ボデゴンが広がっていました。 「低い」ジャンルへのアピールは、イタリアのマナーニズムの洗練への反応でした。その後、「ボデゴン」という言葉は、全体としての静物のジャンルと呼ばれていました。
それと同時に、数年前でさえもなければ、最初の純粋なまだ生き残ったもの、つまり職員なしで、スペインに現れます。今日スペインのボデゴンに数えられています。 1602年以来、トレドのJuanSánchezCotán（1560-1627）は未処理の天然産物の塗装仕上げを作成しました。これは見事に暗い背景に並んで配置されています。個々の塗装されたオブジェクトは、おそらく直接的な象徴的な意味を欠いているが、提示される方法の簡潔さと不本意さ、および主題の選択は、宗教的 - 道徳的な感覚なしには理解されない。これに対応して、1603年にサンチェス・コタンはカルタス修道院に引退し、非常に高潔な生活を送った。静物画家の次の世代の最も重要な代表はフランドルの両親の子供であるJuan van der Hamen yLeón（1596-1631）です。 van de Hamen（そして彼の同時代）と共にSánchezCotánの影響を受けたが、パレットはよりカラフルになり、被写体はより貴重になり、絵の空間はより深くなる。彼と一緒に花の静物はジャンルとして追加されます。彼は裁判所で働き、知識人の輪に所属していました。わずか2年の若いFrancisco deZurbarán（1598-1664）の仕事では、まだ生き物は重要な役割を果たすが、中心的役割は果たしていない。彼らの厳格な配置と不毛の外観では、彼らはより古いコタンの仕事に似ています。
バロック様式のスペインの静物画はしばしば厳しいものでした。それはフランダースのバロック様式の静物画とは異なり、多くの場合、華やかな豪華なアイテムに包まれた豪華な宴会が布地やガラスで包まれています。ボドゴンでは、このゲームはしばしば皮をむきだしになるのを待っている普通の死んだ動物です。果物や野菜は調理されていません。背景は荒れ果てた木製の幾何学的ブロックで、しばしばシュールレアリスムの空気を作り出します。オランダ語とスペイン語の静物には、しばしば道徳的なヴァニタス要素がある。彼らの緊縮は、スペインの台地のいくつかの荒涼さに似ていますが、多くの北欧の静物画の官能的な快楽、寛容、贅沢をコピーしません。
ベラスケスの絵画セビリアの水瓶座、老婆の卵を揚げた卵子、そして昼食は、瓶や食料品の描写のために、しばしばボドゴンとして描かれています。 Bambocciantiスタイルと静物でのジャンルのペインティングが混在していると言われるこの用語の使用を拒否する人もいます。
18世紀には、ボンテージュはスペインの観客の間で活況を呈し続けています。 Luis EugenioMeléndezの絵は、背景を見る人の目の近くにある暗い背景も示していますが、光はより均一であり、画像構成はより構成的に「学術」です。いずれにせよ、すべての寓意的で形而上的な意味は消えてしまった。
重要な特徴は、スペインのボデゴンの儀式の世界を、北方の静けさの中の市民のブルジョア - 現実的な生活とは著しく区別しています。フランダースとオランダの食事の写真は、緑豊かで行動の文脈（準備、食べ物）スペイン語表現では、消費の兆候は排除されています。
タイプ
Bodegoneは2つの主要なタイプに分かれています：
まだ生きている（通常は中立の背景にある禁欲的な）;居酒屋内、通りの上、店内の少数のキャラクター（主にコモンズ）の参加、日常のシーンと静物の要素を組み合わせたシーンのイメージ。
Bodegonesは、アーティストがジャンルのシーンと静物とを組み合わせることを可能にしました。
Bodegónは、特に、彼の作品の最初の "セビリア"時代に、Diego Velasquezの好きなジャンルでした。このジャンルには、繰り返しZurbaranに頼った。
bodegonesのジャンルは、伝統的な形をしていました。薄暗い部屋のシーンでは、光の染みが特に対照的です。そのボリュームと輪郭が取り除かれています。
ボデゴンはジャンルの階層における「低い」ジャンルとみなされていた。絵画は「重要ではない」とみなされ、「不信」さえあった。彼らは、ライバルのVelasquez、Vincenzo CarducciによってDiálogosde la pintura（1633）に公然と嘲笑された。
2018年1月30日火曜日
バイオアート
BioArtは、人間が生きた組織、細菌、生物、および生命のプロセスを扱う芸術の実践です。生物工学（遺伝子工学、組織培養、クローニングなどの技術を含む）のような科学的プロセスを用いて、美術館は研究所、ギャラリー、またはアーティストのスタジオで生産される。バイオアートの範囲は、一部のアーティストが「生きた形」に厳密に限定されているとみなされますが、他のアーティストには現代医学や生物学的研究のイメージを使用するアートが含まれています。生命科学の特徴
BioarteまたはBio-Artは、現代美術によって開発された最新の動向の1つです。それは手段としてバイオテクノロジーを取るという特異性を持っています。生きた組織の栽培、遺伝学、形態学的形質転換、生体力学的構造は、バイオアートの芸術家によって使用される技術の一部であり、バイオテクノロジーの発展に倫理的および社会的問題をもたらす。
BioArtistsは生き物とともに働いていますが、物質が生きているか生きているとみなすことができる段階についていくつかの議論があります。生き物を創造し、生命科学を練習することは、倫理的、社会的、審美的な問いかけをもたらす。 「バイオアート」というフレーズは、アートワークのTime Capsuleに関連して1997年にエドゥアルド・カックによって造語されました。ジョー・デイビス・マルタ・デ・メネゼスやSymbioticAのアーティストなどの先駆者の作品を通して、20世紀の終わりに始まったものの、21世紀初めにBioArtがより広く実践され始めました。
この実験には、芸術家自身の体（皮膚培養、動物の輸血）が含まれ、これらの技術に関連する伝統的な恐れや希望を具体化することができます。
生物芸術の流れの中の生きた組織の技術では機能しない作品を含めることについていくつかの議論があります。バイオアートに参加する作品は、バイオテクノロジーにおける社会と開発の間の既存の問題のある関係に関する批判やコメントを反映している限り、認識されるべきである。
BioArtはしばしば衝撃的でユーモラスなものを意図しています。アイソトープの分野に関する1つの調査：文学と自然文学のジャーナルでは、「バイオアートは、しばしばばかげている。オークションブロックにとどまるためには、塊状、全体的、非衛生的、時には目に見えない、それと同時に、それは芸術がやろうとしている非常に伝統的なことをしています。
バイオアートは、現在の芸術的なプラスチックからも開発されています。これは環境とバランスの取れた製造プロセス、すなわち環境と調和した芸術作品の生産にリサイクル可能な再利用可能な材料の使用を考慮しています。バイオアートの目的は、根源に戻る各アーティストの表現を開発し、熟考し、地球から生まれてそれを害することのない各文化の表現に公衆に提供することです。ベネズエラでは様々なアーティストによって開発されています。パイオニアはBioartesanal Workshop "Un Mundo en Botellas"です。
George Gessertは多くの人にとって、バイオアート運動の重要な創始者であると考えられています。エドゥアルド・カックは、現在と生き物との共同作業のイニシアターの一人です。最もよく知られているのはAlbaウサギであり、動物の遺伝子操作によって色が変化する。 SymbioticAは、ウェスタンオーストラリア大学の人体解剖学生物学部にあるOron CattsとIonatt Zurrによって設立されたグループです。彼らはしばしば生きた組織を彫刻の形で使用し、作品の倫理的判断を妥協し、しばしば論争を呼んでいる。 Joe DavisはMITで働き、科学者の協力を得て、いくつかの展覧会を制作しました。
社会における科学の役割について疑問を投げかけながら、これらの作品のほとんどは、芸術的プロセスと科学的プロセスの組み合わせを通じて政治的、社会的批判を伝える社会的反映に向かう傾向があります。
BioArtを練習するほとんどの人は、この新しいメディアのアーティストとして分類されますが、分子構造などに関連する実際の媒体は科学者でもあります。ハーバード大学の細胞生物学科は、この二重受け入れのために、科学的または芸術的価値に基づいて誰かに作品を提出するよう呼びかけています。これにより誰もが強く反応する仕事を提出することができます。
実験室での作業は、最初は環境がアーティストにとって外国人であることが多いため、アーティストに挑戦することができます。一部のアーティストは事前の科学的訓練を受けていますが、他の人は、必要な作業を行うことができる科学者と協力して手順を実行するか、訓練を受けなければなりません。バイオアーチストは、細菌や生きた組織を扱うなど、科学や科学的実践に関連した、あるいはそれに従事する組織をしばしば使用しています。
当技術分野の多くは、組織培養およびトランスジェニックを含み、これは、ある生物由来の遺伝物質が、別の生物由来の合成または移植された遺伝物質の添加によって改変される種々の遺伝子操作プロセスのための用語である。
BioArtは明らかに倫理の欠如のために精査されている。 USA Todayは、動物権利団体が、Kacらを自分の個人的利益のために不当に動物を使用していると非難し、保守的なグループは、トランスジェニック技術の使用および道徳的観点からの組織培養に疑問を投げかけている。
バージニア州ノーフォークにあるPETAの上級研究員であるAlka Chandnaは、芸術のために動物を使用することは、衣料品に動物の毛皮を使用することと変わらないと述べています。 「動物のトランスジェニック操作は、ある種の社会学的批判をするために行われるかどうかにかかわらず、人間の目的に動物を使用する連続体に過ぎない。
BioArtという用語の範囲は、進行中の議論の対象です。議論の主なポイントは、定義上微生物で作られた微生物芸術の場合のように、BioArtが必然的に生物材料の操作を必要とするかどうかを中心にしています。この用語のより広い定義には、生物科学の社会的および倫理的考慮を扱う研究が含まれる。これらの用語の下で、ジャンルとしてのバイオアートは、クリティカルまたはスペキュレーティブデザインなどの分野で多くのクロスオーバを持っています。このタイプの作業は、より広範な一般的な観客に広がり、特定の生物学的プラクティスを先駆けして使用するのではなく、この空間で議論を開始することに焦点を当てています。このスペースの例には、遺伝子操作されたスティングレイスキンで作られた模様の靴を宣伝しているRay Fish靴と、有名人の組織サンプルから培養された肉からサラミを作り出そうとするバイオテクノロジースタートアップのBiteLabsがあります。しかし、芸術的なコミュニティの中で、BioArtは、生物学的な物質に直接関与しない研究を除外するようにますます制限されている。
しかし、多くのBioArtプロジェクトはSymbioticAによるVictimless Leatherのように、生物全体ではなく細胞の操作を扱っています。 「動物を殺さずに革を身に着けるという現実的な可能性は、文化的な議論の出発点として提供されている」と述べた。これらのプロジェクトは、人間以外の動物との関係や科学的プロセスにおける動物製品の使用を強調し、問題を提起するために正確に開発されました。
BioarteまたはBio-Artは、現代美術によって開発された最新の動向の1つです。それは手段としてバイオテクノロジーを取るという特異性を持っています。生きた組織の栽培、遺伝学、形態学的形質転換、生体力学的構造は、バイオアートの芸術家によって使用される技術の一部であり、バイオテクノロジーの発展に倫理的および社会的問題をもたらす。
BioArtistsは生き物とともに働いていますが、物質が生きているか生きているとみなすことができる段階についていくつかの議論があります。生き物を創造し、生命科学を練習することは、倫理的、社会的、審美的な問いかけをもたらす。 「バイオアート」というフレーズは、アートワークのTime Capsuleに関連して1997年にエドゥアルド・カックによって造語されました。ジョー・デイビス・マルタ・デ・メネゼスやSymbioticAのアーティストなどの先駆者の作品を通して、20世紀の終わりに始まったものの、21世紀初めにBioArtがより広く実践され始めました。
この実験には、芸術家自身の体（皮膚培養、動物の輸血）が含まれ、これらの技術に関連する伝統的な恐れや希望を具体化することができます。
生物芸術の流れの中の生きた組織の技術では機能しない作品を含めることについていくつかの議論があります。バイオアートに参加する作品は、バイオテクノロジーにおける社会と開発の間の既存の問題のある関係に関する批判やコメントを反映している限り、認識されるべきである。
BioArtはしばしば衝撃的でユーモラスなものを意図しています。アイソトープの分野に関する1つの調査：文学と自然文学のジャーナルでは、「バイオアートは、しばしばばかげている。オークションブロックにとどまるためには、塊状、全体的、非衛生的、時には目に見えない、それと同時に、それは芸術がやろうとしている非常に伝統的なことをしています。
バイオアートは、現在の芸術的なプラスチックからも開発されています。これは環境とバランスの取れた製造プロセス、すなわち環境と調和した芸術作品の生産にリサイクル可能な再利用可能な材料の使用を考慮しています。バイオアートの目的は、根源に戻る各アーティストの表現を開発し、熟考し、地球から生まれてそれを害することのない各文化の表現に公衆に提供することです。ベネズエラでは様々なアーティストによって開発されています。パイオニアはBioartesanal Workshop "Un Mundo en Botellas"です。
George Gessertは多くの人にとって、バイオアート運動の重要な創始者であると考えられています。エドゥアルド・カックは、現在と生き物との共同作業のイニシアターの一人です。最もよく知られているのはAlbaウサギであり、動物の遺伝子操作によって色が変化する。 SymbioticAは、ウェスタンオーストラリア大学の人体解剖学生物学部にあるOron CattsとIonatt Zurrによって設立されたグループです。彼らはしばしば生きた組織を彫刻の形で使用し、作品の倫理的判断を妥協し、しばしば論争を呼んでいる。 Joe DavisはMITで働き、科学者の協力を得て、いくつかの展覧会を制作しました。
社会における科学の役割について疑問を投げかけながら、これらの作品のほとんどは、芸術的プロセスと科学的プロセスの組み合わせを通じて政治的、社会的批判を伝える社会的反映に向かう傾向があります。
BioArtを練習するほとんどの人は、この新しいメディアのアーティストとして分類されますが、分子構造などに関連する実際の媒体は科学者でもあります。ハーバード大学の細胞生物学科は、この二重受け入れのために、科学的または芸術的価値に基づいて誰かに作品を提出するよう呼びかけています。これにより誰もが強く反応する仕事を提出することができます。
実験室での作業は、最初は環境がアーティストにとって外国人であることが多いため、アーティストに挑戦することができます。一部のアーティストは事前の科学的訓練を受けていますが、他の人は、必要な作業を行うことができる科学者と協力して手順を実行するか、訓練を受けなければなりません。バイオアーチストは、細菌や生きた組織を扱うなど、科学や科学的実践に関連した、あるいはそれに従事する組織をしばしば使用しています。
当技術分野の多くは、組織培養およびトランスジェニックを含み、これは、ある生物由来の遺伝物質が、別の生物由来の合成または移植された遺伝物質の添加によって改変される種々の遺伝子操作プロセスのための用語である。
BioArtは明らかに倫理の欠如のために精査されている。 USA Todayは、動物権利団体が、Kacらを自分の個人的利益のために不当に動物を使用していると非難し、保守的なグループは、トランスジェニック技術の使用および道徳的観点からの組織培養に疑問を投げかけている。
バージニア州ノーフォークにあるPETAの上級研究員であるAlka Chandnaは、芸術のために動物を使用することは、衣料品に動物の毛皮を使用することと変わらないと述べています。 「動物のトランスジェニック操作は、ある種の社会学的批判をするために行われるかどうかにかかわらず、人間の目的に動物を使用する連続体に過ぎない。
BioArtという用語の範囲は、進行中の議論の対象です。議論の主なポイントは、定義上微生物で作られた微生物芸術の場合のように、BioArtが必然的に生物材料の操作を必要とするかどうかを中心にしています。この用語のより広い定義には、生物科学の社会的および倫理的考慮を扱う研究が含まれる。これらの用語の下で、ジャンルとしてのバイオアートは、クリティカルまたはスペキュレーティブデザインなどの分野で多くのクロスオーバを持っています。このタイプの作業は、より広範な一般的な観客に広がり、特定の生物学的プラクティスを先駆けして使用するのではなく、この空間で議論を開始することに焦点を当てています。このスペースの例には、遺伝子操作されたスティングレイスキンで作られた模様の靴を宣伝しているRay Fish靴と、有名人の組織サンプルから培養された肉からサラミを作り出そうとするバイオテクノロジースタートアップのBiteLabsがあります。しかし、芸術的なコミュニティの中で、BioArtは、生物学的な物質に直接関与しない研究を除外するようにますます制限されている。
しかし、多くのBioArtプロジェクトはSymbioticAによるVictimless Leatherのように、生物全体ではなく細胞の操作を扱っています。 「動物を殺さずに革を身に着けるという現実的な可能性は、文化的な議論の出発点として提供されている」と述べた。これらのプロジェクトは、人間以外の動物との関係や科学的プロセスにおける動物製品の使用を強調し、問題を提起するために正確に開発されました。
自閉症芸術
自閉症芸術（Autistic art）は、自閉症芸術家や芸術によって創造され、様々な自閉症体験や態度を捉えたり伝えたりする芸術です。自閉症芸術家による芸術は、障害のない芸術家とは別の会場で長く示されてきました。自閉症児の芸術はしばしばアウトサイダー芸術の一部とみなされてきた
自閉症スペクトラム障害を持つ人々は、自閉症などの類似の性格や経験を持ち、大規模な記憶とともに、特定の分野で優れた技術と天才性を発揮します。これらのスキルには、魅力的な描画能力と視覚的記憶、耳で古典的な曲を再生したり、大きな数を記憶したり、比類なき言語スキルを習得できる能力が含まれます。
ほとんどの障害とは異なり、自閉症に関連する身体的手がかりはほとんどありません。社会的合図は、神経の多様性を検出するより明白な方法かもしれません。自閉症者との交流人々は、あなたを魅了し、混乱させたり、興味深い事実に惑わせたり、単に奇妙な行動に苛立ってしまうことがあります。あなたが好きなように色付けしてください。しかし、実際には、自閉症は予期せぬ明るさと色合いをメインストリームにもたらし、明るい影響を与えています。
自閉症者は世界の特定の見解をアート作品に翻訳する。この作品は、自分自身を表現することを切望している人にとって快適で安心できるものであり、他の人が自閉症の精神的過程を理解するのにも役立ちます。
いくつかの自閉症芸術家の作品は、アート出版物、ドキュメンタリーに掲載され、主流のギャラリーに展示されています。
スティーブン・ウィルトシャーは最も有名な自閉症芸術家の一人です。彼の作品は、主に建築物や都市景観、モニュメント、建物です。表現主義的な芸術を生み出している他の自閉症芸術家には、リチャード・ウォーロ、ジェシカ・ヒラリー・パーク、ピン・リーアン・イーグルなどがあります。
造形美術：
オランダの芸術家Roy Wenzel（1959年生まれ）は11歳で診断されました。彼の芸術は過剰であり、非常に断定的でジェスチャー的なイメージです。
Christophe PillaultとDonna Williamsは、動きを重視した具象作品に焦点を当てている。両方のアーティストは、Bernice PelletierとKaren SimmonsによるARTismの賞を受賞し、Autism Todayによって出版されています。 Christophe Pillaultは彼の手で絵を描く。彼の作品は、M.I.N.D Instituteによって出版されたArt of the Mindの著書に掲載されています。
マーク・リムランドは独学者であり、絵や絵はしばしば比喩的であり、人や猫を特徴とする。自閉症の先駆者、バーナード・リムランドの息子、マークはドキュメンタリー「リフティング・ザ・フォッグ」に出演した。 ARTismの自閉症の謎を見て、本の秘密の夜の世界の猫を示しています。
抽象芸術：
Larry BissonnetteとHenriett Seth F.は抽象的で高度にパターン化された作品を作っています。 Roibeard Catnip Tull、Sarah Daisey Van Diesel、Karen Johnson、Silke Heyer、Kristina Teskeyも抽象的な作品を作っています。
想像上の世界：
Gilles TrehinとGeorge Widenerは詳細な想像上の世界を行います。 Gillesは独学のフランス人アーティストで、主に建築家の鉛筆で仕事をしています。彼はスケッチを通してUrvilleと呼ばれる想像上の世界を代表しています。彼はBBC4のドキュメンタリー「Art Savant：The City Inside My Head」に出演しました。
自閉症スペクトラム障害を持つ人々は、自閉症などの類似の性格や経験を持ち、大規模な記憶とともに、特定の分野で優れた技術と天才性を発揮します。これらのスキルには、魅力的な描画能力と視覚的記憶、耳で古典的な曲を再生したり、大きな数を記憶したり、比類なき言語スキルを習得できる能力が含まれます。
ほとんどの障害とは異なり、自閉症に関連する身体的手がかりはほとんどありません。社会的合図は、神経の多様性を検出するより明白な方法かもしれません。自閉症者との交流人々は、あなたを魅了し、混乱させたり、興味深い事実に惑わせたり、単に奇妙な行動に苛立ってしまうことがあります。あなたが好きなように色付けしてください。しかし、実際には、自閉症は予期せぬ明るさと色合いをメインストリームにもたらし、明るい影響を与えています。
自閉症者は世界の特定の見解をアート作品に翻訳する。この作品は、自分自身を表現することを切望している人にとって快適で安心できるものであり、他の人が自閉症の精神的過程を理解するのにも役立ちます。
いくつかの自閉症芸術家の作品は、アート出版物、ドキュメンタリーに掲載され、主流のギャラリーに展示されています。
スティーブン・ウィルトシャーは最も有名な自閉症芸術家の一人です。彼の作品は、主に建築物や都市景観、モニュメント、建物です。表現主義的な芸術を生み出している他の自閉症芸術家には、リチャード・ウォーロ、ジェシカ・ヒラリー・パーク、ピン・リーアン・イーグルなどがあります。
造形美術：
オランダの芸術家Roy Wenzel（1959年生まれ）は11歳で診断されました。彼の芸術は過剰であり、非常に断定的でジェスチャー的なイメージです。
Christophe PillaultとDonna Williamsは、動きを重視した具象作品に焦点を当てている。両方のアーティストは、Bernice PelletierとKaren SimmonsによるARTismの賞を受賞し、Autism Todayによって出版されています。 Christophe Pillaultは彼の手で絵を描く。彼の作品は、M.I.N.D Instituteによって出版されたArt of the Mindの著書に掲載されています。
マーク・リムランドは独学者であり、絵や絵はしばしば比喩的であり、人や猫を特徴とする。自閉症の先駆者、バーナード・リムランドの息子、マークはドキュメンタリー「リフティング・ザ・フォッグ」に出演した。 ARTismの自閉症の謎を見て、本の秘密の夜の世界の猫を示しています。
抽象芸術：
Larry BissonnetteとHenriett Seth F.は抽象的で高度にパターン化された作品を作っています。 Roibeard Catnip Tull、Sarah Daisey Van Diesel、Karen Johnson、Silke Heyer、Kristina Teskeyも抽象的な作品を作っています。
想像上の世界：
Gilles TrehinとGeorge Widenerは詳細な想像上の世界を行います。 Gillesは独学のフランス人アーティストで、主に建築家の鉛筆で仕事をしています。彼はスケッチを通してUrvilleと呼ばれる想像上の世界を代表しています。彼はBBC4のドキュメンタリー「Art Savant：The City Inside My Head」に出演しました。
天文学の芸術
天文学の芸術（Astronomical art）は、宇宙の驚異を示すために努力している現代の芸術的表現のジャンルの言葉です。 Space Artには、他のジャンルと同様、リアリズム、印象派、ハードウェアアート、彫刻、抽象的なイメージ、さらには動物芸術など、多くの面があります。視覚芸術の実践者は、伝統的な絵画メディアを使用して、想像力の中で何十年もの間空間を探索してきました。サイエンスフィクション雑誌や画像エッセイ雑誌は、かつては宇宙芸術の主要な出口であり、しばしば惑星、宇宙船、劇的な宇宙の風景を特徴としていました。
天文学は、宇宙の驚異を視覚化するために捧げられた宇宙芸術の側面です。そのような芸術の主な重点は、人類の新しいフロンティアとしての宇宙環境です。他の多くの作品は、外界の世界、ブラックホールのような極端なもの、天文学のインスピレーションから生じる概念を描いています。
アーティストは天文学の要素で長い間芸術を作ってきましたが、スペースアート自体のジャンルは、人類が私たちの世界を見渡す能力を身に付け始めた時からまだ始まっています。どのような形式の道であろうと、アーティストは一般に、スペースに関係する何らかのアイデアを伝えようとしており、しばしば私たちを取り囲む無限の多様性と広大さの感謝を含んでいます。場合によっては、宇宙飛行士がイラストレーションと絵画以上のものを使って科学的発見や空間を描写する作品を作っているアーティストもいますが、宇宙飛行技術や科学者と直接的に協力して芸術、人文科学、宇宙探査に関連した表現。
天文学の芸術は、1940年代から50年代にかけて、巨大な遠近法の問題を解決し、マットの芸術家の目に塗りつぶして現実的な視覚的印象を作り、魅力的な分野の偉大な専門家を追求する能力によって、彼。彼の作品は、V-2ロケットの前に幻想的だった宇宙旅行について考える戦後の時代に多くの人にインスピレーションを与えました。今日まで、数多くのアーティストが、地球を離れる方法に関する最新のアイデアを描きながら、そこで私たちを待っている不思議を見せるために、宇宙コミュニティーでアイデアを表現するのを助けます。
天文学芸術は、Collier's、This Week、Coronetの雑誌で、1950年代にのみ広範な広報になった。 Chesley BonestellとWilly Leyの著書「Space Conquest of Space」は、1949年に米国で出版されました。
天文学は宇宙船の技術です。宇宙船はしばしば科学小説やファンタジー芸術に密接に関連しており、しばしばSF小説そのものです。宇宙船は1950年代にChesley Bonestellが1970年代からDavid A. Hardy、Bill Hartmann、Don Dixonなど多くの人々によって創造されました。宇宙芸術は芸術と科学の境界を行き来し、芸術家はしばしば自由に想像力を利用する。宇宙芸術は外国の惑星の表面の右のイメージにあまり出ません。例えば、Bonestellの絵画では、月の山は急であり、実際にはむしろ緩いです。 BonestellのTitanの表面イメージは、Space Sergeantのものとは異なります。スペース内の多くのオブジェクトは不正確で遠くの観測しかできないので、宇宙船の需要は依然として激しいです。宇宙芸術は、例えば、宇宙のスペースシャトルのイメージであってもよい。
天文芸術は、遠い過去（古代の歴史と先史時代の動物芸術）、最後に着実に明らかにされた宇宙の地球探査（ハドソン川の学校、ルミニズム）から生まれたインスピレーションのアイデアを探求した、ほとんどの天文学者は、宇宙探査で集められた人間の知識の最前線に来るような方法で、伝統的な絵画の方法やデジタル等価物を使用しています。このような作品は通常、現実の知識に慣れ親しんだ視覚的な言葉で物事を描写します。その詳細は、進行中の知識と推測された推測を反映するエキゾチックな環境に外挿されます。天文学の創造のプロセスの例は、惑星のようなものを経験する砂漠の環境を勉強し、訪問し、そのような経験に基づいて絵を描くことです。もう一つは、クローズアップを見て驚くべきことを聞いて、出版された記事や専門家を探すことです。通常、写真家が絵を構成するのと同じように、好ましい視覚的要素を強調する芸術的努力がなされている。最高の天文学芸術は、描写された主題についてのアーティストの想像力を捉えるものです。
ファンタジーやサイエンスフィクション、驚異的で驚異的な（アナログに改名された）サイエンスフィクション雑誌、そしてギャラクシーは、1950年代の宇宙、特に天文学の芸術家の仕事のための主要な出口として役立った。 Life、Collier's、Coronetのような時代のいくつかの絵本雑誌は、そのような芸術のための他の主要なアウトレットでした。今日の天文学芸術は、スカイやテレスコープ、惑星レポート、時折Scientific Americanなどの雑誌で見ることができます。今日では、個々のウェブサイトがそのような仕事を見るのに最適な場所です。 NASAの美術芸術プログラムは、一般的に特定の宇宙プロジェクトに固有の作品を制作するためにアーティストを雇うための継続的な取り組みでした。このページは、伝統的にこのプログラムの最も成功した側面であることに専念しています。専門家による著名な歴史的出来事の記録です。 NASAのファインアーツプログラムは、そのプログラムの最初の頭であるジェームズ・ディーンの時代には、無限の進歩の時代に運営されましたが、絵画的なリアリズムは支配的な視覚的影響ではなくサブセットに見えました。
宇宙芸術家は、宇宙科学者やエンジニアと緊密に協力して、宇宙探査の夢を実現させるための科学技術コンセプトを視覚化して開発するのに役立つかもしれません。他の形の絵画スペースアートは、人類の拡大するビジョンの成果によって直接的に、あるいはそうでなければインスパイアされた内面のビジョンを視聴者にもたらします。そのような芸術のいくつかの側面は、宇宙空間への視覚的な敬意、外来訪問のビジョン、夢のシンボル、サイケデリなイメージ、そして現代の先見性のある美術への他の影響を含む他の世界の人生の人気のアイデアを支払う。
NASA、ロシアとフランスの宇宙機関、ゼロ・グラビティ・アーツ・コンソーシアムのフライトでは、アーティストが自由落下条件を経験したため、アーティストがマイクログラビティ環境を利用する新しい方法を想像すると、今日知られていない新しい表現方法が生まれます芸術作品。このような夢は大きなチャンスを待っていますが、芸術作品を宇宙空間に置くための初期の努力は、すでに絵画、ホログラフィー、微小重力移動体、浮遊文学作品、彫刻などで達成されています。
上記のような宇宙飛行状況を文書化している作品は、第二次世界大戦中の政府の努力とコンセプトが似ています。
サブガン
ジャンルとしてのスペースアートとそれを作成するアーティストは、幅広いスタイルを取り入れています。視覚芸術では、これらのスタイルは以下のように分類することができます。
記述的リアリズム：
記述的リアリズムは、Chesley Bonestellの芸術的基準の直接的な継承者であり、天体芸術の一側面であり、宇宙の宇宙空間を科学的に正確に視覚的に描写することを主眼としています。天文学を作成するときには、照明、空の色、選択された風景の周囲まで表示される理由、他の世界と同様に特定の状態の変化がシーンを変える可能性があるはずです。また、天文学と天文学の合理的な「接地」、地球を知るための地質学、そして天を知るための天文学が必要です。
宇宙印象派：
スペース・アートは、印象派時代の作品と同様に、宇宙印象派のスタイルで作品を作っています。色や形を使って、技術的に正確で、詳細に描写したり、科学的な原則を守ったりすることなく、イメージの主題に対する印象を鑑賞することができます。より緩やかであるにもかかわらず、主題は依然として空間によって明確に触発されている。
ハードウェアアート：
ハードウェアアートは、通常、記述的リアリズムと似ていますが、スペース設定で使用されている宇宙船、プローブ、および機器のハードウェアの詳細な描写に焦点を当てています。
彫刻：
宇宙芸術彫刻の作品は、ロケットの形、星のオブジェクトを表すステンドグラスの窓、またはゼロ重力の表示のために特別に設計された彫刻された作品のように、通常は本質的により象徴的または抽象的であるなど、しかし、宇宙芸術の三次元的な作品の主なインスピレーションは、他のスタイル、空間そのものと同じです。
宇宙動物学：
宇宙の他の人生の問題にはまだ答えがありませんが、芸術家はそれについて推測し、可能性を想像することができます。宇宙動物学は、地球外生命の外生命の描写である。
その他：
音楽制作やダンスなどの芸術的表現の他の方法での作品は、宇宙に触発され、その分野の宇宙芸術ともみなされます。
天文学へのもうひとつの平行したものは恐竜の芸術です。 どちらの美術学校も、到達不能な領域を探求し、その領域に現実感をもたらすことを意図しています。 Charles R. KnightやZdeněkBurianのようなその分野の「Grand Masters」は、私たちの目で見ることのできない現実的なビジョンを生み出すための最良の情報を使って、この分野の専門家と協力しました。 理想的には、天文学の芸術の場合と同様に、そのような作品は、未知のものや不可解なものを記入するための教育的な推測を伴って、その対象について知られているものを示すことを試みます。 私たちは、奇妙な空想と青の代わりに集められた知識を明らかにするエイリアンの風景が描かれているのと同じように、体のスタンスや羽のような知識の成長を反映した、健全な数の素晴らしい恐竜のアーティストによる最近の作品を見る 昨年の火星の火星。 今日広く公開されている宇宙天文学者のほとんどは1983年以来、国際天文学者協会に所属しています。
天文学は、宇宙の驚異を視覚化するために捧げられた宇宙芸術の側面です。そのような芸術の主な重点は、人類の新しいフロンティアとしての宇宙環境です。他の多くの作品は、外界の世界、ブラックホールのような極端なもの、天文学のインスピレーションから生じる概念を描いています。
アーティストは天文学の要素で長い間芸術を作ってきましたが、スペースアート自体のジャンルは、人類が私たちの世界を見渡す能力を身に付け始めた時からまだ始まっています。どのような形式の道であろうと、アーティストは一般に、スペースに関係する何らかのアイデアを伝えようとしており、しばしば私たちを取り囲む無限の多様性と広大さの感謝を含んでいます。場合によっては、宇宙飛行士がイラストレーションと絵画以上のものを使って科学的発見や空間を描写する作品を作っているアーティストもいますが、宇宙飛行技術や科学者と直接的に協力して芸術、人文科学、宇宙探査に関連した表現。
天文学の芸術は、1940年代から50年代にかけて、巨大な遠近法の問題を解決し、マットの芸術家の目に塗りつぶして現実的な視覚的印象を作り、魅力的な分野の偉大な専門家を追求する能力によって、彼。彼の作品は、V-2ロケットの前に幻想的だった宇宙旅行について考える戦後の時代に多くの人にインスピレーションを与えました。今日まで、数多くのアーティストが、地球を離れる方法に関する最新のアイデアを描きながら、そこで私たちを待っている不思議を見せるために、宇宙コミュニティーでアイデアを表現するのを助けます。
天文学芸術は、Collier's、This Week、Coronetの雑誌で、1950年代にのみ広範な広報になった。 Chesley BonestellとWilly Leyの著書「Space Conquest of Space」は、1949年に米国で出版されました。
天文学は宇宙船の技術です。宇宙船はしばしば科学小説やファンタジー芸術に密接に関連しており、しばしばSF小説そのものです。宇宙船は1950年代にChesley Bonestellが1970年代からDavid A. Hardy、Bill Hartmann、Don Dixonなど多くの人々によって創造されました。宇宙芸術は芸術と科学の境界を行き来し、芸術家はしばしば自由に想像力を利用する。宇宙芸術は外国の惑星の表面の右のイメージにあまり出ません。例えば、Bonestellの絵画では、月の山は急であり、実際にはむしろ緩いです。 BonestellのTitanの表面イメージは、Space Sergeantのものとは異なります。スペース内の多くのオブジェクトは不正確で遠くの観測しかできないので、宇宙船の需要は依然として激しいです。宇宙芸術は、例えば、宇宙のスペースシャトルのイメージであってもよい。
天文芸術は、遠い過去（古代の歴史と先史時代の動物芸術）、最後に着実に明らかにされた宇宙の地球探査（ハドソン川の学校、ルミニズム）から生まれたインスピレーションのアイデアを探求した、ほとんどの天文学者は、宇宙探査で集められた人間の知識の最前線に来るような方法で、伝統的な絵画の方法やデジタル等価物を使用しています。このような作品は通常、現実の知識に慣れ親しんだ視覚的な言葉で物事を描写します。その詳細は、進行中の知識と推測された推測を反映するエキゾチックな環境に外挿されます。天文学の創造のプロセスの例は、惑星のようなものを経験する砂漠の環境を勉強し、訪問し、そのような経験に基づいて絵を描くことです。もう一つは、クローズアップを見て驚くべきことを聞いて、出版された記事や専門家を探すことです。通常、写真家が絵を構成するのと同じように、好ましい視覚的要素を強調する芸術的努力がなされている。最高の天文学芸術は、描写された主題についてのアーティストの想像力を捉えるものです。
ファンタジーやサイエンスフィクション、驚異的で驚異的な（アナログに改名された）サイエンスフィクション雑誌、そしてギャラクシーは、1950年代の宇宙、特に天文学の芸術家の仕事のための主要な出口として役立った。 Life、Collier's、Coronetのような時代のいくつかの絵本雑誌は、そのような芸術のための他の主要なアウトレットでした。今日の天文学芸術は、スカイやテレスコープ、惑星レポート、時折Scientific Americanなどの雑誌で見ることができます。今日では、個々のウェブサイトがそのような仕事を見るのに最適な場所です。 NASAの美術芸術プログラムは、一般的に特定の宇宙プロジェクトに固有の作品を制作するためにアーティストを雇うための継続的な取り組みでした。このページは、伝統的にこのプログラムの最も成功した側面であることに専念しています。専門家による著名な歴史的出来事の記録です。 NASAのファインアーツプログラムは、そのプログラムの最初の頭であるジェームズ・ディーンの時代には、無限の進歩の時代に運営されましたが、絵画的なリアリズムは支配的な視覚的影響ではなくサブセットに見えました。
宇宙芸術家は、宇宙科学者やエンジニアと緊密に協力して、宇宙探査の夢を実現させるための科学技術コンセプトを視覚化して開発するのに役立つかもしれません。他の形の絵画スペースアートは、人類の拡大するビジョンの成果によって直接的に、あるいはそうでなければインスパイアされた内面のビジョンを視聴者にもたらします。そのような芸術のいくつかの側面は、宇宙空間への視覚的な敬意、外来訪問のビジョン、夢のシンボル、サイケデリなイメージ、そして現代の先見性のある美術への他の影響を含む他の世界の人生の人気のアイデアを支払う。
NASA、ロシアとフランスの宇宙機関、ゼロ・グラビティ・アーツ・コンソーシアムのフライトでは、アーティストが自由落下条件を経験したため、アーティストがマイクログラビティ環境を利用する新しい方法を想像すると、今日知られていない新しい表現方法が生まれます芸術作品。このような夢は大きなチャンスを待っていますが、芸術作品を宇宙空間に置くための初期の努力は、すでに絵画、ホログラフィー、微小重力移動体、浮遊文学作品、彫刻などで達成されています。
上記のような宇宙飛行状況を文書化している作品は、第二次世界大戦中の政府の努力とコンセプトが似ています。
サブガン
ジャンルとしてのスペースアートとそれを作成するアーティストは、幅広いスタイルを取り入れています。視覚芸術では、これらのスタイルは以下のように分類することができます。
記述的リアリズム：
記述的リアリズムは、Chesley Bonestellの芸術的基準の直接的な継承者であり、天体芸術の一側面であり、宇宙の宇宙空間を科学的に正確に視覚的に描写することを主眼としています。天文学を作成するときには、照明、空の色、選択された風景の周囲まで表示される理由、他の世界と同様に特定の状態の変化がシーンを変える可能性があるはずです。また、天文学と天文学の合理的な「接地」、地球を知るための地質学、そして天を知るための天文学が必要です。
宇宙印象派：
スペース・アートは、印象派時代の作品と同様に、宇宙印象派のスタイルで作品を作っています。色や形を使って、技術的に正確で、詳細に描写したり、科学的な原則を守ったりすることなく、イメージの主題に対する印象を鑑賞することができます。より緩やかであるにもかかわらず、主題は依然として空間によって明確に触発されている。
ハードウェアアート：
ハードウェアアートは、通常、記述的リアリズムと似ていますが、スペース設定で使用されている宇宙船、プローブ、および機器のハードウェアの詳細な描写に焦点を当てています。
彫刻：
宇宙芸術彫刻の作品は、ロケットの形、星のオブジェクトを表すステンドグラスの窓、またはゼロ重力の表示のために特別に設計された彫刻された作品のように、通常は本質的により象徴的または抽象的であるなど、しかし、宇宙芸術の三次元的な作品の主なインスピレーションは、他のスタイル、空間そのものと同じです。
宇宙動物学：
宇宙の他の人生の問題にはまだ答えがありませんが、芸術家はそれについて推測し、可能性を想像することができます。宇宙動物学は、地球外生命の外生命の描写である。
その他：
音楽制作やダンスなどの芸術的表現の他の方法での作品は、宇宙に触発され、その分野の宇宙芸術ともみなされます。
天文学へのもうひとつの平行したものは恐竜の芸術です。 どちらの美術学校も、到達不能な領域を探求し、その領域に現実感をもたらすことを意図しています。 Charles R. KnightやZdeněkBurianのようなその分野の「Grand Masters」は、私たちの目で見ることのできない現実的なビジョンを生み出すための最良の情報を使って、この分野の専門家と協力しました。 理想的には、天文学の芸術の場合と同様に、そのような作品は、未知のものや不可解なものを記入するための教育的な推測を伴って、その対象について知られているものを示すことを試みます。 私たちは、奇妙な空想と青の代わりに集められた知識を明らかにするエイリアンの風景が描かれているのと同じように、体のスタンスや羽のような知識の成長を反映した、健全な数の素晴らしい恐竜のアーティストによる最近の作品を見る 昨年の火星の火星。 今日広く公開されている宇宙天文学者のほとんどは1983年以来、国際天文学者協会に所属しています。
アスペクト
アスペクト主義（Aspectism）は外見を表現しようとする視覚芸術の一種である。情緒的経験は理性によって制御されているため望ましい。情熱的経験は、自然界のすべてが物質と意識から成っている理由で制御されないため望ましくない。視覚芸術は、アーティストの内面的な感情体験を完全に伝えるものではなく、観客が作品を見て感情的な体験をコントロールするものでもありません。芸術そのものは、オブジェクトの美しい外観に焦点を当てるべきです。
「アスペクトミスム」という言葉は、単に審美的な動機に基づく差別です。それは、さらに、予測不能な審美的基準に基づくことができる特定の人々の不可視の一形態である。例えば、背が高くない人、体格にかかわらず、特定の方法で服を着る人、または非常に特定の傾向によって厳格にマークされた美容師に合わない人に対抗する可能性があります。
アスペクト主義は客観主義に似ているが、主に個人的な美的好みの心理学に偏っている。心理宇宙のモデルを構築するプロセスは、多くの哲学的な仮定を伴う。心理学者にとって最も重要な2つの哲学的問題は、（1）心身の問題と（2）人間の性質です。これらの2つの問題が哲学的レベルで解決されていないという事実は、現在の多元的心理学の状態を説明するのに役立つ。心理学のすべてのシステムは、これらの問題のそれぞれについてポジションを取ってから、それに応じて進めなければなりません。心身の問題には、認識論的および形而上学的な側面があります。人間の本質は形而上学的な問題である。
心身の問題は擬似問題であり、アスペクト主義は個人が心と体に分けることはできないが、身体的、精神的な出来事を同時に経験する団結で構成されていることを示唆する別の二元的な見解である。肉体的、精神的な出来事は人間の両面です。この見解によれば、身体と心は相互作用することはできません。人間として経験するそれぞれの出来事の2つの側面です
批判
アスペクト主義は、事実上自動的に行動するため、特に有害であり、多くの場合、国民の意思に反します。誰かの個人的なイメージは、一目で即座にキャプチャされるものです。それは他の人の出現を研究する目的として何か努力や時間を費やす必要はありませんが、自発的に取り込まれます。
これは、いったん個人的側面が決定的である社会的ダイナミックスが作成されると、この差別的偏見は人生のあらゆる面で生じることを意味します。
最近の数十年間で、所望のボディシルエットは劇的な変化を遂げたので、モデルは女性の美のパラダイムとして薄くて高くなっています。スタイルと身体的属性が社会的に多かれ少なかれ魅力的なものになるように広告に影響を及ぼします。素晴らしいボディは販売を増やすための主張として使われます。
例えば、同性愛者が性的傾向が分かるまで瞬時に同性愛者が起こるのと同じように、視覚的接触が確立されたわずかなゼロからの影響に気づくことができるのは、アスペクト主義です。つまり、平均的な人が1日に確立する社会的相互作用の大部分で。加えて、アスペクトミスの別の効果は、それがハロー効果で補完されることである。
アスペクト主義はハロー効果を引き起こすのは簡単です。それは、誰かの特定の特性が、その特性の残りの部分をより積極的に、あるいはより否定的に判断するかどうかを決定する心理的現象であり、最終的には全体としての人です。
ダブルアスペクト主義：
前者の位置は明らかに相互作用主義的であるが、後者の視点は、心と物質が本当に別々のものではなく、二重のアスペクト主義として最もよく記述できる。後者の考え方は物質主義的な試みを試みているが、技術的には二元論的な見解である。どちらの場合も、重要性は人間の機能に関する記述です。
ダブルアスペクト指向とは、物質的な物質と意識が人間を含む宇宙のすべての不可分な側面であるというスピノザの主張を指します。身体的および精神的な出来事は、あらゆる経験の2つの側面であるため、不可分であるという信念です。
心理的状況における心身の問題は、意識と行動の間に存在する関係の問題に還元される。 （1）二元論、（2）一元論、（3）エピフェノメナリズム、（4）ダブル・アスペクト主義の4つの徹底的な哲学的決議が適用される。認識論は究極の真実と真理の源に関係している。形而上学は、現実の本質とそれが構成されている物質の種類を含む。全体として、BlockはNagelが行ったように、財産の二元論と二重側面主義を同等と見なしているようです。
「アスペクトミスム」という言葉は、単に審美的な動機に基づく差別です。それは、さらに、予測不能な審美的基準に基づくことができる特定の人々の不可視の一形態である。例えば、背が高くない人、体格にかかわらず、特定の方法で服を着る人、または非常に特定の傾向によって厳格にマークされた美容師に合わない人に対抗する可能性があります。
アスペクト主義は客観主義に似ているが、主に個人的な美的好みの心理学に偏っている。心理宇宙のモデルを構築するプロセスは、多くの哲学的な仮定を伴う。心理学者にとって最も重要な2つの哲学的問題は、（1）心身の問題と（2）人間の性質です。これらの2つの問題が哲学的レベルで解決されていないという事実は、現在の多元的心理学の状態を説明するのに役立つ。心理学のすべてのシステムは、これらの問題のそれぞれについてポジションを取ってから、それに応じて進めなければなりません。心身の問題には、認識論的および形而上学的な側面があります。人間の本質は形而上学的な問題である。
心身の問題は擬似問題であり、アスペクト主義は個人が心と体に分けることはできないが、身体的、精神的な出来事を同時に経験する団結で構成されていることを示唆する別の二元的な見解である。肉体的、精神的な出来事は人間の両面です。この見解によれば、身体と心は相互作用することはできません。人間として経験するそれぞれの出来事の2つの側面です
批判
アスペクト主義は、事実上自動的に行動するため、特に有害であり、多くの場合、国民の意思に反します。誰かの個人的なイメージは、一目で即座にキャプチャされるものです。それは他の人の出現を研究する目的として何か努力や時間を費やす必要はありませんが、自発的に取り込まれます。
これは、いったん個人的側面が決定的である社会的ダイナミックスが作成されると、この差別的偏見は人生のあらゆる面で生じることを意味します。
最近の数十年間で、所望のボディシルエットは劇的な変化を遂げたので、モデルは女性の美のパラダイムとして薄くて高くなっています。スタイルと身体的属性が社会的に多かれ少なかれ魅力的なものになるように広告に影響を及ぼします。素晴らしいボディは販売を増やすための主張として使われます。
例えば、同性愛者が性的傾向が分かるまで瞬時に同性愛者が起こるのと同じように、視覚的接触が確立されたわずかなゼロからの影響に気づくことができるのは、アスペクト主義です。つまり、平均的な人が1日に確立する社会的相互作用の大部分で。加えて、アスペクトミスの別の効果は、それがハロー効果で補完されることである。
アスペクト主義はハロー効果を引き起こすのは簡単です。それは、誰かの特定の特性が、その特性の残りの部分をより積極的に、あるいはより否定的に判断するかどうかを決定する心理的現象であり、最終的には全体としての人です。
ダブルアスペクト主義：
前者の位置は明らかに相互作用主義的であるが、後者の視点は、心と物質が本当に別々のものではなく、二重のアスペクト主義として最もよく記述できる。後者の考え方は物質主義的な試みを試みているが、技術的には二元論的な見解である。どちらの場合も、重要性は人間の機能に関する記述です。
ダブルアスペクト指向とは、物質的な物質と意識が人間を含む宇宙のすべての不可分な側面であるというスピノザの主張を指します。身体的および精神的な出来事は、あらゆる経験の2つの側面であるため、不可分であるという信念です。
心理的状況における心身の問題は、意識と行動の間に存在する関係の問題に還元される。 （1）二元論、（2）一元論、（3）エピフェノメナリズム、（4）ダブル・アスペクト主義の4つの徹底的な哲学的決議が適用される。認識論は究極の真実と真理の源に関係している。形而上学は、現実の本質とそれが構成されている物質の種類を含む。全体として、BlockはNagelが行ったように、財産の二元論と二重側面主義を同等と見なしているようです。
建築ペインティング
建築絵画は、屋根の眺めとインテリアの両方の建築に主眼を置くジャンル絵画の一種です。初期の絵画やイルミネーションの多くには建築が存在していましたが、主に背景として使用されたり、絵にリズムを提供したりしました。ルネサンスでは、1420年代のマサッチョのホーリー・トリニティのように、建築物を使って視点を強調し、深み感を作り出しました。
建築絵画は、主な動機として外装と内装の両方の工事が行われている、この分野のジャンルです。芸術は、古代、特にローマ人（ポンペイの壁画）で栽培されましたが、自己目的ではなく、人物像の背景や風景の構成要素として使用されています。
建築絵画は、主題の建築を持つ絵画の方向です。彼の主題によれば、すぐに建物の内装と内装、すぐにその外観が描かれ、大規模な建物の再生、風景画に似た近所の近くに来る。建築絵画については、特に、そのスタイルとキャラクターの信頼できる認識だけでなく、空間的展開の明確な提示によって建築の仕事を説明するために、この芸術のブランチでは、line-as空気の視点と同様です。活発なスポットライトは、画像が建築家の絵画の目的を矛盾させる、模式的で乾燥した建築上の傷として現れることを不可能にすることが多い。
西洋美術ではフランダースとオランダで16世紀に独立したジャンルとして発展し、16世紀と17世紀のオランダの絵画の頂点に達しました。その後、ロマンチックな絵画のためのツールで開発されました。遺跡が非常に人気を博しています。密接に関連したジャンルは、建築上の幻想、幻想的な寓話、特に幻想的な天井画、都市景観です。
西洋建築の絵画：
建築画は、16世紀に完全に開発され独立した芸術の枝として最初に現れていますが、古美術には装飾美術としてはるかに早いので、ポンペイの壁画が目撃しています。中世には、宗教絵画の描写の背景としての役割を果たしており、当時の劇場の場面よりも周囲の現実感から被験者を控えているようです。
徐々に、芸術の発展の下で、画家がしばしばマスタービルダーであるという事実のために、徐々に特別な注意が払われます。したがって、厄介なルネッサンス期には、カウンター内で宗教的および歴史的なイメージとの奉仕の関係が暗示していることも重要な回復を遂げています。パオロ・ウチェッロ、ピエロ・デッラ・フランチェスカ、メロゾ・ダ・フォルリ、ベノッツォ・ゴッツォリなど、数々の画家が絵を描き、その絵画を幅広く使っています。 Andrea Mantegnaは、パドヴァでいくつかの建築的な視点を描きました。 AlbertisとLeonardo da Vinciの幾何学的な研究と絵のような会社は、そのジャンルをさらに発展させました。ラファエル（アテネのピエトロ・ペルギノスとラファエル・トロロベセンの建築を比較）とヴェネツィア人は、装飾的な継ぎ目としての頂点に応じて建築画に達しました。どのような美しさと美しさですか？
16世紀には、西洋美術における別のジャンルとしての建築絵画の発展が見られました。この時期の主なセンターはフランダースとオランダでした。最初の重要な建築画家は、オランダのHans Vredeman de Vries（1527-1607）であり、建築家でも画家でもあった。フランダースとオランダのHans Vredeman de Vriesの学生には、息子のSalomonとPaulとHendrik van Steenwijk Iが含まれています。彼らを通じ、彼らの家族と学生はそれを普及させ、オランダのゴールデン年齢の絵画。
17世紀には、肖像画や風景とともに、オランダの黄金時代における建築の絵画が有力なジャンルとなりました。
建築の絵画、関連するヴェデットや街の風景は、18世紀のイタリアで特に人気がありました。建築絵画に密接に関連する別のジャンルは、カプリシオ、想像上の建築に焦点を当てた想像であった。
19世紀のスカンジナビア代表者には、ノルウェーのヴィンセント・シュトルテンベルク・ルルシェとデンマークの画家、ヨルゲン・ローデ、コンスタンティン・ハンセン、クリスティン・クーベがある。
デンマークの建築絵画は、安全なデザインを重視し、忠実な自然観察の信念の観点を徹底的に熟知し、エッカーベルク時代に良好な生活条件を得ました。建築芸術と様々な歴史的形態の高い温暖化の関心もまた肥料でなければならなかった。 Eckersberg自身が建築イメージを描いているが、MartinusRørbyeは歩み寄った。アートサークル内では、それはしばしば最高レベルに達した非専門家である。したがって、建築画の優れたサンプルは、ジョルゲン・ローデ（Bargello、フレデリクスボー城など）、コンスタンティン・ハンセン（Pæstumの寺院）、クリスチャン・コブ（オーフス大聖堂など）によるものです。 Joakim SkovgaardとKristian Zahrtmannは、パルテノンから熟練した仕事を受けました。真の建築家画家の中には、絵画（大部分はオランダのルネサンス）で大いに人気を博したハインリッヒ・ハンセン（Hinrich Hansen）があります。これは輝く床や鮮やかな大理石などのアクセサリーを再現します。ヨーロッパの建築芸術。さらに、特にヴェネツィアの建築を好むジョセフ・テオドール・ハンセンなど、ニールス・ブレダール、ピーター・コーンバック、オーギュスト・フィッシャー、アドルフ・ハンセン、クリスチャン・ヴィルヘルム・ニールセン、カール・クリスチャン・アンデルセンが挙げられます。カール・ジェンセンは、ローゼンボリの写真、ヘルシンゲルとリューベックの教会の内装など、絵画的な効果と優れたラインナップを達成しました。他にもトム・ピーターセン、ヨハン・ローデ、グスタフ・ヴィルヘルム・ブロム、マルテ・エンゲルステッド、ヴィルヘルム・ハンマーシェイ、スヴェンデ・ハマーシェイ、カール・マーティン・ソヤ・ジェンセン、シャーロット・フリモット、エリック・ストルックマン、マリー・ヘンリクエス、オーガスタ・ザル・クレメンセンなどがあります。
東部の建築絵画：
中国では、建築絵画は「ジーファ」と呼ばれ、主に下絵の絵として見られました。境界絵画は中国絵画の一種で、描画するときに境界線を描き、建物などのオブジェクトを描画するために使用されます。 川の地図上の清明の最も有名な境界図。
城の塔や橋、ボート、キャリッジなどの建物を正確に描く技術であるルールコンパスを使用します。
境界絵画はすでに晋時代に作られたもので、隋時代には非常によく発展しています。唐時代の王朝時代の李天龍の墓には、
製図業の有名な芸術家は、唐時代の陰時代、五代時代の趙大儀、朝鮮時代の王朝禅、元朝の李龍仁、明代の元殷、清朝の元江などであった。
建築絵画は、主な動機として外装と内装の両方の工事が行われている、この分野のジャンルです。芸術は、古代、特にローマ人（ポンペイの壁画）で栽培されましたが、自己目的ではなく、人物像の背景や風景の構成要素として使用されています。
建築絵画は、主題の建築を持つ絵画の方向です。彼の主題によれば、すぐに建物の内装と内装、すぐにその外観が描かれ、大規模な建物の再生、風景画に似た近所の近くに来る。建築絵画については、特に、そのスタイルとキャラクターの信頼できる認識だけでなく、空間的展開の明確な提示によって建築の仕事を説明するために、この芸術のブランチでは、line-as空気の視点と同様です。活発なスポットライトは、画像が建築家の絵画の目的を矛盾させる、模式的で乾燥した建築上の傷として現れることを不可能にすることが多い。
西洋美術ではフランダースとオランダで16世紀に独立したジャンルとして発展し、16世紀と17世紀のオランダの絵画の頂点に達しました。その後、ロマンチックな絵画のためのツールで開発されました。遺跡が非常に人気を博しています。密接に関連したジャンルは、建築上の幻想、幻想的な寓話、特に幻想的な天井画、都市景観です。
西洋建築の絵画：
建築画は、16世紀に完全に開発され独立した芸術の枝として最初に現れていますが、古美術には装飾美術としてはるかに早いので、ポンペイの壁画が目撃しています。中世には、宗教絵画の描写の背景としての役割を果たしており、当時の劇場の場面よりも周囲の現実感から被験者を控えているようです。
徐々に、芸術の発展の下で、画家がしばしばマスタービルダーであるという事実のために、徐々に特別な注意が払われます。したがって、厄介なルネッサンス期には、カウンター内で宗教的および歴史的なイメージとの奉仕の関係が暗示していることも重要な回復を遂げています。パオロ・ウチェッロ、ピエロ・デッラ・フランチェスカ、メロゾ・ダ・フォルリ、ベノッツォ・ゴッツォリなど、数々の画家が絵を描き、その絵画を幅広く使っています。 Andrea Mantegnaは、パドヴァでいくつかの建築的な視点を描きました。 AlbertisとLeonardo da Vinciの幾何学的な研究と絵のような会社は、そのジャンルをさらに発展させました。ラファエル（アテネのピエトロ・ペルギノスとラファエル・トロロベセンの建築を比較）とヴェネツィア人は、装飾的な継ぎ目としての頂点に応じて建築画に達しました。どのような美しさと美しさですか？
16世紀には、西洋美術における別のジャンルとしての建築絵画の発展が見られました。この時期の主なセンターはフランダースとオランダでした。最初の重要な建築画家は、オランダのHans Vredeman de Vries（1527-1607）であり、建築家でも画家でもあった。フランダースとオランダのHans Vredeman de Vriesの学生には、息子のSalomonとPaulとHendrik van Steenwijk Iが含まれています。彼らを通じ、彼らの家族と学生はそれを普及させ、オランダのゴールデン年齢の絵画。
17世紀には、肖像画や風景とともに、オランダの黄金時代における建築の絵画が有力なジャンルとなりました。
建築の絵画、関連するヴェデットや街の風景は、18世紀のイタリアで特に人気がありました。建築絵画に密接に関連する別のジャンルは、カプリシオ、想像上の建築に焦点を当てた想像であった。
19世紀のスカンジナビア代表者には、ノルウェーのヴィンセント・シュトルテンベルク・ルルシェとデンマークの画家、ヨルゲン・ローデ、コンスタンティン・ハンセン、クリスティン・クーベがある。
デンマークの建築絵画は、安全なデザインを重視し、忠実な自然観察の信念の観点を徹底的に熟知し、エッカーベルク時代に良好な生活条件を得ました。建築芸術と様々な歴史的形態の高い温暖化の関心もまた肥料でなければならなかった。 Eckersberg自身が建築イメージを描いているが、MartinusRørbyeは歩み寄った。アートサークル内では、それはしばしば最高レベルに達した非専門家である。したがって、建築画の優れたサンプルは、ジョルゲン・ローデ（Bargello、フレデリクスボー城など）、コンスタンティン・ハンセン（Pæstumの寺院）、クリスチャン・コブ（オーフス大聖堂など）によるものです。 Joakim SkovgaardとKristian Zahrtmannは、パルテノンから熟練した仕事を受けました。真の建築家画家の中には、絵画（大部分はオランダのルネサンス）で大いに人気を博したハインリッヒ・ハンセン（Hinrich Hansen）があります。これは輝く床や鮮やかな大理石などのアクセサリーを再現します。ヨーロッパの建築芸術。さらに、特にヴェネツィアの建築を好むジョセフ・テオドール・ハンセンなど、ニールス・ブレダール、ピーター・コーンバック、オーギュスト・フィッシャー、アドルフ・ハンセン、クリスチャン・ヴィルヘルム・ニールセン、カール・クリスチャン・アンデルセンが挙げられます。カール・ジェンセンは、ローゼンボリの写真、ヘルシンゲルとリューベックの教会の内装など、絵画的な効果と優れたラインナップを達成しました。他にもトム・ピーターセン、ヨハン・ローデ、グスタフ・ヴィルヘルム・ブロム、マルテ・エンゲルステッド、ヴィルヘルム・ハンマーシェイ、スヴェンデ・ハマーシェイ、カール・マーティン・ソヤ・ジェンセン、シャーロット・フリモット、エリック・ストルックマン、マリー・ヘンリクエス、オーガスタ・ザル・クレメンセンなどがあります。
東部の建築絵画：
中国では、建築絵画は「ジーファ」と呼ばれ、主に下絵の絵として見られました。境界絵画は中国絵画の一種で、描画するときに境界線を描き、建物などのオブジェクトを描画するために使用されます。 川の地図上の清明の最も有名な境界図。
城の塔や橋、ボート、キャリッジなどの建物を正確に描く技術であるルールコンパスを使用します。
境界絵画はすでに晋時代に作られたもので、隋時代には非常によく発展しています。唐時代の王朝時代の李天龍の墓には、
製図業の有名な芸術家は、唐時代の陰時代、五代時代の趙大儀、朝鮮時代の王朝禅、元朝の李龍仁、明代の元殷、清朝の元江などであった。
古美術
アンティークは、この言葉の意味の手がかりになるはずです。これは、古くから古くなっているものを指します。これは祖父母ではありません - これは数百年または数千年前のように実際には古くなります。人々はまた、この言葉を使って、古いやり方を新しいやり方と比較します。昔ながらのアイデアは、近代性に反する古代（新しいアイデアややり方）と言えるでしょう。古代は、中世の前の時を意味することもあります。
古代は、古代からのオブジェクト、特に地中海の文明：古代ギリシャとローマ、古代エジプトと他の古代近東文化の古代古代からのものです。 Mesolithicやアジアなどの文明のような初期のものからの成果物も、この用語でカバーされる可能性があります。古代の遺物に高い価値を与えるという現象は、他の文化、特に中国の儀式の青銅器（3〜2千年前）が熱心に収集され、数世紀にわたって模倣されている中国と、メゾアメリカのプリコロンビア文化特に初期のオルメック文明の成果物は、スペインの征服までの後期文化の重要な場所に再発見されています。
古代。モニュメント、遺物、または習慣として、古代に属しているか、または古代から残っているもの。古代の品質。中世より前の歴史の時代、民族、国家、種族、または古代の文化の時代から始まります。
この用語の定義は必ずしも正確ではなく、博物館のような制度的定義はしばしば後期をカバーするが、通常の使用法ではゴシック様式の物体は、例えば1700年にはうまくいくかもしれないが1513年に英語で最初に発見されて以来、古美術のカットオフ日が後退する傾向にあったためです。非芸術的な人工物は、以前よりも古美術と呼ばれる可能性が低くなりました。フランシス・ベーコンは1605年に次のように書いています。「古代は歴史が損なわれている、あるいは時代の難破船を偶然脱出した歴史の残骸です。
美術貿易は現代の用語の使用を反映している。クリスティーズの "古代美術学部"は、文明の幕開けから、西ヨーロッパからカスピ海に至るまで、エジプト、ギリシャ、ローマ、近東の文化を取り入れた暗黒時代までの対象をカバーしています。 Bonhamsは同様の定義を使用しています： "... BC、12世紀の広告に地理的には4000年BCエジプト、近東、そしてヨーロッパに由来します..."公式の休業日はしばしば後であり、美術史の正確な区分、彼らが保護したいすべての歴史的期間にこの用語を使用する：ヨルダンでは1750年、香港1800年などである。
この用語は、この不正確さのために公式の学術的議論にはもはやあまり使われていない。すべてではないが、ほとんどの古代遺物は考古学によって回収されている。考古学の結果として一般には発見されないオブジェクトをカバーする骨董品との重複はほとんどないか、ほとんどではないが、約300年以上、通常ははるかに少ない。
古代芸術とは、古代中国、インド、メソポタミア、ペルシャ、パレスチナ、エジプト、ギリシャ、ローマなどの書物を用いて、古代社会の高度な文化によって作られた多くの種類の芸術を指します。先文学社会の芸術は、通常、先史時代の芸術と呼ばれており、ここでは扱いません。いくつかのプリコロンビアの文化は、ヨーロッパ人の到着前に何世紀にもわたって執筆されていましたが、デートの理由から、プレコロンビアの芸術や、マヤ美術やアステカ美術などの記事でカバーされています。
バロック時代に使われていたヨセフスのユダヤ人の古代遺跡に反映された、遺物や物質文化の体系的探査によって文明が回復するというアイデアは、古代の遺物が残っていた中世に失われた彼らの材料の希少性や奇妙さ、あるいは単に魔法や奇跡的な力を与えられたと考えられていたからです。貴重なカメオや他のアンティークの彫刻された宝石は、ゴスペルのカバーとして使用されることによって、クラウンやダイアデム、典礼のオブジェクト、領事のアイボリーディップなどに組み込まれると保存されるかもしれません。ローマの柱は教会で建て直すことができました。 sarcophagiは新しい居住者を受け取り、cinerary壷は聖なる水stoupsとして機能することができた。 「アイドル」として恐喝され、非難された人間の形態の彫刻表現は、被験者を再確認することによって修復することができます：カンデジョリオの乗馬ブロンズマーカス・アウレリウスはキリスト教皇帝コンスタンティヌスの象徴として尊敬され、パヴィア・レギゾルは市民的役割それはそれを保存した。ローマでは、ローマの銅のスピナリオはガイドブック作家のマジスター・グレゴリオウスによって賞賛されました。カロリングのルネッサンスの古典主義は、レイト・アンティークの写本の鑑賞によって部分的に影響を受けました。ユートレット・シフターは、手書きとイラストの両方で、このようなレイト・アンティークのオリジナルを再現しようとしています。
古代は、古代からのオブジェクト、特に地中海の文明：古代ギリシャとローマ、古代エジプトと他の古代近東文化の古代古代からのものです。 Mesolithicやアジアなどの文明のような初期のものからの成果物も、この用語でカバーされる可能性があります。古代の遺物に高い価値を与えるという現象は、他の文化、特に中国の儀式の青銅器（3〜2千年前）が熱心に収集され、数世紀にわたって模倣されている中国と、メゾアメリカのプリコロンビア文化特に初期のオルメック文明の成果物は、スペインの征服までの後期文化の重要な場所に再発見されています。
古代。モニュメント、遺物、または習慣として、古代に属しているか、または古代から残っているもの。古代の品質。中世より前の歴史の時代、民族、国家、種族、または古代の文化の時代から始まります。
この用語の定義は必ずしも正確ではなく、博物館のような制度的定義はしばしば後期をカバーするが、通常の使用法ではゴシック様式の物体は、例えば1700年にはうまくいくかもしれないが1513年に英語で最初に発見されて以来、古美術のカットオフ日が後退する傾向にあったためです。非芸術的な人工物は、以前よりも古美術と呼ばれる可能性が低くなりました。フランシス・ベーコンは1605年に次のように書いています。「古代は歴史が損なわれている、あるいは時代の難破船を偶然脱出した歴史の残骸です。
美術貿易は現代の用語の使用を反映している。クリスティーズの "古代美術学部"は、文明の幕開けから、西ヨーロッパからカスピ海に至るまで、エジプト、ギリシャ、ローマ、近東の文化を取り入れた暗黒時代までの対象をカバーしています。 Bonhamsは同様の定義を使用しています： "... BC、12世紀の広告に地理的には4000年BCエジプト、近東、そしてヨーロッパに由来します..."公式の休業日はしばしば後であり、美術史の正確な区分、彼らが保護したいすべての歴史的期間にこの用語を使用する：ヨルダンでは1750年、香港1800年などである。
この用語は、この不正確さのために公式の学術的議論にはもはやあまり使われていない。すべてではないが、ほとんどの古代遺物は考古学によって回収されている。考古学の結果として一般には発見されないオブジェクトをカバーする骨董品との重複はほとんどないか、ほとんどではないが、約300年以上、通常ははるかに少ない。
古代芸術とは、古代中国、インド、メソポタミア、ペルシャ、パレスチナ、エジプト、ギリシャ、ローマなどの書物を用いて、古代社会の高度な文化によって作られた多くの種類の芸術を指します。先文学社会の芸術は、通常、先史時代の芸術と呼ばれており、ここでは扱いません。いくつかのプリコロンビアの文化は、ヨーロッパ人の到着前に何世紀にもわたって執筆されていましたが、デートの理由から、プレコロンビアの芸術や、マヤ美術やアステカ美術などの記事でカバーされています。
バロック時代に使われていたヨセフスのユダヤ人の古代遺跡に反映された、遺物や物質文化の体系的探査によって文明が回復するというアイデアは、古代の遺物が残っていた中世に失われた彼らの材料の希少性や奇妙さ、あるいは単に魔法や奇跡的な力を与えられたと考えられていたからです。貴重なカメオや他のアンティークの彫刻された宝石は、ゴスペルのカバーとして使用されることによって、クラウンやダイアデム、典礼のオブジェクト、領事のアイボリーディップなどに組み込まれると保存されるかもしれません。ローマの柱は教会で建て直すことができました。 sarcophagiは新しい居住者を受け取り、cinerary壷は聖なる水stoupsとして機能することができた。 「アイドル」として恐喝され、非難された人間の形態の彫刻表現は、被験者を再確認することによって修復することができます：カンデジョリオの乗馬ブロンズマーカス・アウレリウスはキリスト教皇帝コンスタンティヌスの象徴として尊敬され、パヴィア・レギゾルは市民的役割それはそれを保存した。ローマでは、ローマの銅のスピナリオはガイドブック作家のマジスター・グレゴリオウスによって賞賛されました。カロリングのルネッサンスの古典主義は、レイト・アンティークの写本の鑑賞によって部分的に影響を受けました。ユートレット・シフターは、手書きとイラストの両方で、このようなレイト・アンティークのオリジナルを再現しようとしています。
アラベスク
アラベスクは、「スクロールしたり絡み合った葉、穂ばりのリズミカルな線状パターンに基づく表面装飾」、または他の要素と組み合わされた単純な線からなる芸術的装飾の一形態である。典型的には、螺旋状のステムと組み合わせられた、ハーフパルメットから形成された葉を使用した、葉の飾りである。通常、「タイル状」または所望の回数だけシームレスに繰り返すことができる単一のデザインからなる。
インディアン、中国人、古代メキシコ人、その他の人々が、建物、モザイク、さらにはキャンバスでそれらを使用しました。この装飾は、宮殿を飾ること、観察者に平静さと美しさの心地よい感覚を伝える幾何学的形状または植物形態のドームで構成されています。このタイプの芸術的な表現力は、葉や花を基本単位として、その自然な形を奪われて弱さと死の感覚を与えないようにし、存在感と不滅感を示唆する形に変換します。
アラブ首長国連邦はイスラム美術の基本要素ですが、イスラム教の到来によって既に長い伝統があったものを発展させます。ヨーロッパの芸術に関する用語の過去および現在の使用は、混乱して矛盾しているとしか記述できません。いくつかの西洋のアラベスクはイスラム美術に由来するが、他のものは古代ローマの装飾に密接に基づいている。西洋では装飾芸術の中に本質的に見られるが、イスラム美術の一般的で非比喩的な性質のため、アラベスク装飾は最も重要な作品に非常に重要な要素であり、建築の装飾に大きな役割を果たす。
エジプトやシリアのようないくつかの国では、アラビア風の装飾が顕著な色彩効果を生み出す大理石のインレイによって実現され、ペルシャのような他のものでは、セラミックスがさらに成長した。
イスラムのアラベスク：
アラベスクは、初期のイスラム征服によって引き継がれた文化の中で、植物に基づくスクロールオーナメントの伝統的な伝統から発展しました。初期のイスラム美術は、例えばダマスカス大モスクの有名な8世紀のモザイクのようなもので、しばしばビザンチンの芸術家が通常の様式で植物のスクロールパターンを含んでいた。最も頻繁に使用される植物は、葉柄のフォームに重点を置いたアカンサスのスタイライズドバージョンであり、茎をつぶすことに同等の重点を置いています。特徴的なイスラム型へのこれらの形態の進化は、Mshatta Facadeのような作品で8世紀または9世紀に始まった11世紀に完了しました。開発の過程で、植物形態は単純化され、様式化された。 836と892の間のイスラムの首都、Abbasid Samarraの宮殿の壁（モスクではない）からのスタッコ・レリーフの比較的豊富な生存は、3つのスタイル（スタイルA、B、C）の例を提供するが、同じ壁に現れ、時系列的な順序は不明である。
このプロセスの概要は概ね合意されているが、アラベスクの発達、分類、意味に関する詳細な問題については、専門学者の見解がかなり多様である。イスラムのアラベスク形態の詳細な研究は、Alois Rieglによって彼のフォーマル主義研究であるStilfragen：Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik（スタイルの問題：飾りの歴史の基礎）に始まり、1893年に彼の影響を受けたKunstwollen 。リーグルは、古代エジプト美術や古代近代文明から古典世界を経てイスラム・アラベスクにいたるまでの装飾的な植物形態における形式的な連続性と発達をたどった。 Kunstwollenには今日のフォロワーはほとんどいないが、フォームの開発に関する彼の基本的な分析は、今日知られている例の広範なコーパスによって確認され、洗練された。 Jessica Rawsonは最近、Rieglがカバーしていない中国の芸術をカバーするために分析を拡張し、中国の装飾の多くの要素を同じ伝統に戻しました。モンゴルの侵略後、ペルシャの芸術に中国のモチーフを同化させるのに役立つ共通の背景。
多くのアラベスク模様は、終わりのないフレーミングエッジで消えてしまい（実際には見る人には「下に」）、実際に占有するスペースの外に無限に伸びるとみなすことができます。これは確かに前例のない、イスラムの形の特徴であった。先行する文化のほとんどすべてではなく、占領された宇宙の端で終わったが、葉の無限に反復可能なパターンは壁紙やテキスタイルの現代世界では非常に一般的である。
典型的には、初期の形式では現実主義を試みることはない。植物の特定の種はまったく模倣されておらず、その形態はしばしば植物学的に不可能であるか、または不合理である。 「リーフ」の形は、通常、古代エジプトとギリシャの飾りで遠くて非常に異なって見える祖先にちなんで命名された、「ハーフ・パルメット」形と呼ばれる、茎から側方に湧き出ます。新しい茎は葉の先端から湧き出るタイプで、しばしば蜂蜜と呼ばれるタイプであり、茎にはしばしば隙間から無限に巻かれています。初期のMshatta Facadeは、ある種のブドウで、短い茎やブドウや果実の葉に通常の葉が残っていますが、後の形には通常これが欠けています。花は1500年頃まで珍しく、その後はオスマン芸術においてより頻繁に現れ、種によって識別されることが多い。オスマン芸術では、サツと呼ばれる大きくて羽のある葉が非常に人気があり、1つ以上の大きな葉を描いた図で詳述されました。最終的には、中国の陶器、特に中国の陶器の花の装飾が、陶器、織物、ミニチュアなどの多くの種類のアラベスクを置き換えます。
イスラム美術のアラベスクと幾何学的パターンは、しばしば世界のイスラムの視点から生じると言われている（上記参照）。動物や人々の描写は一般に推奨されておらず、抽象的な幾何学的パターンの好みが説明されている。
アラベスクの芸術には2つのモードがあります。最初は世界の秩序を支配する原則を思い出す。これらの原則には、オブジェクトを構造的に健全なものにして、美しく（すなわち、角度と、それが作り出す固定/静的な形、具体的にはトラス）という裸の基本が含まれます。第1のモードでは、各反復幾何学的形態はそれに帰属される組み込みの記号を有する。例えば、正方形の4つの正方形の辺は、地球、空気、火、水のような重要な要素を象徴しています。 4つのうちのどれもがなければ、正方形に内接する円で表される物理的世界は、それ自体に崩壊して存在しなくなります。第2のモードは、植物形態の流れる性質に基づいている。このモードは、人生の女性的性質を思い出させます。さらに、アラベスク美術の多くの例を調べると、実際には第三のモード、イスラム書道の様式があると主張する者もいる。
「真の現実」（精神世界の現実）に関連する何かを思い出す代わりに、イスラムは書道をすべての最高の芸術の目に見える表現とみなします。話し言葉の芸術（思考と歴史の伝承）。イスラムでは、口頭で伝える最も重要な文書はコーランです。クルアーンからの諺や完全なパッセージは、今日はアラブ風の芸術で見ることができます。これらの3つの形が一緒になってアラベスクが生まれ、これは多様性から生じる統一の反映です。イスラム教の基本的な教義。
アラベスクは、同様に芸術と科学の両方と考えることができます。アートワークは、同時に、数学的には正確で、審美的に楽しく、象徴的です。この創造の二元性のために、この方程式の芸術的な部分は、世俗的および宗教的なアートワークにさらに細分することができる。しかし、多くのイスラム教徒にとって、区別はありません。すべての形の芸術、自然界、数学、科学は神の創造であり、それゆえ同じことを反映しているように見えます。創造を通して表現される神の意志です。言い換えれば、人間は、アラベスクを構成する幾何学的形態を発見することができますが、これらの形は、この図に示すように、常に神の創造の一部として以前に存在していました。
非常に異なる地理的地域からのアラベスクのアートワークには、大きな類似点があります。実際、類似点は非常に顕著であるため、専門家はアラベスクの特定のスタイルがどこから来るのかを知ることが困難な場合があります。その理由は、アラベスクのアートワークを構築するために使用される科学と数学は普遍的であるからです。したがって、ほとんどのイスラム教徒にとって、モスクで使用するために人間によって作成できる最高のアートワークは、自然の基本的な順序と団結を示すアートワークです。彼らが信じる物質世界の秩序と団結は、多くのイスラム教徒にとって唯一の真実の現実が存在する場所である霊的な世界の単なる幽霊的な近似である。したがって、発見された幾何学的形態は、神の創造が人間の罪によって隠されてしまったため、この完全な現実を実証しています。
アッラーだけが完璧を生み出すことができると信じる芸術家たちは、この理論が論争されているにもかかわらず、繰り返しの間違いを謙遜のショーとして意図的に導入するかもしれない。アラベスク芸術は時折書道を伴う一連の繰り返し幾何学的形態からなる。 Ettinghausenらアラベスクを「完全な植物からなる植物性のデザインと半円形のパターン」と言います。そこでは各葉が別の植物の先端から成長します。イスラム教の支持者たちにとって、アラベスクは統一された信仰と、伝統的なイスラム文化が世界を見る方法を象徴しています。
西洋アラベスク：
アラベスクという言葉は西洋で最初に使われたイタリア語で、16世紀には「アカンサス装飾を特徴とするピラスタ装飾品」、具体的には水平方向ではなくパネルまたはピラスタを縦にした「走るスクロール」フリーズ。本書は、1530年にヴェネツィアで出版された、「groppi moreschi e rabeschi」を含む、「縫い方の女性を教える新作...刺繍のサンプル」と題された本書は、 、ムーアノットとアラベスク。
そこから、ヘンリー8世は1549年の目録で「Rebeske workeに囲まれたシルエットと罪悪感の表情と恋人」と1572年から1580年までのSerjeant PainterのWilliam HerneまたはHeronと、エリザベス1世のバージを「レベスク作業」で描くために支払われた。残念なことに、1536年のJane Seymour（ギャラリーを参照）の覆われたカップのためのHans Holbeinのデザインは、イスラム由来のアラベスク/モレスクスタイル（下記参照）と古典的に由来するアカンサス賛美歌。
もう一つの関連用語はモレスクで、「ムーア語」を意味する。 Randle Cotgraveの1611年のFrench and English TonguesのDictionarieは、これを次のように定義しています： "野生の葉に一種の野生の葉が混ざり合っている、獣の足と爪を傷つける、 、＆c。 " 「アラベスク」はOEDで（フランス語の言葉として）引用された初期の使用で、「リベスキーの仕事;小さくて好奇心をそそる繁栄」として挙げられている。フランスでは、1546年にはじめて「アラベスク」が登場し、17世紀後半に最初に適用されたのが「古典的な起源にもかかわらず」というグロテスクな装飾品です。一貫して観察されたものではなく、
次の世紀にわたり、グロテスク、モレスク、アラベスクの3つの用語は、イスラム世界と同じくらいヨーロッパの過去から派生した装飾様式のために、英語、フランス語、ドイツ語でほぼ同じ意味で使われていました。ポンペイ形式のローマの絵画やイスラムの絵画よりも、ゴシック様式のガーゴイルや似顔絵に関係しています。一方、「アラベスク」という言葉は、遅くとも1851年にジョン・ラスキンが「ヴェネツィアの石」で使用したときに、イスラム美術そのものに適用されていました。過去数十年にわたる作家たちは、歴史的情報源の混乱した残骸からの言葉の間に意味のある区別を救済しようと試みてきました。
Fuhringはグロテスクが "18世紀のフランスでは混乱してアラベスクと呼ばれていた"と語りますが、フランスの16世紀の彫刻と彫刻に現れる装飾の主要な種類は2つのグループに分けられます。古代：グロテスク、オーダー、葉巻スクロール、トロフィー、用語、花瓶などの自己完結型要素などの建築装飾品。最初のものよりもはるかに小さい第2のグループは、モレキュエス、インターレースバンド、ストラップワーク、カートゥッチとして... "、彼は個々に議論するために続けます。
モレーケまたはアラベスク様式は、本の西洋の芸術の中で特に人気があり、長寿でした。金製作で製本された製本、イラストのための罫線、およびページ上の空白を飾るためのプリンターの装飾品です。この分野では、金型製法の技術もイスラム世界から15世紀に到着しましたが、実際には革の多くがそこから輸入されました。このスタイルの小さなモチーフは、今日まで保守的な本のデザイナーによって使用され続けています。
Harold Osborneによると、フランスでは、 "短い棒でつながったC-スクロールから放射する装飾的なアカンサスの葉がモレスクから派生したフランスのアラベスクの結合バンドワーク"の特徴的な発展。明らかに刺繍を開始してから、それは北部マナー家の絵画装飾体系で使用される前に庭園のデザインに現れ、Simon Vouetと「Levante」の「中央のメダリオンとアカンサスの組み合わせ」アンカンサスのスクロールやパルメットとは対照的です。ジーン・ベレイン・ザ・エルダーによるもっと贅沢なアラベスクデザインは、アラベスクを救済の三次元にするロココの初期の「暗示」です。
英語の名詞としての "arabesque"の使用は、絵画に関連して、1786年にWilliam Beckfordの小説Vathekに最初に現れます。アラベスクは、絵や他のグラフィックス・メディアでの複雑なフリーハンド・ペンの盛り上がりの言葉としても使われます。グローブ・オブ・アート・オブ・アートは、この混乱を起こさず、平易に言います：「何世紀にもわたって、この言葉は、美術の芸術と蛇行のさまざまな装飾に適用されてきましたが、イスラムオックスフォード英和辞典にもある1888年の定義と矛盾している：「彩色や低彩度の壁画や表面装飾の種で、枝や葉、スクロール・ワークの流れが幻想的に絡み合っている。ムーアとアラビアの装飾の芸術（中世にはほとんど知られていた）で使われているように、生き物の表現は除外されましたが、ラファエルのアラベスクでは古代Græco-Romanの作品この種、ルネッサンス装飾のものでは、自然とグロテスクの両方の人物や動物の像、花瓶、鎧、芸術品などが自由に導入されていますが、現在ではこの用語が通常適用され、ムーア人のアラベスク（Moorish Arabesque）、またはモレスク（Moresque）と区別される。
印刷におけるアラベスク：
アラベスク様式の主な用途は、ブックカバーやページ装飾などの芸術的な印刷です。幾何学模様を繰り返すことは、タイプが一緒に配置されていれば文字のような金属タイプから印刷できるので、従来の印刷ではうまくいきました。デザインにはテキストの意味に特定の関係がないため、さまざまな種類のさまざまなエディションで再利用できます。 16世紀フランスのプリンター、ロバート・グランジョン（Robert Granjon）は、真に織り交ぜたアラベスク印刷を最初に信じていますが、他のプリンターはこれまでに多くの種類の装飾品を使用していました。このアイデアは他の多くのプリンタで急速に使用されていました。 19世紀に廃止され、BodoniやDidotのようなプリンタでページレイアウトがより小さくなったとき、このコンセプトはArts and Craftsムーブメントの到来とともに人気を集めました。アラベスク装飾、時にはペーパーバックのカバー。多くのデジタルセリフフォントには、フォントの雰囲気に相補的であると考えられるアラベスクパターン要素が含まれています。彼らはしばしば別々のデザインとして販売されています。
「近代的な」西洋文化において：
ルネッサンスからのアラベスクまたはムーア：
スペインのイスラム教徒の存在にもかかわらず、中東とヴェネツィアの間の商業関係を通じて、「アラベスク」という用語がイタリアのルネサンスの西洋美術に導入されている（インターレースという用語はすでに使用されているが）。それはラベスキー（モレスクと同義で、ムーアシュと書かれたムーアからも来ている）と書くこともできます。この瞬間から、しばしば古代からインスピレーションを受けた西洋の伝統の葉と絡み合いの組成物でさえ、「アラベスク」と呼ばれることがあり、2つの伝統、すなわち混乱を維持するという用語を区別することが困難になることがあります。
ヴェネツィアの画家シマ・ダ・コネリアーノ（1460-1465）、ヴィトーレ・カルパッチョ（1525-1526）、パルマ・オールドの絵画では、15世紀にそのジャンルが広がっています。大部分の場合、ローマ、中世、ビザンチンの絡み合った古代の西洋のモチーフを思い起こさせるが、時には本当にオリエンタルモチーフと混ざり合っている。この期間から、書籍のイラスト、綴じ製本、彩色、衣装に刺繍、タペストリーや金属物の装飾の中に「アラベスク」があります。
イタリアのアッラー・ダマスチナ（ダマスカス）と呼ばれる金箔で飾られた書籍の綴じ込みに使用されるルー12世（1510年頃）の冊子ではモレスクがフランスで使用され、ムーア人に完全に捧げられた最初の本はフランスで設立されたフィレンツェ、フランチェスコ・ペッレグリーノ（1530年）、そしてヨーロッパの元の方法で、リヨンとパリの出版社による図書のイラストレーション：1547年のBソロモンのモレスクの枠組みリヨンのG.パラディン、メモリアノストラ、（1548）、ジー・ドゥーヌ（1557）のオビッドの変態。 Jacques Androuet du Cerceau（1563年）は、彼のプリントに欠かせないものを集めます。
19世紀と20世紀には、アラベスクの名前がすべてのラインセットモデルに与えられました。代わりにイスラムまたは派生したモチーフを参照するために、「ムーア語」という言葉を使用することをお勧めします。
グロテスク：
17世紀の終わりから、混乱はグロテスク的な芸術（人間や動物の人物の使用、キメラと建築の理由でさえも違う）でフランスに定着しました。これは "アラベスク" 。したがって、販売のカタログでは、ラファエルの生徒のグロテスクな描写は「アラベスク」と呼ばれていますが、イスラムの装飾芸術とはまったく似ておらず、古代ローマのグロテスク、特にローマのドムス・アウレアのものに直接影響を受けています。ドイツとイングランドでは、イタリア人によって部分的にコピーされた「アラベスク」モデルの公開モデルもあります。
古代のスクロール：
「アラベスク（arabesque）」という表現は、古代ローマ様式の建築物や装飾品を装飾するか、現代建築の中で様式的に派生したアカンサスやブドウの多少の規則的な巻線からなるフリーズに間違って適用されてきました（ルネサンス、バロック、新古典主義、19世紀の歴史的で折衷的なスタイル）。 「rinceau」という言葉は、これらのフリーズの名前を正しく付けることができる唯一のものです。
曲がりくねった線として、カーブとカーブとのゲームとしてのアラベスク：
19世紀後半から20世紀初頭の装飾芸術やアールヌーボー様式の美術に広く使われているモチーフなので、本質的な特徴です。
関連する技術用語
葉や花が絡み合ったアラベスクは、イスラムの宮殿の装飾に使われているスタッコ、しばしば彫刻されたもの、塗装されたもの、または彫刻のような技法によって実現することができます。しかし、セラミックス、金属の芸術、彫刻されたまたはrepousséまたはchamplevéまたはcloisonnéエナメルまたはnielloと象牙加工で覆われた仕事。
インディアン、中国人、古代メキシコ人、その他の人々が、建物、モザイク、さらにはキャンバスでそれらを使用しました。この装飾は、宮殿を飾ること、観察者に平静さと美しさの心地よい感覚を伝える幾何学的形状または植物形態のドームで構成されています。このタイプの芸術的な表現力は、葉や花を基本単位として、その自然な形を奪われて弱さと死の感覚を与えないようにし、存在感と不滅感を示唆する形に変換します。
アラブ首長国連邦はイスラム美術の基本要素ですが、イスラム教の到来によって既に長い伝統があったものを発展させます。ヨーロッパの芸術に関する用語の過去および現在の使用は、混乱して矛盾しているとしか記述できません。いくつかの西洋のアラベスクはイスラム美術に由来するが、他のものは古代ローマの装飾に密接に基づいている。西洋では装飾芸術の中に本質的に見られるが、イスラム美術の一般的で非比喩的な性質のため、アラベスク装飾は最も重要な作品に非常に重要な要素であり、建築の装飾に大きな役割を果たす。
エジプトやシリアのようないくつかの国では、アラビア風の装飾が顕著な色彩効果を生み出す大理石のインレイによって実現され、ペルシャのような他のものでは、セラミックスがさらに成長した。
イスラムのアラベスク：
アラベスクは、初期のイスラム征服によって引き継がれた文化の中で、植物に基づくスクロールオーナメントの伝統的な伝統から発展しました。初期のイスラム美術は、例えばダマスカス大モスクの有名な8世紀のモザイクのようなもので、しばしばビザンチンの芸術家が通常の様式で植物のスクロールパターンを含んでいた。最も頻繁に使用される植物は、葉柄のフォームに重点を置いたアカンサスのスタイライズドバージョンであり、茎をつぶすことに同等の重点を置いています。特徴的なイスラム型へのこれらの形態の進化は、Mshatta Facadeのような作品で8世紀または9世紀に始まった11世紀に完了しました。開発の過程で、植物形態は単純化され、様式化された。 836と892の間のイスラムの首都、Abbasid Samarraの宮殿の壁（モスクではない）からのスタッコ・レリーフの比較的豊富な生存は、3つのスタイル（スタイルA、B、C）の例を提供するが、同じ壁に現れ、時系列的な順序は不明である。
このプロセスの概要は概ね合意されているが、アラベスクの発達、分類、意味に関する詳細な問題については、専門学者の見解がかなり多様である。イスラムのアラベスク形態の詳細な研究は、Alois Rieglによって彼のフォーマル主義研究であるStilfragen：Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik（スタイルの問題：飾りの歴史の基礎）に始まり、1893年に彼の影響を受けたKunstwollen 。リーグルは、古代エジプト美術や古代近代文明から古典世界を経てイスラム・アラベスクにいたるまでの装飾的な植物形態における形式的な連続性と発達をたどった。 Kunstwollenには今日のフォロワーはほとんどいないが、フォームの開発に関する彼の基本的な分析は、今日知られている例の広範なコーパスによって確認され、洗練された。 Jessica Rawsonは最近、Rieglがカバーしていない中国の芸術をカバーするために分析を拡張し、中国の装飾の多くの要素を同じ伝統に戻しました。モンゴルの侵略後、ペルシャの芸術に中国のモチーフを同化させるのに役立つ共通の背景。
多くのアラベスク模様は、終わりのないフレーミングエッジで消えてしまい（実際には見る人には「下に」）、実際に占有するスペースの外に無限に伸びるとみなすことができます。これは確かに前例のない、イスラムの形の特徴であった。先行する文化のほとんどすべてではなく、占領された宇宙の端で終わったが、葉の無限に反復可能なパターンは壁紙やテキスタイルの現代世界では非常に一般的である。
典型的には、初期の形式では現実主義を試みることはない。植物の特定の種はまったく模倣されておらず、その形態はしばしば植物学的に不可能であるか、または不合理である。 「リーフ」の形は、通常、古代エジプトとギリシャの飾りで遠くて非常に異なって見える祖先にちなんで命名された、「ハーフ・パルメット」形と呼ばれる、茎から側方に湧き出ます。新しい茎は葉の先端から湧き出るタイプで、しばしば蜂蜜と呼ばれるタイプであり、茎にはしばしば隙間から無限に巻かれています。初期のMshatta Facadeは、ある種のブドウで、短い茎やブドウや果実の葉に通常の葉が残っていますが、後の形には通常これが欠けています。花は1500年頃まで珍しく、その後はオスマン芸術においてより頻繁に現れ、種によって識別されることが多い。オスマン芸術では、サツと呼ばれる大きくて羽のある葉が非常に人気があり、1つ以上の大きな葉を描いた図で詳述されました。最終的には、中国の陶器、特に中国の陶器の花の装飾が、陶器、織物、ミニチュアなどの多くの種類のアラベスクを置き換えます。
イスラム美術のアラベスクと幾何学的パターンは、しばしば世界のイスラムの視点から生じると言われている（上記参照）。動物や人々の描写は一般に推奨されておらず、抽象的な幾何学的パターンの好みが説明されている。
アラベスクの芸術には2つのモードがあります。最初は世界の秩序を支配する原則を思い出す。これらの原則には、オブジェクトを構造的に健全なものにして、美しく（すなわち、角度と、それが作り出す固定/静的な形、具体的にはトラス）という裸の基本が含まれます。第1のモードでは、各反復幾何学的形態はそれに帰属される組み込みの記号を有する。例えば、正方形の4つの正方形の辺は、地球、空気、火、水のような重要な要素を象徴しています。 4つのうちのどれもがなければ、正方形に内接する円で表される物理的世界は、それ自体に崩壊して存在しなくなります。第2のモードは、植物形態の流れる性質に基づいている。このモードは、人生の女性的性質を思い出させます。さらに、アラベスク美術の多くの例を調べると、実際には第三のモード、イスラム書道の様式があると主張する者もいる。
「真の現実」（精神世界の現実）に関連する何かを思い出す代わりに、イスラムは書道をすべての最高の芸術の目に見える表現とみなします。話し言葉の芸術（思考と歴史の伝承）。イスラムでは、口頭で伝える最も重要な文書はコーランです。クルアーンからの諺や完全なパッセージは、今日はアラブ風の芸術で見ることができます。これらの3つの形が一緒になってアラベスクが生まれ、これは多様性から生じる統一の反映です。イスラム教の基本的な教義。
アラベスクは、同様に芸術と科学の両方と考えることができます。アートワークは、同時に、数学的には正確で、審美的に楽しく、象徴的です。この創造の二元性のために、この方程式の芸術的な部分は、世俗的および宗教的なアートワークにさらに細分することができる。しかし、多くのイスラム教徒にとって、区別はありません。すべての形の芸術、自然界、数学、科学は神の創造であり、それゆえ同じことを反映しているように見えます。創造を通して表現される神の意志です。言い換えれば、人間は、アラベスクを構成する幾何学的形態を発見することができますが、これらの形は、この図に示すように、常に神の創造の一部として以前に存在していました。
非常に異なる地理的地域からのアラベスクのアートワークには、大きな類似点があります。実際、類似点は非常に顕著であるため、専門家はアラベスクの特定のスタイルがどこから来るのかを知ることが困難な場合があります。その理由は、アラベスクのアートワークを構築するために使用される科学と数学は普遍的であるからです。したがって、ほとんどのイスラム教徒にとって、モスクで使用するために人間によって作成できる最高のアートワークは、自然の基本的な順序と団結を示すアートワークです。彼らが信じる物質世界の秩序と団結は、多くのイスラム教徒にとって唯一の真実の現実が存在する場所である霊的な世界の単なる幽霊的な近似である。したがって、発見された幾何学的形態は、神の創造が人間の罪によって隠されてしまったため、この完全な現実を実証しています。
アッラーだけが完璧を生み出すことができると信じる芸術家たちは、この理論が論争されているにもかかわらず、繰り返しの間違いを謙遜のショーとして意図的に導入するかもしれない。アラベスク芸術は時折書道を伴う一連の繰り返し幾何学的形態からなる。 Ettinghausenらアラベスクを「完全な植物からなる植物性のデザインと半円形のパターン」と言います。そこでは各葉が別の植物の先端から成長します。イスラム教の支持者たちにとって、アラベスクは統一された信仰と、伝統的なイスラム文化が世界を見る方法を象徴しています。
西洋アラベスク：
アラベスクという言葉は西洋で最初に使われたイタリア語で、16世紀には「アカンサス装飾を特徴とするピラスタ装飾品」、具体的には水平方向ではなくパネルまたはピラスタを縦にした「走るスクロール」フリーズ。本書は、1530年にヴェネツィアで出版された、「groppi moreschi e rabeschi」を含む、「縫い方の女性を教える新作...刺繍のサンプル」と題された本書は、 、ムーアノットとアラベスク。
そこから、ヘンリー8世は1549年の目録で「Rebeske workeに囲まれたシルエットと罪悪感の表情と恋人」と1572年から1580年までのSerjeant PainterのWilliam HerneまたはHeronと、エリザベス1世のバージを「レベスク作業」で描くために支払われた。残念なことに、1536年のJane Seymour（ギャラリーを参照）の覆われたカップのためのHans Holbeinのデザインは、イスラム由来のアラベスク/モレスクスタイル（下記参照）と古典的に由来するアカンサス賛美歌。
もう一つの関連用語はモレスクで、「ムーア語」を意味する。 Randle Cotgraveの1611年のFrench and English TonguesのDictionarieは、これを次のように定義しています： "野生の葉に一種の野生の葉が混ざり合っている、獣の足と爪を傷つける、 、＆c。 " 「アラベスク」はOEDで（フランス語の言葉として）引用された初期の使用で、「リベスキーの仕事;小さくて好奇心をそそる繁栄」として挙げられている。フランスでは、1546年にはじめて「アラベスク」が登場し、17世紀後半に最初に適用されたのが「古典的な起源にもかかわらず」というグロテスクな装飾品です。一貫して観察されたものではなく、
次の世紀にわたり、グロテスク、モレスク、アラベスクの3つの用語は、イスラム世界と同じくらいヨーロッパの過去から派生した装飾様式のために、英語、フランス語、ドイツ語でほぼ同じ意味で使われていました。ポンペイ形式のローマの絵画やイスラムの絵画よりも、ゴシック様式のガーゴイルや似顔絵に関係しています。一方、「アラベスク」という言葉は、遅くとも1851年にジョン・ラスキンが「ヴェネツィアの石」で使用したときに、イスラム美術そのものに適用されていました。過去数十年にわたる作家たちは、歴史的情報源の混乱した残骸からの言葉の間に意味のある区別を救済しようと試みてきました。
Fuhringはグロテスクが "18世紀のフランスでは混乱してアラベスクと呼ばれていた"と語りますが、フランスの16世紀の彫刻と彫刻に現れる装飾の主要な種類は2つのグループに分けられます。古代：グロテスク、オーダー、葉巻スクロール、トロフィー、用語、花瓶などの自己完結型要素などの建築装飾品。最初のものよりもはるかに小さい第2のグループは、モレキュエス、インターレースバンド、ストラップワーク、カートゥッチとして... "、彼は個々に議論するために続けます。
モレーケまたはアラベスク様式は、本の西洋の芸術の中で特に人気があり、長寿でした。金製作で製本された製本、イラストのための罫線、およびページ上の空白を飾るためのプリンターの装飾品です。この分野では、金型製法の技術もイスラム世界から15世紀に到着しましたが、実際には革の多くがそこから輸入されました。このスタイルの小さなモチーフは、今日まで保守的な本のデザイナーによって使用され続けています。
Harold Osborneによると、フランスでは、 "短い棒でつながったC-スクロールから放射する装飾的なアカンサスの葉がモレスクから派生したフランスのアラベスクの結合バンドワーク"の特徴的な発展。明らかに刺繍を開始してから、それは北部マナー家の絵画装飾体系で使用される前に庭園のデザインに現れ、Simon Vouetと「Levante」の「中央のメダリオンとアカンサスの組み合わせ」アンカンサスのスクロールやパルメットとは対照的です。ジーン・ベレイン・ザ・エルダーによるもっと贅沢なアラベスクデザインは、アラベスクを救済の三次元にするロココの初期の「暗示」です。
英語の名詞としての "arabesque"の使用は、絵画に関連して、1786年にWilliam Beckfordの小説Vathekに最初に現れます。アラベスクは、絵や他のグラフィックス・メディアでの複雑なフリーハンド・ペンの盛り上がりの言葉としても使われます。グローブ・オブ・アート・オブ・アートは、この混乱を起こさず、平易に言います：「何世紀にもわたって、この言葉は、美術の芸術と蛇行のさまざまな装飾に適用されてきましたが、イスラムオックスフォード英和辞典にもある1888年の定義と矛盾している：「彩色や低彩度の壁画や表面装飾の種で、枝や葉、スクロール・ワークの流れが幻想的に絡み合っている。ムーアとアラビアの装飾の芸術（中世にはほとんど知られていた）で使われているように、生き物の表現は除外されましたが、ラファエルのアラベスクでは古代Græco-Romanの作品この種、ルネッサンス装飾のものでは、自然とグロテスクの両方の人物や動物の像、花瓶、鎧、芸術品などが自由に導入されていますが、現在ではこの用語が通常適用され、ムーア人のアラベスク（Moorish Arabesque）、またはモレスク（Moresque）と区別される。
印刷におけるアラベスク：
アラベスク様式の主な用途は、ブックカバーやページ装飾などの芸術的な印刷です。幾何学模様を繰り返すことは、タイプが一緒に配置されていれば文字のような金属タイプから印刷できるので、従来の印刷ではうまくいきました。デザインにはテキストの意味に特定の関係がないため、さまざまな種類のさまざまなエディションで再利用できます。 16世紀フランスのプリンター、ロバート・グランジョン（Robert Granjon）は、真に織り交ぜたアラベスク印刷を最初に信じていますが、他のプリンターはこれまでに多くの種類の装飾品を使用していました。このアイデアは他の多くのプリンタで急速に使用されていました。 19世紀に廃止され、BodoniやDidotのようなプリンタでページレイアウトがより小さくなったとき、このコンセプトはArts and Craftsムーブメントの到来とともに人気を集めました。アラベスク装飾、時にはペーパーバックのカバー。多くのデジタルセリフフォントには、フォントの雰囲気に相補的であると考えられるアラベスクパターン要素が含まれています。彼らはしばしば別々のデザインとして販売されています。
「近代的な」西洋文化において：
ルネッサンスからのアラベスクまたはムーア：
スペインのイスラム教徒の存在にもかかわらず、中東とヴェネツィアの間の商業関係を通じて、「アラベスク」という用語がイタリアのルネサンスの西洋美術に導入されている（インターレースという用語はすでに使用されているが）。それはラベスキー（モレスクと同義で、ムーアシュと書かれたムーアからも来ている）と書くこともできます。この瞬間から、しばしば古代からインスピレーションを受けた西洋の伝統の葉と絡み合いの組成物でさえ、「アラベスク」と呼ばれることがあり、2つの伝統、すなわち混乱を維持するという用語を区別することが困難になることがあります。
ヴェネツィアの画家シマ・ダ・コネリアーノ（1460-1465）、ヴィトーレ・カルパッチョ（1525-1526）、パルマ・オールドの絵画では、15世紀にそのジャンルが広がっています。大部分の場合、ローマ、中世、ビザンチンの絡み合った古代の西洋のモチーフを思い起こさせるが、時には本当にオリエンタルモチーフと混ざり合っている。この期間から、書籍のイラスト、綴じ製本、彩色、衣装に刺繍、タペストリーや金属物の装飾の中に「アラベスク」があります。
イタリアのアッラー・ダマスチナ（ダマスカス）と呼ばれる金箔で飾られた書籍の綴じ込みに使用されるルー12世（1510年頃）の冊子ではモレスクがフランスで使用され、ムーア人に完全に捧げられた最初の本はフランスで設立されたフィレンツェ、フランチェスコ・ペッレグリーノ（1530年）、そしてヨーロッパの元の方法で、リヨンとパリの出版社による図書のイラストレーション：1547年のBソロモンのモレスクの枠組みリヨンのG.パラディン、メモリアノストラ、（1548）、ジー・ドゥーヌ（1557）のオビッドの変態。 Jacques Androuet du Cerceau（1563年）は、彼のプリントに欠かせないものを集めます。
19世紀と20世紀には、アラベスクの名前がすべてのラインセットモデルに与えられました。代わりにイスラムまたは派生したモチーフを参照するために、「ムーア語」という言葉を使用することをお勧めします。
グロテスク：
17世紀の終わりから、混乱はグロテスク的な芸術（人間や動物の人物の使用、キメラと建築の理由でさえも違う）でフランスに定着しました。これは "アラベスク" 。したがって、販売のカタログでは、ラファエルの生徒のグロテスクな描写は「アラベスク」と呼ばれていますが、イスラムの装飾芸術とはまったく似ておらず、古代ローマのグロテスク、特にローマのドムス・アウレアのものに直接影響を受けています。ドイツとイングランドでは、イタリア人によって部分的にコピーされた「アラベスク」モデルの公開モデルもあります。
古代のスクロール：
「アラベスク（arabesque）」という表現は、古代ローマ様式の建築物や装飾品を装飾するか、現代建築の中で様式的に派生したアカンサスやブドウの多少の規則的な巻線からなるフリーズに間違って適用されてきました（ルネサンス、バロック、新古典主義、19世紀の歴史的で折衷的なスタイル）。 「rinceau」という言葉は、これらのフリーズの名前を正しく付けることができる唯一のものです。
曲がりくねった線として、カーブとカーブとのゲームとしてのアラベスク：
19世紀後半から20世紀初頭の装飾芸術やアールヌーボー様式の美術に広く使われているモチーフなので、本質的な特徴です。
関連する技術用語
葉や花が絡み合ったアラベスクは、イスラムの宮殿の装飾に使われているスタッコ、しばしば彫刻されたもの、塗装されたもの、または彫刻のような技法によって実現することができます。しかし、セラミックス、金属の芸術、彫刻されたまたはrepousséまたはchamplevéまたはcloisonnéエナメルまたはnielloと象牙加工で覆われた仕事。
反ジャンル
反ジャンルという言葉の語源は、その意味論的な形を反対の意味とジャンル（フランスの「種類」、英語の「ジャンル」に関連する）という用語から借用している
ジャンルは、他のバンドルに対抗して定義された独特の特性の束として「差別化価値を持つ特徴的なものだけによって」定義され、それによって一般的な異議申立制度内のその場所からその価値を受け取ります。ジャンルを構成する基本的な特性は、任意の数の他のジャンルの構成に入る可能性があり、一連のジャンルは、いくつかの共通の特徴を有することがある。
言い換えシステムの反ジャンルは、言語のジャンルと同じやり方では研究されていないが、あらゆるシステムにおけるそのような特性の数は、本質的に無限の言い回しのバリエーションの分野と比較して比較的小さくなければならない。ジャンルを構成する特徴的な特徴は、一つの言葉の伝統的な伝統から別のものへと変わります。
反ジャンルは、典型的な「ジャンル」フィクションのカテゴリーに属さない人をつなぐ目的で形成された新しいグループです。反ジャンルは、他の一般的なジャンルのカテゴリに分類されません。彼らは楽しむだけでなく、私たちが住んでいる世界についての声明を出すことによって私たちに挑戦します。
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反ジャンルは、ジャンルのない芸術的スタイルに起因する自己記述的なラベルです。このジャンルのステータスの欠如は、次のいずれかの結果である可能性があります。
（1）カテゴリー化を回避しようとする積極的な試み（すべてのジャンルを超越）、
（2）その媒体のエトスを意識的に否定すること（歴史の未学習）、
（3）それ自身の積極的かつ意識的な否定。
反ジャンルは伝統に対する攻撃（以前の芸術的スタイル）ではなく、歴史におけるすべての反論がこのタイトルの下にあるからです。反ジャンルはむしろ、その媒体の基盤に対するより直接的かつ虚無的な攻撃を意味する。反ジャンルは、外部の分類学からも、それ自体からも、回避の永続的な状態にあります。
ヒューゴ・ボールとトリスタン・ツザラのダダのマニフェストはダダを表現するために「反ジャンル」という言葉を使わないが、ダダと呼ばれる芸術的な動きは反ジャンルの最も良い例である可能性が高い。
ダダは何も意味しません。すべての人は叫ばなければならない：大いに破壊的で否定的な仕事がある。掃除するため、掃除する。ダダは何も意味しない...口中で思考が生まれる。
各ジャンルは他のジャンルと少なくとも1つの特性で区別されますが、単一の特性ではジャンルを他のジャンルと区別することはできません。
ジャンルは、どのような分類システムでも同じ問題を抱えています。ジャンルは再評価され、精査され、独自のメリットで作品を評価することです。慣れ親しんだこと、簡略化されたコミュニケーション、そしてジャンルが公共の慣習に従って変わり、精神障害者を反映する傾向があるため、ジャンルは人と共鳴することが示唆されています。ストーリーテリングのジャンルは、慣習の借用された本質のために、より少ない形の芸術として下されていますが、賞賛は高まっています。支持者は、効果的なジャンルの天才は、コードの変化、再結合、進化にあると主張する。
反ジャンル音楽：
音楽における反ジャンルの最も良い例は、ジョンケージの1952年の作曲4'33 "であり、全体のパフォーマンスは完全な沈黙の4分半からなる。ミュージシャンは楽器を演奏しないように指示されています。聴衆が聞くことができるのは、自分自身の音です。
この有名で議論の余地のない作品では、ジョン・ケージは音楽の対立としての沈黙を示しています。したがって、すべての可聴コンテンツが存在しないことは、音楽の反ジャンルになります。ただし、他の例があります。
音楽が芸術的な音の配列であれば、非芸術的な音の配置がミュージカル否定に適した候補になるかもしれない。音楽以外は巧みなメロディやリズムではなく、ノイズになります。ギターベースのフィードバック録音やライブパフォーマンス（Melvins、Nine Inch Nails、Jimi Hendrix）からScreamo、Grindcore、インダストリアルミュージック、またはGabber、Terrorcore、Breakcore、Glitch、確かに、パンク・サブカルチャーの全体の精神は、その性質上、カテゴリー消滅を模索する虚無主義に基づいていました。
反ジャンル文学：
文学の反ジャンルは、特に19世紀半ばから後半にかけて起こっている。フィヨルド・ドストエフスキーの1864年の小説「アンダーグラウンド・ノート」は、反英雄（アンダーグラウンド・マンとも呼ばれる）とフリードリッヒ・ニーチェの「反キリスト」が1895年に出版したもので、伝統の初期の作品である。
ドストエフスキーの地下男にとって、伝統的な主人公（英雄）のすべての美徳は逆さまになっています。勇敢ではなく、彼は弱く、物理的な痛みだけでなく、より深い（より実在的な）怒りの両方を訴える。利他主義と騎士道ではなく、彼は復讐を感じ、他人に向かっている。ドストエフスキーの地下男は、西洋文学に反主人公の原型を紹介します。彼の初期の作品はまた、啓蒙主義時代の実証主義者を攻撃し、それによってユートピア楽観主義に対して事件を強化する。ジストピアンの提案と組み合わせた反英雄の導入は、その用語の技術的な定義よりもむしろ柔らかい反ジャンルの状態を表しています。
ニーチェにとって、歴史を克服するためには戦争の壮大な宣言が必要でした。彼の敵は多くありました。彼の人生の最後の一年で、彼は2つの最終的なテキスト、アイドルのトワイライトと反キリストを完成することができました。
文学の反ジャンルのより多くの技術的事例には、メタフィクションまたは放棄論が含まれるかもしれないが、この問題を決定的に解決するための現代的な奨学金の欠如がある。
コンピュータサイエンスの例：
反ジャンルのパラドックスの最も技術的な記述は、コンピュータサイエンスで見つけることができます。コンピュータプログラミングにおいて、無限ループはしばしばプログラムコード中の循環自己参照の意図しない結果（バグ）である。
例えば、ダダの芸術家の永遠のマキシムは、
ダダには1つのルールしかありませんでした。
再帰的なコンピュータ・アルゴリズムによってこの最大値を実行すると仮定すると、プログラム・エラーが発生します。もしダダがこの規則に従わなければダダは自由に規則（この格言の直接的な反論）に従うだろうが、それがこのマキシマに従うならば、少なくとも一つの規則がある（矛盾）。コンピュータプログラミングの言語では、これは致命的です（終了条件が満たされないようにします）が、これはアーティストの究極の目標である可能性があります。
ハード対ソフト：
反ジャンル（ハード版）の技術的定義は、その前身を侮辱する芸術だけではありません。ハードバージョンは、意味からの飛行においてより積極的です。それは、伝統を破るだけでなく、そのメディアのさまざまなジャンルのカテゴリーを区別する全体の枠組みを元に戻すというプロセスに自意識を持って関わっています。音楽の代わりの静寂と塗料の代わりの空白のキャンバスは、これの2つの明白な例です。
しかし、柔らかいバージョンでは、少し固く打ちつけることができます。柔らかい反ジャンルの定義には、意図的に媒体の慣習を無視したり、反乱、破壊行為 - 芸術、非合理性、自己敗北または反抗的な精神の他の戦略による伝統と激しく壊れた芸術が含まれる可能性があります。
この軽量版の反ジャンルの問題は、定義によるすべての芸術的な動きが、それらの前に来た伝統との決定的な打撃を与えるということです。もしそうでなければ、彼らは単に彼らの先人たちと連続的になるでしょう。これは弁証法のプロセスとして知られています。まず、論文を提出する。その後、論文は反論によって拒否されます。この拒絶反応は最終的にコミュニティによって受け入れられ、論文とアンチテーゼの統合により、拒絶反応の可能性のある新しい提案が作成されます。そしてサイクルは続く。
しかし、ハードジャンルとハードスタイルの違いを強調することは重要です。ポストモダニティでは、芸術的な動きの否定的/反抗的な態度を、抗ジャンルのような正式なカテゴリに関連付ける傾向があります。はるかに技術的な定義。
反ジャンルのパラドックス：
反ジャンルそのものはジャンルですか？
これは問題を引き起こす。それがジャンルであれば、それは存在しないが、それがジャンルでなければ、コヒーレントなエンティティとしてそれについての議論は起こり得ない。従って、反ジャンルはアイデンティティの危機に苦しんでいる。もちろん、反ジャンルを自分の存在を否定するよりも幸せにするものはありません。
反ジャンルは、それ自体の定義においてそれ自体の否定を参照することによって、矛盾した真実の状態（同時に真と偽の両方）を達成する。これは、問題の言葉の定義（または問題の文の解釈）がそれ自身の意味の否定であるときはいつでも起こります。例えば、
このボックスのステートメントはfalseです。
それが本当であるとき（それが偽であるとき）、それはそれ自身の否定になる。同時に真と偽の両方になることはできません。反ジャンルは、この同じタイプの自己消滅に苦しんでいます。
しかし、これは象徴的な論理学者やソフトウェアエンジニアには問題を引き起こすかもしれないが、反芸術家にとっては問題はない。それぞれの反ジャンルで活動するアーティストの目標は、ジャンル分類を回避することです。したがって、そのカテゴリが定義を保持できないことは、責任ではなく資産になります。
基本的に自殺的な芸術的運動の論理的結論は何ですか？
ダダの芸術家は、道にあるすべてのものを消滅させた後、それらの前に来たすべての芸術的スタイルと動き、あらゆる政治的態度と社会的価値を消化した後、最終的には消費することのない何も残さず、退去とチェスの人生に退いた。
同様に、そして彼のすべての改宗（すべての人間の価値観の完全な評価を求める）のために、ニーチェは精神病の状態の中で深い人生を終わらせました。 そして、それは歴史の唯一の治療法が良い精神科医と処方薬の多くであるという作家の嘆きを聞くことは珍しいことではありません。
ジャンルは、他のバンドルに対抗して定義された独特の特性の束として「差別化価値を持つ特徴的なものだけによって」定義され、それによって一般的な異議申立制度内のその場所からその価値を受け取ります。ジャンルを構成する基本的な特性は、任意の数の他のジャンルの構成に入る可能性があり、一連のジャンルは、いくつかの共通の特徴を有することがある。
言い換えシステムの反ジャンルは、言語のジャンルと同じやり方では研究されていないが、あらゆるシステムにおけるそのような特性の数は、本質的に無限の言い回しのバリエーションの分野と比較して比較的小さくなければならない。ジャンルを構成する特徴的な特徴は、一つの言葉の伝統的な伝統から別のものへと変わります。
反ジャンルは、典型的な「ジャンル」フィクションのカテゴリーに属さない人をつなぐ目的で形成された新しいグループです。反ジャンルは、他の一般的なジャンルのカテゴリに分類されません。彼らは楽しむだけでなく、私たちが住んでいる世界についての声明を出すことによって私たちに挑戦します。
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反ジャンルは、ジャンルのない芸術的スタイルに起因する自己記述的なラベルです。このジャンルのステータスの欠如は、次のいずれかの結果である可能性があります。
（1）カテゴリー化を回避しようとする積極的な試み（すべてのジャンルを超越）、
（2）その媒体のエトスを意識的に否定すること（歴史の未学習）、
（3）それ自身の積極的かつ意識的な否定。
反ジャンルは伝統に対する攻撃（以前の芸術的スタイル）ではなく、歴史におけるすべての反論がこのタイトルの下にあるからです。反ジャンルはむしろ、その媒体の基盤に対するより直接的かつ虚無的な攻撃を意味する。反ジャンルは、外部の分類学からも、それ自体からも、回避の永続的な状態にあります。
ヒューゴ・ボールとトリスタン・ツザラのダダのマニフェストはダダを表現するために「反ジャンル」という言葉を使わないが、ダダと呼ばれる芸術的な動きは反ジャンルの最も良い例である可能性が高い。
ダダは何も意味しません。すべての人は叫ばなければならない：大いに破壊的で否定的な仕事がある。掃除するため、掃除する。ダダは何も意味しない...口中で思考が生まれる。
各ジャンルは他のジャンルと少なくとも1つの特性で区別されますが、単一の特性ではジャンルを他のジャンルと区別することはできません。
ジャンルは、どのような分類システムでも同じ問題を抱えています。ジャンルは再評価され、精査され、独自のメリットで作品を評価することです。慣れ親しんだこと、簡略化されたコミュニケーション、そしてジャンルが公共の慣習に従って変わり、精神障害者を反映する傾向があるため、ジャンルは人と共鳴することが示唆されています。ストーリーテリングのジャンルは、慣習の借用された本質のために、より少ない形の芸術として下されていますが、賞賛は高まっています。支持者は、効果的なジャンルの天才は、コードの変化、再結合、進化にあると主張する。
反ジャンル音楽：
音楽における反ジャンルの最も良い例は、ジョンケージの1952年の作曲4'33 "であり、全体のパフォーマンスは完全な沈黙の4分半からなる。ミュージシャンは楽器を演奏しないように指示されています。聴衆が聞くことができるのは、自分自身の音です。
この有名で議論の余地のない作品では、ジョン・ケージは音楽の対立としての沈黙を示しています。したがって、すべての可聴コンテンツが存在しないことは、音楽の反ジャンルになります。ただし、他の例があります。
音楽が芸術的な音の配列であれば、非芸術的な音の配置がミュージカル否定に適した候補になるかもしれない。音楽以外は巧みなメロディやリズムではなく、ノイズになります。ギターベースのフィードバック録音やライブパフォーマンス（Melvins、Nine Inch Nails、Jimi Hendrix）からScreamo、Grindcore、インダストリアルミュージック、またはGabber、Terrorcore、Breakcore、Glitch、確かに、パンク・サブカルチャーの全体の精神は、その性質上、カテゴリー消滅を模索する虚無主義に基づいていました。
反ジャンル文学：
文学の反ジャンルは、特に19世紀半ばから後半にかけて起こっている。フィヨルド・ドストエフスキーの1864年の小説「アンダーグラウンド・ノート」は、反英雄（アンダーグラウンド・マンとも呼ばれる）とフリードリッヒ・ニーチェの「反キリスト」が1895年に出版したもので、伝統の初期の作品である。
ドストエフスキーの地下男にとって、伝統的な主人公（英雄）のすべての美徳は逆さまになっています。勇敢ではなく、彼は弱く、物理的な痛みだけでなく、より深い（より実在的な）怒りの両方を訴える。利他主義と騎士道ではなく、彼は復讐を感じ、他人に向かっている。ドストエフスキーの地下男は、西洋文学に反主人公の原型を紹介します。彼の初期の作品はまた、啓蒙主義時代の実証主義者を攻撃し、それによってユートピア楽観主義に対して事件を強化する。ジストピアンの提案と組み合わせた反英雄の導入は、その用語の技術的な定義よりもむしろ柔らかい反ジャンルの状態を表しています。
ニーチェにとって、歴史を克服するためには戦争の壮大な宣言が必要でした。彼の敵は多くありました。彼の人生の最後の一年で、彼は2つの最終的なテキスト、アイドルのトワイライトと反キリストを完成することができました。
文学の反ジャンルのより多くの技術的事例には、メタフィクションまたは放棄論が含まれるかもしれないが、この問題を決定的に解決するための現代的な奨学金の欠如がある。
コンピュータサイエンスの例：
反ジャンルのパラドックスの最も技術的な記述は、コンピュータサイエンスで見つけることができます。コンピュータプログラミングにおいて、無限ループはしばしばプログラムコード中の循環自己参照の意図しない結果（バグ）である。
例えば、ダダの芸術家の永遠のマキシムは、
ダダには1つのルールしかありませんでした。
再帰的なコンピュータ・アルゴリズムによってこの最大値を実行すると仮定すると、プログラム・エラーが発生します。もしダダがこの規則に従わなければダダは自由に規則（この格言の直接的な反論）に従うだろうが、それがこのマキシマに従うならば、少なくとも一つの規則がある（矛盾）。コンピュータプログラミングの言語では、これは致命的です（終了条件が満たされないようにします）が、これはアーティストの究極の目標である可能性があります。
ハード対ソフト：
反ジャンル（ハード版）の技術的定義は、その前身を侮辱する芸術だけではありません。ハードバージョンは、意味からの飛行においてより積極的です。それは、伝統を破るだけでなく、そのメディアのさまざまなジャンルのカテゴリーを区別する全体の枠組みを元に戻すというプロセスに自意識を持って関わっています。音楽の代わりの静寂と塗料の代わりの空白のキャンバスは、これの2つの明白な例です。
しかし、柔らかいバージョンでは、少し固く打ちつけることができます。柔らかい反ジャンルの定義には、意図的に媒体の慣習を無視したり、反乱、破壊行為 - 芸術、非合理性、自己敗北または反抗的な精神の他の戦略による伝統と激しく壊れた芸術が含まれる可能性があります。
この軽量版の反ジャンルの問題は、定義によるすべての芸術的な動きが、それらの前に来た伝統との決定的な打撃を与えるということです。もしそうでなければ、彼らは単に彼らの先人たちと連続的になるでしょう。これは弁証法のプロセスとして知られています。まず、論文を提出する。その後、論文は反論によって拒否されます。この拒絶反応は最終的にコミュニティによって受け入れられ、論文とアンチテーゼの統合により、拒絶反応の可能性のある新しい提案が作成されます。そしてサイクルは続く。
しかし、ハードジャンルとハードスタイルの違いを強調することは重要です。ポストモダニティでは、芸術的な動きの否定的/反抗的な態度を、抗ジャンルのような正式なカテゴリに関連付ける傾向があります。はるかに技術的な定義。
反ジャンルのパラドックス：
反ジャンルそのものはジャンルですか？
これは問題を引き起こす。それがジャンルであれば、それは存在しないが、それがジャンルでなければ、コヒーレントなエンティティとしてそれについての議論は起こり得ない。従って、反ジャンルはアイデンティティの危機に苦しんでいる。もちろん、反ジャンルを自分の存在を否定するよりも幸せにするものはありません。
反ジャンルは、それ自体の定義においてそれ自体の否定を参照することによって、矛盾した真実の状態（同時に真と偽の両方）を達成する。これは、問題の言葉の定義（または問題の文の解釈）がそれ自身の意味の否定であるときはいつでも起こります。例えば、
このボックスのステートメントはfalseです。
それが本当であるとき（それが偽であるとき）、それはそれ自身の否定になる。同時に真と偽の両方になることはできません。反ジャンルは、この同じタイプの自己消滅に苦しんでいます。
しかし、これは象徴的な論理学者やソフトウェアエンジニアには問題を引き起こすかもしれないが、反芸術家にとっては問題はない。それぞれの反ジャンルで活動するアーティストの目標は、ジャンル分類を回避することです。したがって、そのカテゴリが定義を保持できないことは、責任ではなく資産になります。
基本的に自殺的な芸術的運動の論理的結論は何ですか？
ダダの芸術家は、道にあるすべてのものを消滅させた後、それらの前に来たすべての芸術的スタイルと動き、あらゆる政治的態度と社会的価値を消化した後、最終的には消費することのない何も残さず、退去とチェスの人生に退いた。
同様に、そして彼のすべての改宗（すべての人間の価値観の完全な評価を求める）のために、ニーチェは精神病の状態の中で深い人生を終わらせました。 そして、それは歴史の唯一の治療法が良い精神科医と処方薬の多くであるという作家の嘆きを聞くことは珍しいことではありません。
反聖職者芸術
アンチ・サラリー・アートとは、聖職者、特にローマ・カトリック教会の聖職者を、不安定な状況で描写する芸術のジャンルです。それは19世紀後半にフランスで特に人気がありました。その時には、抗聖職者のメッセージが支配的な政治的気分に適していました。典型的な絵画は、明るい赤い服の枢機卿が豪華な私邸で不気味な活動をしていることを示しています。
反聖職崇拝主義は、宗教的権威に対する反対であり、典型的には社会的または政治的問題である。歴史的な反教会主義は主にローマカトリックの影響に反対してきた。反教権主義は、公的及び政治的生活のあらゆる側面から、教会を削除しようとする世俗主義、そして市民の日常生活への関与に関連しています：
いくつかは道徳的腐敗、制度的な問題および/または、そのような宗教改革時など宗教的な解釈で意見の相違に基づいて聖職者に反対してきました。革命家は教会がそれにつながった抑圧のシステムで重要な役割を果たしていたと信じているため反教権主義は、フランス革命の際に非常に暴力的になりました。多くの聖職者が殺され、フランス革命政府は司祭を州の従業員にすることによって司祭を支配しようとした。
反聖職崇拝主義は、カトリックヨーロッパでは19世紀を通じて様々な形で、その後カナダ、キューバ、ラテンアメリカで登場しました。
それは、カトリック教会のと対抗宗教改革時の批判を表現するために改革自体の間、改革（16世紀）の教権反対の移動中に大きなブームを持っていました。その時、AlbrechtDürerは主題を風刺した最も有名な画家の一人であり、四人の使徒のような絵があって、ルター派に近いアイデアを描き、おそらく後の教会構造の対抗手段として4人の使徒を描いた。同期間では、ルター派ルーカスクラナッハの彫刻Passional・デ・クリストと反キリストの一連の反キリストとして教皇を表しエルダーのような作家を見つけます
19世紀から20世紀初頭にかけて、フランシスコ・ブリュニー、ジョルジュ・クロガート、チャールズ・エドワルド・デオルト、ジーン・ジョルジュ・ヴィヴェルト、ジュール・ブノワ・レヴィ、エドゥアルド・ザマコワ・イ・ザバラなどがあります。テラオカ・マサミは現代美術の制作者の一人です。
反聖職崇拝主義は、宗教的権威に対する反対であり、典型的には社会的または政治的問題である。歴史的な反教会主義は主にローマカトリックの影響に反対してきた。反教権主義は、公的及び政治的生活のあらゆる側面から、教会を削除しようとする世俗主義、そして市民の日常生活への関与に関連しています：
いくつかは道徳的腐敗、制度的な問題および/または、そのような宗教改革時など宗教的な解釈で意見の相違に基づいて聖職者に反対してきました。革命家は教会がそれにつながった抑圧のシステムで重要な役割を果たしていたと信じているため反教権主義は、フランス革命の際に非常に暴力的になりました。多くの聖職者が殺され、フランス革命政府は司祭を州の従業員にすることによって司祭を支配しようとした。
反聖職崇拝主義は、カトリックヨーロッパでは19世紀を通じて様々な形で、その後カナダ、キューバ、ラテンアメリカで登場しました。
それは、カトリック教会のと対抗宗教改革時の批判を表現するために改革自体の間、改革（16世紀）の教権反対の移動中に大きなブームを持っていました。その時、AlbrechtDürerは主題を風刺した最も有名な画家の一人であり、四人の使徒のような絵があって、ルター派に近いアイデアを描き、おそらく後の教会構造の対抗手段として4人の使徒を描いた。同期間では、ルター派ルーカスクラナッハの彫刻Passional・デ・クリストと反キリストの一連の反キリストとして教皇を表しエルダーのような作家を見つけます
19世紀から20世紀初頭にかけて、フランシスコ・ブリュニー、ジョルジュ・クロガート、チャールズ・エドワルド・デオルト、ジーン・ジョルジュ・ヴィヴェルト、ジュール・ブノワ・レヴィ、エドゥアルド・ザマコワ・イ・ザバラなどがあります。テラオカ・マサミは現代美術の制作者の一人です。
アニメ
アニメーションとは、粘土、人形などを使って作った映画を含む一般的なアニメーションとは対照的に、シーケンシャルドローイングを使用して作成された映画、テレビ、またはコンピュータ画面用のフィルムです。アニメーション漫画は、商業目的、教育目的、および個人目的のために作成されています。
多くの場合、トーソンは異常なオブジェクトを受け取り、多くの状況の逆転により、キャラクターが互いに仲良くなる傾向のある落とし穴が漫画の秋に終わることがよくあります。
これは、皮肉、誇張、似顔絵、そして特に想像力を使用して、通常短編映画です。漫画は常にユーモアに賛成ですが、一般的にキャラクターの生活に大きな影響を与えません。アクションの瞬間と要素の数だけギャグの終わりにつながります。
グラフィックスタイルとアニメーションについては、文字の非常に重要な変形（ストレッチ、大きな目、4本の指、スカッシュとストレッチのテクニック）。このようなキャラクターの特殊性はシナリオでは不可欠です。なぜなら、これらのあらゆる種類の非論理的で面白い状況で生きることが可能になるからです。
シナリオに関しては、キャラクターによって表現された状況や感情を強調して、決して描かれないこれらの暴力は、普通の時に死に至った状況に苦しんだ後にキャラクターが復活することが多い。ディズニー様式とは異なり、時々悲劇に変わる（おとぎ話、バンビの母親の死）。
歴史：
静止画に動きの現象を取り込もうとする試みの初期の例は、動物がしばしば重なり合った位置に複数の脚で描かれ、動きの認識を伝えることを明確に試みる旧式の洞窟の絵画に見られる。
一般的なフリップブックと同様に、フェナキススコープ（1832）、ゾエトロープ（1834）およびプラクジノスコープ（1877）は、技術的手段を用いて連続した図面から動きを生み出す初期のアニメーション装置であったが、映画フィルム。
最初のアニメーション投影（スクリーニング）は、フランスの科学教師であったCharles-ÉmileReynaudによってフランスで作成されました。 Reynaudは1877年にPraxinoscopeを、1888年12月にThéâtreOptiqueを創設しました。1892年10月28日、彼はパリのMuséeGrévinで公開されたPauvre Pierrotの最初の動画を投影しました。このフィルムは、使用されているフィルムの穿孔の最初の既知の例としても注目に値する。彼の作品は撮影されていませんでしたが、透明な帯に直接描かれました。 1900年に50万人以上の人々がこの上映に参加しました。
最初の（撮影された）アニメーション投影は、Vitagraph Companyの共同設立者の1人が到着した新聞の漫画家J. Stuart BlacktonによるFunny Faces（1906）のHumorous Phasesでした。この映画では、漫画家の2人の顔の線画が黒板に「生き生きしている」（または生き生きとしていた）。 2人の顔が笑われて目が覚めて、喫煙者は女性の顔に煙を吹き込んだ。また、サーカスのピエロは、小さな犬がフープを飛び越えるように導いた。
1908年にフランスの監督ÉmileCohlがファンタスマゴリー（Fantasmagorie）という伝統的な意味での最初のアニメ化された投影（これは1908年にル・コケマール・デュ・ファンタッシュ[The Puppet's Nightmare、now lost]とUn Drame chez les fantoches [アメリカ人解放のためのToylandの愛の事、そして英国の解放のための神秘的な恋愛]と呼ばれる人形劇は、1908年にすべて完成しました。
最初の成功したアニメーションの1つは、Winsor McCayのGertie the Dinosaur（1914）でした。真のキャラクタアニメーションの最初の例と考えられます。最初は、アニメアニメーションは白黒で静かでした。 Felix the CatとOswald the Lucky Rabbitは注目すべき例です。
1920年代から1960年代にかけて、劇場版の漫画は数多く製作され、映画劇場の長編映画の前に通常展示されていました。ディズニー（パット・パワーズ、コロンビア、次いでユナイテッド・アーティスト、その後は独立してRKO、パラマウントが配給）、ワーナー・ブラザーズ、MGM、UPA（コロンビア配給）は、 10分のショートパンツ。他のスタジオにはWalter Lantz（ユニバーサル版）、DePatie-Freleng（ユナイテッドアーティストによる配布）、Charles Mintz Studios（後のScreen Gems）（コロンビア版）、Famous Studios（パラマウント版による配布）、Terrytoons（20世紀版狐）。
サウンドトラックを使用する最初の漫画は、1926年にMax FleischerのMy Old Kentucky Homeで行われました。しかし、FleischersはDe Forestのサウンドシステムを使用しており、そのサウンドは映画と完全に同期していませんでした。ミッキーマウスを主演するウォルト・ディズニーの1928年の漫画スチームボート・ウィリーは、レコーディング・セッション中にクリック・トラックを使用して初めて、より良い同期性を生み出しました。 「Mickey Mousing」は、音楽と完全に同期したムービーアクション（アニメーションまたはライブアクション）の用語となりました。使用される音楽は元々ほとんどの時間ですが、音楽引用がしばしば採用されています。アニメ化されたキャラクターは、通常、「ループ」でアクションを実行しました。つまり、繰り返し描かれていました。
他のプロデューサーは2ストリップカラーで早くフィルムを製作したが、ディズニーは1932年に3ストリップのTechnicolor、Flowers and Treesで最初の漫画を制作した.Fleischerスタジオの技術者は、アニメーション作成者がアニメーションを作成するためにライブアクションをトレースするロトスコープを発明したより現実的に見える。しかし、ロトスコピングはアニメーションを堅く見せ、後に撮影された動きを直接トレースしてコピーするのではなく、人間や動物の動きを研究するために使用されました。
その後、The Old Mill（1937年）のマルチプレーン・カメラ、ファンタジアのステレオ・サウンド（1940年）、Lady and the Tramp（1955年）のワイドスクリーン・プロセス、さらには3Dのような他の映画技術がアニメーションに使用されましたLumber Jack-Rabbitと一緒に。
今日の伝統的なアニメーションは従来の方法を使用していますが、特定の分野のコンピュータによって支援されています。これにより、古いテクニックでは実現できなかった新しいツールが利用できなくなります。
生産的プロセス：
プレプロダクション
アイディア
文字、設定、短編映画の時間を記述する非常に少数の行のテキスト。
件名
短編映画の話を語るTale。文字を提示し、設定を記述する。
映画のスクリプト
テキストは、何が起こるか、文字が何を言うかなどを記述するシーン（すなわち、短いもののシーン）に分割されます。
映画だけでなく、アニメーションの描画の実現は、スクリプトのテキストを図面に翻訳するための最初のステップとして、ストーリーボードの作成を予見します。ストーリーボードは、漫画本のドラフトに非常に似ていますが、雲はありません。注釈とともに、場面の下に対話が置かれていますが、図面は大雑把で未解決の特徴がたくさんありますが、これは図面が多いためですが、とりわけそれ自体は美しいものである必要はなく、最高の方法でショットを表示することができます。
ストーリーボードは、最終版まで徐々に変更され、アーティストチームと監督との比較が行われます。たとえば、背景のペインタは、ペイントする場所と文字の代わりに空白を残しておく場所を知っていなければなりません。
広告では、ストーリーボードは撮影前に商店街を顧客に提出するために使用されます。フィルムスクリプト用のストーリーボードとは異なり、これらは既に詳細な説明がされています。図面と注釈で構成されたこの概要は、レコーディング、つまり俳優と脚本家で作業するチームで洗練されます。
エグゼクティブ生産
エントリーの切開
アニメーションの作業を開始する前に、アニメーターのガイドとなる予備のオーディオトラックを録音するために使用されます。このトラックには音声のみが含まれており、アニメーターが図面の数量に合わせて調整するのに便利です。
完全なオーディオトラックには、ボイスオーバー、サウンドエフェクト、音楽が含まれますが、ポストプロダクション段階でのみ実行されます。
ビデオボード
ストーリーボードの後のステップと声の録音。ストーリーボードのビネットと予備のオーディオトラックの音声を使って実現されるモンタージュから構成されています。
アニマティックまたはライカのリール
ストーリーボードを決定的に承認する前に、非常に近似したアニメーションが実現されます。主に固定された図面から構成されています。この実現はAnimaticと呼ばれ、ストーリーボードの有効性の最後の検証です。
別の同等の名前は、今日はあまり使われていない、ライカのリールです。過去には、ライカ製品が映画撮影に幅広く使用されていたことに由来しています。
バックグラウンド
伝統的な漫画の背景は白いシートに描かれました。この場合、文字の一部も含まれています。
描画、アニメーション、タイミング
このタイミングは文字通り、さまざまなシーンの時間の測定値であり、各シーケンスの正確な図面数を確立するための基本です。
図面はさまざまな方法で作成されています。主題と背景の両方を含むフレームごとの最初の漫画から。移動する文字のみを再描画し、背景を固定したままにすることができる透明な酢酸シート、ロノベトロの使用。今日まで、図面は、半透明の紙のシート上に作成され、その後、電子コンピュータによって走査され、組み立てられる。アニメーターはフレームが連続して描画され、フレームがすぐに順番にマウントされると、キャラクターに動きを与えます。
図面は、影と減算で背景に混ざるように既に作られています。
レイアウト
昔、個々のフレームをレイアウトするために、上に描かれた文字を持つロノベトロのシートは、背景と一緒にフレームに置かれ、イルミネーションされ、フィルムに1つずつ印象付けられました。
より現代的には、文字や背景をスキャンし、デジタル化して結合してコンピュータを短くします。
ポストプロダクション
組み立てと修正
このようにして作成されたシーンは、一緒に組み立てられ、最終的な結果を構成します。
現代のプロダクションでは、小さな誤差を調整したり、色補正をしたり、さまざまなシーンの色を均一にしたり、デジタルで補正したりすることもできます
ダビング、効果音、音楽
ダビングは既に書かれているように、漫画を描く前に記録されています。ダビングは通常慎重に防音された録音室に録音されます。録音室では、声優が書かれた行と画面上でアニメーションが完成して組み立てられ、文字の唇に従います。ダビングに複数の人が含まれている場合は、時間を追求するために一緒に配置してください。ダビングは、俳優がいないことと、自分の声がない人物がいることを考えると、漫画では非常に重要です。
最後に、効果音と音楽が追加され、スクリーンアニメーションも作成されます。
テレビ：
テレビとの競争は1950年代後半に観客を映画館から引き離し、演劇漫画は衰退し始めた。今日、アメリカの聴衆のためのアニメは主にテレビ向けに制作されています。
1950年代のアメリカのテレビ・アニメーションは、ジェイ・ワードの十字軍ウサギの作品によって強調された非常に限られたアニメーションスタイルを特色としていました。チャック・ジョーンズ（Chuck Jones）は、「イラストレーションされたラジオ」という言葉を、映像よりもサウンドトラックに多く依存している大部分のテレビの漫画のいたずらなスタイルを指すように造語しました。その他の有名な1950年代のプログラムには、UPAのジェラルド・マクボイン・ボーイング、ハンナ・バルベラのハックルベリー・ハウンド、クイック・ドロー・マグロウ、ユニバーサルのウォルター・ランツ、ワーナー・ブラザーズ、MGM、ディズニーの古典劇の漫画が再放送されています。
ハンナ・バルベラの漫画「フリントストーンズ」は、1960年から1966年にかけて（そして再開して）、米国で最初に成功したアニメシリーズです。 Scooby-Doo、Where Are You !, The Jetsons、Top Cat、The Alvin Showなど、1960年代初めに他の漫画のスケジュールを立てることで多くのネットワークが成功したが、これらのプログラムはどれも1年以上生き残れなかった（Scooby-ドゥーは40年以上にわたり絶滅の危機に瀕していた漫画ではありませんでしたが）。しかし、ネットワークは土曜日の朝の漫画としてこれらのショーを運営することで成功を収め、子供の間でより多くの人口統計学的統一性を持つ小規模の視聴者に到達しました。土曜日の朝、Nickelodeon、Disney Channel / Disney XD、Cartoon Network、PBS Kids、シンジケート午後のタイムスロットなどのケーブルチャンネルで子どもたちのテレビアニメーションが盛んになりました。
TVアニメーションプロセスのスケジューリング制約、特にリソース管理の問題は、今や限定アニメーションと呼ばれる様々な技術の開発につながった。フルフレームアニメーション（「1つのもの」）は、米国の演劇以外の用途では珍しいものとなりました。
成人向けのPrimetimeの漫画は、The Simpsonsが大人のアニメーションの新しい時代を迎えた1990年代のヒットまで、米国の主流には事実上存在しませんでした。 Aeon Flux、Beavis、Butt-head、South Park、Family Guy、The Cleveland Show、American Dad !, Bob's Burgers、Aqua Teen Hunger Force（現在Aqua TV Show Showとして知られている）などの "アダルトアニメーション"フューチュラマは、プライムタイムとイブニングアメリカのテレビでアニメーションのシチュエーションを増やしました。加えて、他の国々（特に日本）のアニメーション作品は、1960年代から米国でさまざまなレベルのエアープレイを持っていました。
商業アニメーション：
アニメーションは、グラフィックの魅力とそれが提供できるユーモアの両方のために、テレビコマーシャルで非常に人気があります。 Kelloggの穀物の広告でSnap、Crackle、Popなど、何十年も生き残っているコマーシャルのアニメーションキャラクターもいます。
1957年、 "Louie the Fly"はオーストラリアの家庭用殺虫剤ブランドMorteinの漫画アンタゴニストとしてオーストラリアのテレビで初めて登場し、Geoffry Morgan Pikeによって描かれアニメ化されました。 Bryce Courtenayが作成したジングルでは、1962年以来アニメ化されたTVコマーシャルで使用されています。「Morteinの缶を持つ人」を除いて、誰も気にしないと主張して自慢しています。
伝説のアニメーションディレクター、テックスエイヴリーは、1966年に最初のRaid "Kills Bugs Dead"コマーシャルのプロデューサーでしたが、これは同社にとって非常に成功しました。 このコンセプトは多くの国で使用されています。
多くの場合、トーソンは異常なオブジェクトを受け取り、多くの状況の逆転により、キャラクターが互いに仲良くなる傾向のある落とし穴が漫画の秋に終わることがよくあります。
これは、皮肉、誇張、似顔絵、そして特に想像力を使用して、通常短編映画です。漫画は常にユーモアに賛成ですが、一般的にキャラクターの生活に大きな影響を与えません。アクションの瞬間と要素の数だけギャグの終わりにつながります。
グラフィックスタイルとアニメーションについては、文字の非常に重要な変形（ストレッチ、大きな目、4本の指、スカッシュとストレッチのテクニック）。このようなキャラクターの特殊性はシナリオでは不可欠です。なぜなら、これらのあらゆる種類の非論理的で面白い状況で生きることが可能になるからです。
シナリオに関しては、キャラクターによって表現された状況や感情を強調して、決して描かれないこれらの暴力は、普通の時に死に至った状況に苦しんだ後にキャラクターが復活することが多い。ディズニー様式とは異なり、時々悲劇に変わる（おとぎ話、バンビの母親の死）。
歴史：
静止画に動きの現象を取り込もうとする試みの初期の例は、動物がしばしば重なり合った位置に複数の脚で描かれ、動きの認識を伝えることを明確に試みる旧式の洞窟の絵画に見られる。
一般的なフリップブックと同様に、フェナキススコープ（1832）、ゾエトロープ（1834）およびプラクジノスコープ（1877）は、技術的手段を用いて連続した図面から動きを生み出す初期のアニメーション装置であったが、映画フィルム。
最初のアニメーション投影（スクリーニング）は、フランスの科学教師であったCharles-ÉmileReynaudによってフランスで作成されました。 Reynaudは1877年にPraxinoscopeを、1888年12月にThéâtreOptiqueを創設しました。1892年10月28日、彼はパリのMuséeGrévinで公開されたPauvre Pierrotの最初の動画を投影しました。このフィルムは、使用されているフィルムの穿孔の最初の既知の例としても注目に値する。彼の作品は撮影されていませんでしたが、透明な帯に直接描かれました。 1900年に50万人以上の人々がこの上映に参加しました。
最初の（撮影された）アニメーション投影は、Vitagraph Companyの共同設立者の1人が到着した新聞の漫画家J. Stuart BlacktonによるFunny Faces（1906）のHumorous Phasesでした。この映画では、漫画家の2人の顔の線画が黒板に「生き生きしている」（または生き生きとしていた）。 2人の顔が笑われて目が覚めて、喫煙者は女性の顔に煙を吹き込んだ。また、サーカスのピエロは、小さな犬がフープを飛び越えるように導いた。
1908年にフランスの監督ÉmileCohlがファンタスマゴリー（Fantasmagorie）という伝統的な意味での最初のアニメ化された投影（これは1908年にル・コケマール・デュ・ファンタッシュ[The Puppet's Nightmare、now lost]とUn Drame chez les fantoches [アメリカ人解放のためのToylandの愛の事、そして英国の解放のための神秘的な恋愛]と呼ばれる人形劇は、1908年にすべて完成しました。
最初の成功したアニメーションの1つは、Winsor McCayのGertie the Dinosaur（1914）でした。真のキャラクタアニメーションの最初の例と考えられます。最初は、アニメアニメーションは白黒で静かでした。 Felix the CatとOswald the Lucky Rabbitは注目すべき例です。
1920年代から1960年代にかけて、劇場版の漫画は数多く製作され、映画劇場の長編映画の前に通常展示されていました。ディズニー（パット・パワーズ、コロンビア、次いでユナイテッド・アーティスト、その後は独立してRKO、パラマウントが配給）、ワーナー・ブラザーズ、MGM、UPA（コロンビア配給）は、 10分のショートパンツ。他のスタジオにはWalter Lantz（ユニバーサル版）、DePatie-Freleng（ユナイテッドアーティストによる配布）、Charles Mintz Studios（後のScreen Gems）（コロンビア版）、Famous Studios（パラマウント版による配布）、Terrytoons（20世紀版狐）。
サウンドトラックを使用する最初の漫画は、1926年にMax FleischerのMy Old Kentucky Homeで行われました。しかし、FleischersはDe Forestのサウンドシステムを使用しており、そのサウンドは映画と完全に同期していませんでした。ミッキーマウスを主演するウォルト・ディズニーの1928年の漫画スチームボート・ウィリーは、レコーディング・セッション中にクリック・トラックを使用して初めて、より良い同期性を生み出しました。 「Mickey Mousing」は、音楽と完全に同期したムービーアクション（アニメーションまたはライブアクション）の用語となりました。使用される音楽は元々ほとんどの時間ですが、音楽引用がしばしば採用されています。アニメ化されたキャラクターは、通常、「ループ」でアクションを実行しました。つまり、繰り返し描かれていました。
他のプロデューサーは2ストリップカラーで早くフィルムを製作したが、ディズニーは1932年に3ストリップのTechnicolor、Flowers and Treesで最初の漫画を制作した.Fleischerスタジオの技術者は、アニメーション作成者がアニメーションを作成するためにライブアクションをトレースするロトスコープを発明したより現実的に見える。しかし、ロトスコピングはアニメーションを堅く見せ、後に撮影された動きを直接トレースしてコピーするのではなく、人間や動物の動きを研究するために使用されました。
その後、The Old Mill（1937年）のマルチプレーン・カメラ、ファンタジアのステレオ・サウンド（1940年）、Lady and the Tramp（1955年）のワイドスクリーン・プロセス、さらには3Dのような他の映画技術がアニメーションに使用されましたLumber Jack-Rabbitと一緒に。
今日の伝統的なアニメーションは従来の方法を使用していますが、特定の分野のコンピュータによって支援されています。これにより、古いテクニックでは実現できなかった新しいツールが利用できなくなります。
生産的プロセス：
プレプロダクション
アイディア
文字、設定、短編映画の時間を記述する非常に少数の行のテキスト。
件名
短編映画の話を語るTale。文字を提示し、設定を記述する。
映画のスクリプト
テキストは、何が起こるか、文字が何を言うかなどを記述するシーン（すなわち、短いもののシーン）に分割されます。
映画だけでなく、アニメーションの描画の実現は、スクリプトのテキストを図面に翻訳するための最初のステップとして、ストーリーボードの作成を予見します。ストーリーボードは、漫画本のドラフトに非常に似ていますが、雲はありません。注釈とともに、場面の下に対話が置かれていますが、図面は大雑把で未解決の特徴がたくさんありますが、これは図面が多いためですが、とりわけそれ自体は美しいものである必要はなく、最高の方法でショットを表示することができます。
ストーリーボードは、最終版まで徐々に変更され、アーティストチームと監督との比較が行われます。たとえば、背景のペインタは、ペイントする場所と文字の代わりに空白を残しておく場所を知っていなければなりません。
広告では、ストーリーボードは撮影前に商店街を顧客に提出するために使用されます。フィルムスクリプト用のストーリーボードとは異なり、これらは既に詳細な説明がされています。図面と注釈で構成されたこの概要は、レコーディング、つまり俳優と脚本家で作業するチームで洗練されます。
エグゼクティブ生産
エントリーの切開
アニメーションの作業を開始する前に、アニメーターのガイドとなる予備のオーディオトラックを録音するために使用されます。このトラックには音声のみが含まれており、アニメーターが図面の数量に合わせて調整するのに便利です。
完全なオーディオトラックには、ボイスオーバー、サウンドエフェクト、音楽が含まれますが、ポストプロダクション段階でのみ実行されます。
ビデオボード
ストーリーボードの後のステップと声の録音。ストーリーボードのビネットと予備のオーディオトラックの音声を使って実現されるモンタージュから構成されています。
アニマティックまたはライカのリール
ストーリーボードを決定的に承認する前に、非常に近似したアニメーションが実現されます。主に固定された図面から構成されています。この実現はAnimaticと呼ばれ、ストーリーボードの有効性の最後の検証です。
別の同等の名前は、今日はあまり使われていない、ライカのリールです。過去には、ライカ製品が映画撮影に幅広く使用されていたことに由来しています。
バックグラウンド
伝統的な漫画の背景は白いシートに描かれました。この場合、文字の一部も含まれています。
描画、アニメーション、タイミング
このタイミングは文字通り、さまざまなシーンの時間の測定値であり、各シーケンスの正確な図面数を確立するための基本です。
図面はさまざまな方法で作成されています。主題と背景の両方を含むフレームごとの最初の漫画から。移動する文字のみを再描画し、背景を固定したままにすることができる透明な酢酸シート、ロノベトロの使用。今日まで、図面は、半透明の紙のシート上に作成され、その後、電子コンピュータによって走査され、組み立てられる。アニメーターはフレームが連続して描画され、フレームがすぐに順番にマウントされると、キャラクターに動きを与えます。
図面は、影と減算で背景に混ざるように既に作られています。
レイアウト
昔、個々のフレームをレイアウトするために、上に描かれた文字を持つロノベトロのシートは、背景と一緒にフレームに置かれ、イルミネーションされ、フィルムに1つずつ印象付けられました。
より現代的には、文字や背景をスキャンし、デジタル化して結合してコンピュータを短くします。
ポストプロダクション
組み立てと修正
このようにして作成されたシーンは、一緒に組み立てられ、最終的な結果を構成します。
現代のプロダクションでは、小さな誤差を調整したり、色補正をしたり、さまざまなシーンの色を均一にしたり、デジタルで補正したりすることもできます
ダビング、効果音、音楽
ダビングは既に書かれているように、漫画を描く前に記録されています。ダビングは通常慎重に防音された録音室に録音されます。録音室では、声優が書かれた行と画面上でアニメーションが完成して組み立てられ、文字の唇に従います。ダビングに複数の人が含まれている場合は、時間を追求するために一緒に配置してください。ダビングは、俳優がいないことと、自分の声がない人物がいることを考えると、漫画では非常に重要です。
最後に、効果音と音楽が追加され、スクリーンアニメーションも作成されます。
テレビ：
テレビとの競争は1950年代後半に観客を映画館から引き離し、演劇漫画は衰退し始めた。今日、アメリカの聴衆のためのアニメは主にテレビ向けに制作されています。
1950年代のアメリカのテレビ・アニメーションは、ジェイ・ワードの十字軍ウサギの作品によって強調された非常に限られたアニメーションスタイルを特色としていました。チャック・ジョーンズ（Chuck Jones）は、「イラストレーションされたラジオ」という言葉を、映像よりもサウンドトラックに多く依存している大部分のテレビの漫画のいたずらなスタイルを指すように造語しました。その他の有名な1950年代のプログラムには、UPAのジェラルド・マクボイン・ボーイング、ハンナ・バルベラのハックルベリー・ハウンド、クイック・ドロー・マグロウ、ユニバーサルのウォルター・ランツ、ワーナー・ブラザーズ、MGM、ディズニーの古典劇の漫画が再放送されています。
ハンナ・バルベラの漫画「フリントストーンズ」は、1960年から1966年にかけて（そして再開して）、米国で最初に成功したアニメシリーズです。 Scooby-Doo、Where Are You !, The Jetsons、Top Cat、The Alvin Showなど、1960年代初めに他の漫画のスケジュールを立てることで多くのネットワークが成功したが、これらのプログラムはどれも1年以上生き残れなかった（Scooby-ドゥーは40年以上にわたり絶滅の危機に瀕していた漫画ではありませんでしたが）。しかし、ネットワークは土曜日の朝の漫画としてこれらのショーを運営することで成功を収め、子供の間でより多くの人口統計学的統一性を持つ小規模の視聴者に到達しました。土曜日の朝、Nickelodeon、Disney Channel / Disney XD、Cartoon Network、PBS Kids、シンジケート午後のタイムスロットなどのケーブルチャンネルで子どもたちのテレビアニメーションが盛んになりました。
TVアニメーションプロセスのスケジューリング制約、特にリソース管理の問題は、今や限定アニメーションと呼ばれる様々な技術の開発につながった。フルフレームアニメーション（「1つのもの」）は、米国の演劇以外の用途では珍しいものとなりました。
成人向けのPrimetimeの漫画は、The Simpsonsが大人のアニメーションの新しい時代を迎えた1990年代のヒットまで、米国の主流には事実上存在しませんでした。 Aeon Flux、Beavis、Butt-head、South Park、Family Guy、The Cleveland Show、American Dad !, Bob's Burgers、Aqua Teen Hunger Force（現在Aqua TV Show Showとして知られている）などの "アダルトアニメーション"フューチュラマは、プライムタイムとイブニングアメリカのテレビでアニメーションのシチュエーションを増やしました。加えて、他の国々（特に日本）のアニメーション作品は、1960年代から米国でさまざまなレベルのエアープレイを持っていました。
商業アニメーション：
アニメーションは、グラフィックの魅力とそれが提供できるユーモアの両方のために、テレビコマーシャルで非常に人気があります。 Kelloggの穀物の広告でSnap、Crackle、Popなど、何十年も生き残っているコマーシャルのアニメーションキャラクターもいます。
1957年、 "Louie the Fly"はオーストラリアの家庭用殺虫剤ブランドMorteinの漫画アンタゴニストとしてオーストラリアのテレビで初めて登場し、Geoffry Morgan Pikeによって描かれアニメ化されました。 Bryce Courtenayが作成したジングルでは、1962年以来アニメ化されたTVコマーシャルで使用されています。「Morteinの缶を持つ人」を除いて、誰も気にしないと主張して自慢しています。
伝説のアニメーションディレクター、テックスエイヴリーは、1966年に最初のRaid "Kills Bugs Dead"コマーシャルのプロデューサーでしたが、これは同社にとって非常に成功しました。 このコンセプトは多くの国で使用されています。
動物のスタイルの芸術
動物芸術は初期の鉄器時代の中国から北欧への装飾へのアプローチであり、移住期間の野蛮な芸術であり、動物モチーフを重視しています。ズームの様式の装飾は、動物や略奪品に全面的に基づいて経済が行われていた戦士・牧畜者の小物を飾るために使用されました。
動物のスタイルは、動物の唯一の従来の画像の要素から、そして人間の図形や鳥の要素からパターンを構築し、グラフィックのモチーフを装飾的でない装飾のリズムに完全に従属させ、描く芸術。
最初の人々は動物を描写し始めましたが、ブロンズ時代には動物の様式でイメージを持つ様々な物体の量産が実践され、鉄器時代には増加しました。動物のスタイルで最高のイメージは、自然の愛、動物とその動きの賞賛、動物の闘争の観察などに基づいています。
動物のスタイルは、その出生とプロットをトーテム主義のイメージに頼っています。ほとんどの場合、神聖化された動物、捕食動物、鳥、素晴らしい動物（グリフィン）が描かれています。
当時利用可能な技術はすべて使用され、貴重なアイテム（エリート用）を作るために金、銀、宝石などが使用されました。すべての古代の人々のマスターは、芸術的技術だけでなく、異なる材料を扱うための技術も含まれています。
スキタイ美術：
スキタイアの芸術は、武器、馬ハーネス、スキタイア様式の野生動物芸術の「スキタイジア三つ組」の一要素である動物モチーフを最大限に活用しています。 Scythianスタイルと呼ばれる文化には、ヨーロッパのSarmatiaのCimmerianとSarmatianの文化が含まれており、近東のユーラシア大草原を越えて中国のOrdos文化に広がっています。これらの文化は、多くの地方版の広がりに非常に影響を与えました。
ステッペのジュエリーには、スタッグ、ネコ、鳥、馬、クマ、オオカミ、神秘的な獣など様々な動物が飾られています。体の下に脚を抱えて頭を立て、スピード感を与えるために筋肉をしっかりと抱き締める姿勢で、金色の人物が特に印象的です。ほとんどの数字の "ループ"の枝角は独特の特徴であり、中国の鹿の画像には見られません。表現されている種は多くの学者がこの時期に大草原の人々が住んでいる地域では見られなかったトナカイであるように見えました。これらの中で最大のものは盾の中央装飾品であり、他のものはおそらく衣服に貼られた小さな斑でした。スタッグは、おそらく一族のトーテムとして、ステップ族にとって特別な意義を持っていたようです。これらの数字の中でも最も注目すべき点は、
もう一つの特徴的な形は、一方の側の景色の上にある様式化された木を含む開封斑であり、そのうちの2つの例がここに例示されている。後に大きなギリシャ製の作品には、ギリシャの芸術に典型的な遊牧民の作品よりも典型的な場面で、日常的なビジネスをしていると思われるスキタイ人の男性を示すゾーンが含まれることがあります。いくつかの学者はそのような場面に物語の意味をつけようと試みたが、これは推測のままである。
さまざまなスキタイ族の支配的エリートによって金が広く使用されていましたが、様々な動物の形態の主な材料は青銅でした。これらのアイテムの大部分は、馬のハーネス、革ベルト、個人服を飾るために使用されました。場合によっては、これらの青銅の動物の図形が硬い革ジャーキンとベルトに縫い付けられると、鎧のように働くのに役立ちました。
動物の形の使用は単なる装飾よりもさらに進んだ。これらは、描かれた動物の同様の誇りと力を持つ品物の所有者を一見しているように見える。したがって、これらの形態の使用は、剣、短剣、剣、または軸である戦争の装備にまで及んだ。
ロシアのウラル山脈とヴォルガ川とカマ川の近くには、5世紀〜10世紀頃の青銅や銅合金の異なるペルム紀のスタイルがあります。
Totemismから遠い新しい宝飾品の普及の結果として、獣医様式は意義と使用の規模を失ってしまったが、人気を得ている動物様式のいくつかの画像は、近代的な装飾モチーフ、状態記号等
動物のスタイルの日付で最初に見つかった素材アーチファクト：
エジプトとメソポタミアV千BC。 e。
近東、インド、中国では - 紀元前に千六百万。 e。
ロシア（Maykop文化） - IV千BC。 e。
ゲルマン動物のスタイル：
ゲルマンの変形の装飾の研究は、ベルンハルト・サリンによって1904年に出版された作品の中で開拓されました。サリンは動物の芸術をおよそ400から900まで3段階に分類しました。これらの異なる段階の起源は依然として議論の対象となっている。ローマ時代の人気のある地方の芸術の動向を発展させることは、遊牧民の草原の人々の伝統を進歩させるような要素でした。スタイルIとスタイルIIは、移住期間中の野蛮人の芸術において、ヨーロッパ全土に広く見られます。
スタイルI.ヨーロッパ北西部に最初に現れ、最初に5世紀に青銅と銀に適用されたチップ彫刻技術の導入によって表現されました。体が複数の部分に分かれている動物を特徴とし、典型的には抽象的なパターンを重視したデザインの縁に現れる。
スタイルII。約560-570の後、減少するスタイルIが取り入れられ始めた。スタイルIIの動物は全身であり、身体は自然の偽りのない対称的な形に絡み合った「リボン」に伸長した身体であり、脚はまれであり、蛇として記述される傾向があります。動物は装飾パターン、典型的にはインターレースに包摂されるようになる。スタイルIIの例は、Sutton Hoo（ca. 625）のゴールド財布の蓋（写真）にあります。
約700のローカライズされたスタイルが開発された後、一般的なゲルマンスタイルを話すことはもはや非常に有用ではありません。サランスタイルIIIは、主にスカンジナビアで発見され、バイキングアートとも呼ばれます。インターレースはそれほど規則的ではなく複雑になり、3次元の動物は通常は見えますが、ねじれた、誇張された、超現実的な、断片化した身体部分がすべての利用可能な空間を埋めるように見えます。動物の身体は、未知の視聴者が読むのが難しくなり、2つの部分をつなぐために動物の口が組成物の別の要素につかまる「つかむ獣」の非常に共通のモチーフがある。動物のスタイルは、ケルト族の芸術や古典的な要素とともに、イングルアールのインシュラー芸術とアングロサクソン芸術のスタイルを形成し、これらのルートやその他の大陸を通って、中世後期にかなりの遺産を残したアート。
Anglo-Saxonのアートでは、KendrickはStyles IとIIの「Helmet」と「Ribbon」を好んでいました。
動物のスタイルは、動物の唯一の従来の画像の要素から、そして人間の図形や鳥の要素からパターンを構築し、グラフィックのモチーフを装飾的でない装飾のリズムに完全に従属させ、描く芸術。
最初の人々は動物を描写し始めましたが、ブロンズ時代には動物の様式でイメージを持つ様々な物体の量産が実践され、鉄器時代には増加しました。動物のスタイルで最高のイメージは、自然の愛、動物とその動きの賞賛、動物の闘争の観察などに基づいています。
動物のスタイルは、その出生とプロットをトーテム主義のイメージに頼っています。ほとんどの場合、神聖化された動物、捕食動物、鳥、素晴らしい動物（グリフィン）が描かれています。
当時利用可能な技術はすべて使用され、貴重なアイテム（エリート用）を作るために金、銀、宝石などが使用されました。すべての古代の人々のマスターは、芸術的技術だけでなく、異なる材料を扱うための技術も含まれています。
スキタイ美術：
スキタイアの芸術は、武器、馬ハーネス、スキタイア様式の野生動物芸術の「スキタイジア三つ組」の一要素である動物モチーフを最大限に活用しています。 Scythianスタイルと呼ばれる文化には、ヨーロッパのSarmatiaのCimmerianとSarmatianの文化が含まれており、近東のユーラシア大草原を越えて中国のOrdos文化に広がっています。これらの文化は、多くの地方版の広がりに非常に影響を与えました。
ステッペのジュエリーには、スタッグ、ネコ、鳥、馬、クマ、オオカミ、神秘的な獣など様々な動物が飾られています。体の下に脚を抱えて頭を立て、スピード感を与えるために筋肉をしっかりと抱き締める姿勢で、金色の人物が特に印象的です。ほとんどの数字の "ループ"の枝角は独特の特徴であり、中国の鹿の画像には見られません。表現されている種は多くの学者がこの時期に大草原の人々が住んでいる地域では見られなかったトナカイであるように見えました。これらの中で最大のものは盾の中央装飾品であり、他のものはおそらく衣服に貼られた小さな斑でした。スタッグは、おそらく一族のトーテムとして、ステップ族にとって特別な意義を持っていたようです。これらの数字の中でも最も注目すべき点は、
もう一つの特徴的な形は、一方の側の景色の上にある様式化された木を含む開封斑であり、そのうちの2つの例がここに例示されている。後に大きなギリシャ製の作品には、ギリシャの芸術に典型的な遊牧民の作品よりも典型的な場面で、日常的なビジネスをしていると思われるスキタイ人の男性を示すゾーンが含まれることがあります。いくつかの学者はそのような場面に物語の意味をつけようと試みたが、これは推測のままである。
さまざまなスキタイ族の支配的エリートによって金が広く使用されていましたが、様々な動物の形態の主な材料は青銅でした。これらのアイテムの大部分は、馬のハーネス、革ベルト、個人服を飾るために使用されました。場合によっては、これらの青銅の動物の図形が硬い革ジャーキンとベルトに縫い付けられると、鎧のように働くのに役立ちました。
動物の形の使用は単なる装飾よりもさらに進んだ。これらは、描かれた動物の同様の誇りと力を持つ品物の所有者を一見しているように見える。したがって、これらの形態の使用は、剣、短剣、剣、または軸である戦争の装備にまで及んだ。
ロシアのウラル山脈とヴォルガ川とカマ川の近くには、5世紀〜10世紀頃の青銅や銅合金の異なるペルム紀のスタイルがあります。
Totemismから遠い新しい宝飾品の普及の結果として、獣医様式は意義と使用の規模を失ってしまったが、人気を得ている動物様式のいくつかの画像は、近代的な装飾モチーフ、状態記号等
動物のスタイルの日付で最初に見つかった素材アーチファクト：
エジプトとメソポタミアV千BC。 e。
近東、インド、中国では - 紀元前に千六百万。 e。
ロシア（Maykop文化） - IV千BC。 e。
ゲルマン動物のスタイル：
ゲルマンの変形の装飾の研究は、ベルンハルト・サリンによって1904年に出版された作品の中で開拓されました。サリンは動物の芸術をおよそ400から900まで3段階に分類しました。これらの異なる段階の起源は依然として議論の対象となっている。ローマ時代の人気のある地方の芸術の動向を発展させることは、遊牧民の草原の人々の伝統を進歩させるような要素でした。スタイルIとスタイルIIは、移住期間中の野蛮人の芸術において、ヨーロッパ全土に広く見られます。
スタイルI.ヨーロッパ北西部に最初に現れ、最初に5世紀に青銅と銀に適用されたチップ彫刻技術の導入によって表現されました。体が複数の部分に分かれている動物を特徴とし、典型的には抽象的なパターンを重視したデザインの縁に現れる。
スタイルII。約560-570の後、減少するスタイルIが取り入れられ始めた。スタイルIIの動物は全身であり、身体は自然の偽りのない対称的な形に絡み合った「リボン」に伸長した身体であり、脚はまれであり、蛇として記述される傾向があります。動物は装飾パターン、典型的にはインターレースに包摂されるようになる。スタイルIIの例は、Sutton Hoo（ca. 625）のゴールド財布の蓋（写真）にあります。
約700のローカライズされたスタイルが開発された後、一般的なゲルマンスタイルを話すことはもはや非常に有用ではありません。サランスタイルIIIは、主にスカンジナビアで発見され、バイキングアートとも呼ばれます。インターレースはそれほど規則的ではなく複雑になり、3次元の動物は通常は見えますが、ねじれた、誇張された、超現実的な、断片化した身体部分がすべての利用可能な空間を埋めるように見えます。動物の身体は、未知の視聴者が読むのが難しくなり、2つの部分をつなぐために動物の口が組成物の別の要素につかまる「つかむ獣」の非常に共通のモチーフがある。動物のスタイルは、ケルト族の芸術や古典的な要素とともに、イングルアールのインシュラー芸術とアングロサクソン芸術のスタイルを形成し、これらのルートやその他の大陸を通って、中世後期にかなりの遺産を残したアート。
Anglo-Saxonのアートでは、KendrickはStyles IとIIの「Helmet」と「Ribbon」を好んでいました。
寓話的彫刻
寓意的な彫刻とは、アレゴリーのように抽象的なアイデアを象徴化し、特に具体化する彫刻を指します。例えば、西洋の世界では、伝統的に鱗と剣を持っている正義を表す司法裁判官の像と、ミラーを保持して蛇を絞って真実を表す慎重さの彫像などがあります。
寓話的な数字 - 美徳、感情、人類の属性などの表現は、ビクトリア朝の彫刻で人気があり、最も美しい理想的な人物の多くは寓話的です。これは、寓意的な彫像上のこのサイトのページにとって十分な理由と思われます。寓意的な彫像の例がたくさんあり、それゆえに「寓意的なアルファベットのアルファベット」という考えがあることは明らかでした。エドワード彫像や1930年代にかけてもアルファベット全体をするには十分ではありません。
人間の姿勢とその姿勢、身振り、衣服を使って、言葉で言えば社会的価値観やテーマを伝えるこのアプローチ。それは1580年の早い時期に葬儀の芸術に見られるかもしれません。守護聖人が受け入れられなくなった時、ルネッサンスのモニュメントに使われました。特に4つの枢機卿の美徳と3つのキリスト教の美徳が有名ですが、名声、勝利、希望と時間といったものもあります。寓話的な彫刻の使用は、Écoledes Beaux-Artsの下で完全に開発されました。それは時にはビクトリア朝の芸術に関連しており、1900年頃の作品によく見られます。
特定の建築家の彫像とは対照的に、建築の寓意的な彫像は一般的に女性です。多くの場合、それは芸術の一つとして集中しているので、予想されるよりも建築の数が少なくなっています。それにもかかわらず、いくつかあります。ロンドンのVauxhall BridgeにあるF. W. Pomeroyの建築像は、一方でSt Paul's Cathedralのモデルを持ち、もう一方はコンパスのペアを運んでいる貴族の姿です。彼女は建築の他の彫像よりはるかに大きいですが、寓意的なタイプの主な特徴を表しています。アーキテクチャの2つの共通の属性は、ここでのように、ミニチュア建物、コンパス、またはその両方です。彼女は古典的にドレープされていて、裸足で裸足になっています。また、足元はサンダルで覆われていても、ここでは長くて一般的に重いドレープリーの下に隠されています。 - 軽量でかすかなドレープが不適切。彼女はまた、威厳を持っている必要がありますので、動きやジェスチャーではなく静かな姿勢が示されます。
農業はビクトリア朝の英国で強い地位を誇り、多くの寓意的な像や飾りの対象です。農業はしばしばマニュファクチャと組んでいるか、エンパイアの成功の演出としてコマースやエキスポートの会社にいる。
農業の数字は、女性または男性であることができ、ほとんどの場合、トウモロコシの束と、しばしば鎌または鎌を含む。別の方法は、バスケットから種を蒔く図である。または鎌の代わりに鋤、鍬またはスペードがあるかもしれません。
アルベール記念館の男性と裸の女性の2人の例があります。農業は盛んで、成長し、実りあり、熟しているので、若々しく丈夫です。最も一般的な男性タイプは、丈夫な若い労働者で、襟ぐりのシャツを着用したり、腰にはぎ取ったりします。典型的な女性の農業は、しばしばフード付き、またはトウモロコシの耳付きの頭飾りを使用して、強く服を着る。彼女は成熟しているか若々しいかもしれませんが、確かに若干構築されているわけではありません。彼女の腕はしっかりしていて、腰が広く、胸がいっぱいです。
男性または女性は、農業を青年または成熟と見なしますが、年齢ではありません。鎌を持つ古い人物は、冬を示すかもしれませんが、絵画やデザインよりもそうではありませんが、一般的には死や時間を示します。農業の寓意的な人物は、心のこもった新鮮です。疲れた人や弓を抱いた人物は、貧困や奴隷制を象徴するようです。 Agricturureに関連した数字が時折見られる - 季節は、自立した像ではなく、円形のものまたはパネルである。または上記に示唆したように、収穫のある農業労働者は、フリーズまたはペディメント・ビルディングの一連の数字のうちの最初のものを表すことができます。
注目すべき寓意的彫刻：
マクシミリアン・コルトによる4つの枢機卿の美徳、1641年までハートフォードシャー州のイングランド郡のビショップハットフィールド教会にあるソールズベリーの第1伯爵ロバート・セシルへの記念碑。
ピントの正義と真実の寓意は、建築家ジュゼッペ・ボニシとメイソンジョヴァンニ・プグリシ（1758年）によるものです。
1872年にケンジントン庭園にあるアルバート記念館を取り巻く4大陸と4つの芸術と科学の数字。
1886年の自由の女神像。
ヒーローズスクエアのミレニアム記念碑にある戦争と平和の像Hősöktere、ブダペスト、ハンガリー、ca. 1900年
ニューヨークのバッファローで1901年の汎アメリカ博覧会で、ニューヨークはカールビッターによってプログラムされた寓意的な彫刻の広範なスキームを持っていた。
ロンドンの旧ベイリーズの司法士像1902
Birch Bayh連邦ビルのJ. Massey Rhindによる4つの彫像、産業、科学、農業、文学、1905年、インディアナポリス、インディアナポリスの裁判所。
1912年にフランスの彫刻家Jules-Felix Coutanによって制作されたマンハッタンのグランドセントラルターミナルの上にある寓意的なグループは、ローマの神、ヘラクレス（物理的エネルギー）、マーキュリー（商業）、ミネルヴァ（知恵）を代表し、 '
寓話的な数字 - 美徳、感情、人類の属性などの表現は、ビクトリア朝の彫刻で人気があり、最も美しい理想的な人物の多くは寓話的です。これは、寓意的な彫像上のこのサイトのページにとって十分な理由と思われます。寓意的な彫像の例がたくさんあり、それゆえに「寓意的なアルファベットのアルファベット」という考えがあることは明らかでした。エドワード彫像や1930年代にかけてもアルファベット全体をするには十分ではありません。
人間の姿勢とその姿勢、身振り、衣服を使って、言葉で言えば社会的価値観やテーマを伝えるこのアプローチ。それは1580年の早い時期に葬儀の芸術に見られるかもしれません。守護聖人が受け入れられなくなった時、ルネッサンスのモニュメントに使われました。特に4つの枢機卿の美徳と3つのキリスト教の美徳が有名ですが、名声、勝利、希望と時間といったものもあります。寓話的な彫刻の使用は、Écoledes Beaux-Artsの下で完全に開発されました。それは時にはビクトリア朝の芸術に関連しており、1900年頃の作品によく見られます。
特定の建築家の彫像とは対照的に、建築の寓意的な彫像は一般的に女性です。多くの場合、それは芸術の一つとして集中しているので、予想されるよりも建築の数が少なくなっています。それにもかかわらず、いくつかあります。ロンドンのVauxhall BridgeにあるF. W. Pomeroyの建築像は、一方でSt Paul's Cathedralのモデルを持ち、もう一方はコンパスのペアを運んでいる貴族の姿です。彼女は建築の他の彫像よりはるかに大きいですが、寓意的なタイプの主な特徴を表しています。アーキテクチャの2つの共通の属性は、ここでのように、ミニチュア建物、コンパス、またはその両方です。彼女は古典的にドレープされていて、裸足で裸足になっています。また、足元はサンダルで覆われていても、ここでは長くて一般的に重いドレープリーの下に隠されています。 - 軽量でかすかなドレープが不適切。彼女はまた、威厳を持っている必要がありますので、動きやジェスチャーではなく静かな姿勢が示されます。
農業はビクトリア朝の英国で強い地位を誇り、多くの寓意的な像や飾りの対象です。農業はしばしばマニュファクチャと組んでいるか、エンパイアの成功の演出としてコマースやエキスポートの会社にいる。
農業の数字は、女性または男性であることができ、ほとんどの場合、トウモロコシの束と、しばしば鎌または鎌を含む。別の方法は、バスケットから種を蒔く図である。または鎌の代わりに鋤、鍬またはスペードがあるかもしれません。
アルベール記念館の男性と裸の女性の2人の例があります。農業は盛んで、成長し、実りあり、熟しているので、若々しく丈夫です。最も一般的な男性タイプは、丈夫な若い労働者で、襟ぐりのシャツを着用したり、腰にはぎ取ったりします。典型的な女性の農業は、しばしばフード付き、またはトウモロコシの耳付きの頭飾りを使用して、強く服を着る。彼女は成熟しているか若々しいかもしれませんが、確かに若干構築されているわけではありません。彼女の腕はしっかりしていて、腰が広く、胸がいっぱいです。
男性または女性は、農業を青年または成熟と見なしますが、年齢ではありません。鎌を持つ古い人物は、冬を示すかもしれませんが、絵画やデザインよりもそうではありませんが、一般的には死や時間を示します。農業の寓意的な人物は、心のこもった新鮮です。疲れた人や弓を抱いた人物は、貧困や奴隷制を象徴するようです。 Agricturureに関連した数字が時折見られる - 季節は、自立した像ではなく、円形のものまたはパネルである。または上記に示唆したように、収穫のある農業労働者は、フリーズまたはペディメント・ビルディングの一連の数字のうちの最初のものを表すことができます。
注目すべき寓意的彫刻：
マクシミリアン・コルトによる4つの枢機卿の美徳、1641年までハートフォードシャー州のイングランド郡のビショップハットフィールド教会にあるソールズベリーの第1伯爵ロバート・セシルへの記念碑。
ピントの正義と真実の寓意は、建築家ジュゼッペ・ボニシとメイソンジョヴァンニ・プグリシ（1758年）によるものです。
1872年にケンジントン庭園にあるアルバート記念館を取り巻く4大陸と4つの芸術と科学の数字。
1886年の自由の女神像。
ヒーローズスクエアのミレニアム記念碑にある戦争と平和の像Hősöktere、ブダペスト、ハンガリー、ca. 1900年
ニューヨークのバッファローで1901年の汎アメリカ博覧会で、ニューヨークはカールビッターによってプログラムされた寓意的な彫刻の広範なスキームを持っていた。
ロンドンの旧ベイリーズの司法士像1902
Birch Bayh連邦ビルのJ. Massey Rhindによる4つの彫像、産業、科学、農業、文学、1905年、インディアナポリス、インディアナポリスの裁判所。
1912年にフランスの彫刻家Jules-Felix Coutanによって制作されたマンハッタンのグランドセントラルターミナルの上にある寓意的なグループは、ローマの神、ヘラクレス（物理的エネルギー）、マーキュリー（商業）、ミネルヴァ（知恵）を代表し、 '
アルバムカバーアート
アルバムカバーは、市販されているオーディオレコーディングプロダクトまたはアルバムのパッケージングの前面にあります。この用語は、25cm（30インチ）のLPレコードと12インチ（30cm）の78rpmレコードのセットをパッケージ化するために一般的に使用される印刷された厚紙カバー、12インチ（30cm）LPの単一セットとセット、45rpmレコード（いくつかの接続されたスリーブまたはボックスのいずれか）、またはCDパッケージの前面パネル、およびますますアルバムのデジタルダウンロードまたはその個々のトラックの一次画像に付随する。全てのタイプの有形の記録の場合、保護スリーブの一部としても機能する。
カバーアートそれは、図書や雑誌、新聞（タブロイド）、漫画本、ビデオゲーム（ボックスアート）、DVD、CDなどの出版された製品の外側にあるイラストや写真のアートワークです。 、ビデオテープ、または音楽アルバム（アルバムアート）。芸術は、主に商業的な機能、すなわち、それが表示される製品を宣伝する機能を有するが、美的機能を有することもでき、製品の作成者による芸術など、芸術的に製品に接続することもできる。建築家のような筆者とタイポグラファー（今日の表紙アーティスト）は、数え切れないほどの年月をかけて視覚空間を形成し続けています。特定のサイズは、手に快適なので一定のサイズが繰り返されているのと同じように、目と心を喜ばせるので、一定の割合は仕事で繰り返されます。ウェブでさえもメリットがあります。あまりにも長いタイポグラフィスタイルとそれに伴う細部への注意は、ウェブサイトデザイナーによって見落とされてきました....これまでに何年もの間、この技術に落とし込まれていたかもしれませんが、今やウェブが追いついています。カバーアートは、出版された作品の機能、形式、内容を販売するだけでなく、充実させます。
アルバムカバーアートは、音楽アルバム用に作成されたアートワークです。注目すべきアルバムカバーアートにはピンクフロイドのダークサイドオブザムーン、キングクリムゾンのクリムゾン王の裁判所、ビートルズのサージェントなどがあります。ペッパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド、アビー・ロード、そして彼らの「ホワイト・アルバム」などがあります。アルバムには、Joni MitchellのCloudsのようにミュージシャンが作成したカバーアートや、DylanのバックアップバンドのファーストアルバムであるThe BandのBig Pinkからの音楽のカバーのためのBob Dylanのアートワークなど、関連するミュージシャンが参加できます。アルバムカバーアートで知られるアーティストには、アルバムカバーアートの初期パイオニアであるAlex Steinweiss、Roger Dean、Hipgnosisスタジオなどがあります。一部のアルバムアートは、ヌード、違反している教会、商標などの理由で論争を招くことがあります。アルバムのカバーアート、特にロックとジャズのアルバムカバーを書いた数多くの書籍があります。 Steinweissはアートディレクターとグラフィックデザイナーであり、アルバムのカバーを録音するためにカスタムアートワークをもたらし、ロングプレーのレコード用の最初のパッケージを発明しました。
カバーは音楽の文化の重要な一部となった。ボブ・カトーのようなデザイナーの影響を受け、コロンビア・レコードとユナイテッド・アーティストのクリエイティブ・サービス担当バイスプレジデントを歴任した彼の長い音楽キャリアの様々な段階で、アルバムカバーはマーケティングツールと芸術的な表現で有名になりました意図。アルバムアートは、戦後の重要な文化的表現としても議論されてきた。
1960年代初頭、ビートルズのビートルズ、ボブ・ディランのタイムズ・ア・チャンイン、そしてローリング・ストーンズのセルフ・タイトルのデビュー・アルバムには、ミュージシャンのパブリック・イメージをさらに高めるためにデザインされたカバー・フォトが含まれていました。著者Peter Peter Doggettはまた、若い白人女性の写真を含むOtis Reddingのオーティス・ブルーの表紙を強調しています。「二重の役割を果たしました。彼女は音楽の超越力を表し、クリエイターのレースを不明瞭にしました」標準的な肖像画ベースのLPカバーは、1965年から66年にかけて、歌手の周りに象徴的な人工物を含めることによって、ディランのすべての背中を飾ることによってさらに挑戦された。ビートルズの人工的に伸ばされた顔は彼らのRubber Soulアルバムに掲載されています。そしてAftermathにRolling Stonesに適用された暗い色合い。
ゲートフォールドのカバー（折りたたみダブルカバー）とインサートは、しばしば歌詞シートで、アルバムカバーをそれ自体が望ましい作品にしました。注目すべき例はビートルズのサージェントです。ペッパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンドは、単なるアルバムであっても、カットイン・インサート、歌詞、ゲートフォールド・スリーブを持っていた。メインストリートのローリング・ストーンズ・エグザイル（Rolling Stones's Exile）には、ゲートフォールドと12枚の穴があいた一連のはがき（写真家、ノーマン・シフが撮影）がありました。ピンク・フロイドのダークサイド・オブ・ザ・ムーンは、ゲートフォールド、歌詞、袖のタイトルなし、ポスターとステッカー・インサートを持っていました。バンドの1970年のリリース、ステージ・フライト（Seefがポスターのインサートとして写真を含む）は、LPアートワークの早期の例であり、すぐにコレクターのアイテムになります。 CDフォーマットのより望ましいパッケージ、例えばSgtの再発行を試みる試みがなされているが、小さな（レコードの1/4未満のサイズの）CDフォーマットへの移行はその影響を失った。ペッパーは段ボール箱と小冊子を持っていました、または大きめの梱包を使用していました。
デザインの重要性は、いくつかのカバーアーティストが彼らの仕事を通して専門性を得たり名声を得たりするようなものでした。そのような人には、デザインチームHipgnosis、ピンクフロイドのアルバムの仕事などが含まれます。彼のイエスとグリーンスプレーのカバーで有名なロジャーディーン。 Cal Schenkel、Captain BeefheartのTrout Mask Replica、Frank ZappaのWe're Onlyのためのものです。
音楽業界の内外の多くの写真家やイラストレーターの才能は、思い出に残るLP / CDカバーを作り出すために使われてきました。写真家Mick Rockは、Queen's Queen II（クラシックミュージックビデオBohemian Rhapsodyのために再現）、Syd BarrettのMadcap Laughs、Lou Reedのトランスフォーマーなど、1970年代の最も象徴的なアルバムカバーを制作しました。 1972年から1975年まで、写真家Norman SeeffはUnited Artistsのクリエイティブディレクターを務め、多くの表紙写真（The Band、Kiss's Hitter、Joni Mitchell's Hejiraなど）に加え、Exile on Main Streetその多くはグラミー賞のノミネートを受けました。 Ed Repka（メガデス）、アンディ・ウォーホル（ベルベット・アンダーグラウンド、ローリング・ストーンズ）、Mati Klarwein（サンタナ、マイルス・デイヴィス）、HR Giger（世界的に有名なグラフィックデザイナー）エマーソン、レイク＆パーマー、デビーハリー）、フランクFrazetta（モリーハチェット）、デレクリッグス（アイアンメイデン）、ジェイミーリード（セックスピストルズ）、ハワードフィンスター（REM、トーキングヘッド）、アルヒルシュフェルド（エアロスミス）、ケンケリーロバート・クラム（ビッグ・ブラザー＆ホールディング・カンパニー）、ジョン・ヴァン・ハマーズベルト（ローリング・ストーンズ）、シェパード・フェアリー（ジョニー・キャッシュ）才能から思い出に残る音楽パッケージまで。
多数のレコードカバーでは、過去の芸術家からライセンスされた（またはパブリックドメインから借りた）画像も使用されています。よく知られている例としては、デレクとドミノス・レイラとその他のラッセル・ソング（フランスの画家、彫刻家エミール・テオドール・フランドセン・ド・シェムバーグによる絵画「ラ・フィール・オー・ブーケ」）、ジェニッシンによる「イカルスの崩壊」ルネサンスの最初のアルバムの表紙に。ディープパープルのカバーのボッシュ。艦隊FoxesのカバーのBreugel;画家ジョン・スチュアート・カリー、ノーマン・ロックウェルのカウボーイ（Pure Prairie League）、そして最近ではユーゲイラ・ドラクロワの絵Liberty Leading the People（The Liberty Leading the People）をフィーチャーしたColdplayのViva La Vidaの壁画に合わせたカンザスのデビューアルバムのカバールーヴル）に「VIVA LA VIDA」という言葉を白い塗料で塗りつぶした。
写真撮影やビデオ/映画のレコーディングでも、ドゥー・シュルツァン（ブラック・サバス、アリス・クーパー、アイアン・バタフライ、ビーチ・ボーイズ他）、アニー・ライボビッツ（ジョン・レノン、ブルース・スプリングスティーン、パティ・スミス）、リチャード・アベドンデビッド・ラ・カッペル（ダウト・エルトン・ジョン）、アントン・コービン（U2、ザ・キラーズ、デペッシュ・モード）、カール・フェリス（ジミー・ヘンドリックス、ドノバン、ホーリーズ）、ロバート・メープルソープ（パティ・スミス、ピーター・ガブリエル） Francesco Scavullo（ダイアナロス、エドガーウィンター）、David Michael Kennedy他。
数多くのアーティストやバンドは、イラストレーター、デザイナー、フォトグラファーを務め、自分のレコーディングのために制作したアートワークで才能を発揮するメンバーを特集しています。例としては、ジミーページ（Led Zeppelin IV）、クリスマーズ（Replacements 'Meet Me to Me and others）、マリリンマンソン（Lest We Forget ...）、マイケルスティープ（REM's Accelerator）、トムヨーク（Tchockyグラミー・コクソン（13、ほとんどのソロアルバム）、Mike Shinoda（様々なRadiohead Records）、Michael Brecker（Ringorama）、Freddie Mercury（Queen I）、Lynsey De Paul（Surprise）、John Entwistleアルバム、）、Joni Mitchell（Miles of Aislesなど）、Crosby、Stills、Nash＆Young（So Far）、MIAキャロル・スティーブンス、ミカ（現在までにリリースされたすべてのアルバム）、音楽からのメッセージ（Elastica's The Menace、レコード）、Captain Beefheart、「Mona Bone Jakon」、「Tillermanのお茶」、「Teaser and Firecat」ビッグピンク（バンド用）、セルフポートレートと惑星波ボブディラン、壁と橋ジョンレノン。
アルバムカバーアートは、2013年のドキュメンタリー映画「The Cover Story：アルバムアート」（San Francisco Bay Areaレコードコレクター）のエリッククリステンセン氏によるものでした。
アルバムカバーの物理的なデザインは、創造的な革新の対象となっています。 OgdenのNut Gone Flake by the Small Facesはもともとは円形の金属スズで、Happy to Meet - HorslipsのPart by Sorry To Partは8角形のパッケージになっていました。とにかく家族は、もともとデザイン（Leonardoスケッチ）が見える不透明なプラスチックパッケージで発行されました。ビートルズの魔法のミステリーツアーは、最初にレコード間に小冊子を入れたダブルEPとしてリリースされました。サグ。ペッパーには段ボールの画像があり、ビートルズ（しばしばホワイトアルバムと呼ばれる）にはビートルズの4つの大きな光沢のある写真とポスターサイズのコラージュが含まれていました。リーズ・アット・ザ・ファウンズには、ポスターと印刷物を豊富に用意しています。 Led Zeppelin IIIには、外側のスリーブの小さな切り抜きを通して様々な画像を見ることができる回転するディスクを含むフロントカバーがありました。バンドの後のアルバム「Physical Graffiti」にも同様の効果があり、茶色の石造りの建物の窓が切り取られています。ローリング・ストーンズのSticky Fingersのオリジナルの問題は、実際のジッパーがジーンズのペアの股部分の絵に組み込まれていました。ヴェルヴェット・アンダーグラウンドとニコのアルバムには、表紙にウォーホルデザインのボール紙バナナがあり、それを剥がすことができました。レコード会社Vertigoは、ディスクがターンテーブル上で回転したときに催眠的な光学効果を生み出す、中央ラベル上に白黒デザインをしていました。
アルバムカバーは、アルバム全体のパッケージングのコンポーネントです。特に厚紙スリーブ付きのビニールレコードの場合、これらのパッケージは摩耗しやすくなりますが、プラスチックケースに入っているカバーでは摩耗や裂傷が多少起こることがあります。透明プラスチックラップのような、その外観と耐久性の両方を改善するために、様々な処理を適用することができる。多くの製品は、ビニールのアルバム（しばしば透明プラスチックスリーブ）の保管に利用されている。
ビニールレコードの表面は容易に損傷するので、外側の厚紙スリーブのほかに、通常、ほこりや取り扱いから保護するための内側保護カバーがあります。これは、通常、外カバー内で容易にスライドすることを可能にするような形状である。インナースリーブは、薄い白い紙（平らであるか、同じ会社から入手可能な他の記録に関する情報を印刷したもの）または薄いビニール袋を支持する紙のスリーブです。これらのレコードは、レコードを直接処理せずにレコードラベルを読み取ることができるように、円形の切り抜きをしていることがよくありますが、内側の袖にはかなり一般的な歌詞が印刷されています。 Decca Recordsは、青色がステレオ録音を示し、赤色がモノラル録音を示す（これらのモノラルレコードプレーヤーは、常にステレオレコードと互換性があるわけではない）、これらのスリーブで色分けされたシステムを使用しました。このシステムは、1960年代に梱包費を削減するために始まった。
コンパクトディスクのためのパッケージングフォーマットは、アルバムのカバーがもはやそれほど大きくないことを意味するCDのサイズを意味していたとしても、様々なプレゼンテーションを広げました。
特定のレコードを特定する実用性に加えて、アルバムカバーは、グラフィックデザイン、写真、イラストレーションの使用を通して、LP上の音楽コンテンツを宣伝する目的に役立ちます。アルバムカバーは通常ロゴの形で、アーティストの名前を持っています。アルバムタイトル。歴史的なビニールのレコードでより一般的ですが、カバーには参照番号が含まれることがあります。ブランディング（レーベル）、トラックリストなどがあります。他の情報はほとんどカバーには含まれておらず、通常、トラックリスト、レコード作成に関係するものの詳細なリスト、バンドメンバー、ゲストパフォーマー、エンジニア、プロデューサーなど、パッケージの背面または内部に含まれています。パッケージの背骨には、アーティスト、タイトル、および参照番号が通常繰り返されるので、棚にしっかりと詰め込まれたアルバムを識別することができます。
デジタル音楽ダウンロードサービスの普及率が高まり、ビジネスを行うためのコストが膨らんでいることから、アルバムカバーの目的と普及率は進化しています。音楽業界は、技術的および文化的な変化に追いつこうとしているが、その役割は確かに変化しているものの、近い将来、消費者向け音楽の販売において果たすパッケージング（したがって、「アルバムカバー」） 、そしてデジタル形式のパッケージングは、ある程度（そして、一部の消費者にとって）物理的なパッケージングの代わりをしている。 MP3とWMAの両方の音楽ファイルには、jpeg形式の埋め込みデジタルアルバムアートワーク（表紙画像または単にカバー）が含まれています。 2008年現在、物理的な「アルバムカバー」を備えた物理的な音楽プロダクトは、デジタルダウンロードを引き続き販売しています。
2008年8月、ニューオーダーとロキシーミュージックによるアルバムのカバーアートを担当しているアルバムカバーデザイナーのピーター・サヴィルは、アルバムカバーが死んでいたことを示唆しました。
あるいは、いくつかのアーティストは、より多くのカバーアートを生み出すためにインターネット技術を使用しています。例えば、Nine Inch Nailsは当初、そのアルバム「The Slip」を、バンドのウェブサイト上で無料でダウンロードしてリリースした。
1つのデジタルソリューションは、2009年9月9日にアップルが発表したインタラクティブなアルバムアートワーク向けのiTunes LPフォーマットです。
アルバムアートは、依然として多くの方々のリスニング体験の不可欠な部分と考えられていますが、デジタル画像の種類が少なくても、カバーアートと音楽を扱うコレクターはまだまだたくさんあります。
カバーアートそれは、図書や雑誌、新聞（タブロイド）、漫画本、ビデオゲーム（ボックスアート）、DVD、CDなどの出版された製品の外側にあるイラストや写真のアートワークです。 、ビデオテープ、または音楽アルバム（アルバムアート）。芸術は、主に商業的な機能、すなわち、それが表示される製品を宣伝する機能を有するが、美的機能を有することもでき、製品の作成者による芸術など、芸術的に製品に接続することもできる。建築家のような筆者とタイポグラファー（今日の表紙アーティスト）は、数え切れないほどの年月をかけて視覚空間を形成し続けています。特定のサイズは、手に快適なので一定のサイズが繰り返されているのと同じように、目と心を喜ばせるので、一定の割合は仕事で繰り返されます。ウェブでさえもメリットがあります。あまりにも長いタイポグラフィスタイルとそれに伴う細部への注意は、ウェブサイトデザイナーによって見落とされてきました....これまでに何年もの間、この技術に落とし込まれていたかもしれませんが、今やウェブが追いついています。カバーアートは、出版された作品の機能、形式、内容を販売するだけでなく、充実させます。
アルバムカバーアートは、音楽アルバム用に作成されたアートワークです。注目すべきアルバムカバーアートにはピンクフロイドのダークサイドオブザムーン、キングクリムゾンのクリムゾン王の裁判所、ビートルズのサージェントなどがあります。ペッパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド、アビー・ロード、そして彼らの「ホワイト・アルバム」などがあります。アルバムには、Joni MitchellのCloudsのようにミュージシャンが作成したカバーアートや、DylanのバックアップバンドのファーストアルバムであるThe BandのBig Pinkからの音楽のカバーのためのBob Dylanのアートワークなど、関連するミュージシャンが参加できます。アルバムカバーアートで知られるアーティストには、アルバムカバーアートの初期パイオニアであるAlex Steinweiss、Roger Dean、Hipgnosisスタジオなどがあります。一部のアルバムアートは、ヌード、違反している教会、商標などの理由で論争を招くことがあります。アルバムのカバーアート、特にロックとジャズのアルバムカバーを書いた数多くの書籍があります。 Steinweissはアートディレクターとグラフィックデザイナーであり、アルバムのカバーを録音するためにカスタムアートワークをもたらし、ロングプレーのレコード用の最初のパッケージを発明しました。
カバーは音楽の文化の重要な一部となった。ボブ・カトーのようなデザイナーの影響を受け、コロンビア・レコードとユナイテッド・アーティストのクリエイティブ・サービス担当バイスプレジデントを歴任した彼の長い音楽キャリアの様々な段階で、アルバムカバーはマーケティングツールと芸術的な表現で有名になりました意図。アルバムアートは、戦後の重要な文化的表現としても議論されてきた。
1960年代初頭、ビートルズのビートルズ、ボブ・ディランのタイムズ・ア・チャンイン、そしてローリング・ストーンズのセルフ・タイトルのデビュー・アルバムには、ミュージシャンのパブリック・イメージをさらに高めるためにデザインされたカバー・フォトが含まれていました。著者Peter Peter Doggettはまた、若い白人女性の写真を含むOtis Reddingのオーティス・ブルーの表紙を強調しています。「二重の役割を果たしました。彼女は音楽の超越力を表し、クリエイターのレースを不明瞭にしました」標準的な肖像画ベースのLPカバーは、1965年から66年にかけて、歌手の周りに象徴的な人工物を含めることによって、ディランのすべての背中を飾ることによってさらに挑戦された。ビートルズの人工的に伸ばされた顔は彼らのRubber Soulアルバムに掲載されています。そしてAftermathにRolling Stonesに適用された暗い色合い。
ゲートフォールドのカバー（折りたたみダブルカバー）とインサートは、しばしば歌詞シートで、アルバムカバーをそれ自体が望ましい作品にしました。注目すべき例はビートルズのサージェントです。ペッパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンドは、単なるアルバムであっても、カットイン・インサート、歌詞、ゲートフォールド・スリーブを持っていた。メインストリートのローリング・ストーンズ・エグザイル（Rolling Stones's Exile）には、ゲートフォールドと12枚の穴があいた一連のはがき（写真家、ノーマン・シフが撮影）がありました。ピンク・フロイドのダークサイド・オブ・ザ・ムーンは、ゲートフォールド、歌詞、袖のタイトルなし、ポスターとステッカー・インサートを持っていました。バンドの1970年のリリース、ステージ・フライト（Seefがポスターのインサートとして写真を含む）は、LPアートワークの早期の例であり、すぐにコレクターのアイテムになります。 CDフォーマットのより望ましいパッケージ、例えばSgtの再発行を試みる試みがなされているが、小さな（レコードの1/4未満のサイズの）CDフォーマットへの移行はその影響を失った。ペッパーは段ボール箱と小冊子を持っていました、または大きめの梱包を使用していました。
デザインの重要性は、いくつかのカバーアーティストが彼らの仕事を通して専門性を得たり名声を得たりするようなものでした。そのような人には、デザインチームHipgnosis、ピンクフロイドのアルバムの仕事などが含まれます。彼のイエスとグリーンスプレーのカバーで有名なロジャーディーン。 Cal Schenkel、Captain BeefheartのTrout Mask Replica、Frank ZappaのWe're Onlyのためのものです。
音楽業界の内外の多くの写真家やイラストレーターの才能は、思い出に残るLP / CDカバーを作り出すために使われてきました。写真家Mick Rockは、Queen's Queen II（クラシックミュージックビデオBohemian Rhapsodyのために再現）、Syd BarrettのMadcap Laughs、Lou Reedのトランスフォーマーなど、1970年代の最も象徴的なアルバムカバーを制作しました。 1972年から1975年まで、写真家Norman SeeffはUnited Artistsのクリエイティブディレクターを務め、多くの表紙写真（The Band、Kiss's Hitter、Joni Mitchell's Hejiraなど）に加え、Exile on Main Streetその多くはグラミー賞のノミネートを受けました。 Ed Repka（メガデス）、アンディ・ウォーホル（ベルベット・アンダーグラウンド、ローリング・ストーンズ）、Mati Klarwein（サンタナ、マイルス・デイヴィス）、HR Giger（世界的に有名なグラフィックデザイナー）エマーソン、レイク＆パーマー、デビーハリー）、フランクFrazetta（モリーハチェット）、デレクリッグス（アイアンメイデン）、ジェイミーリード（セックスピストルズ）、ハワードフィンスター（REM、トーキングヘッド）、アルヒルシュフェルド（エアロスミス）、ケンケリーロバート・クラム（ビッグ・ブラザー＆ホールディング・カンパニー）、ジョン・ヴァン・ハマーズベルト（ローリング・ストーンズ）、シェパード・フェアリー（ジョニー・キャッシュ）才能から思い出に残る音楽パッケージまで。
多数のレコードカバーでは、過去の芸術家からライセンスされた（またはパブリックドメインから借りた）画像も使用されています。よく知られている例としては、デレクとドミノス・レイラとその他のラッセル・ソング（フランスの画家、彫刻家エミール・テオドール・フランドセン・ド・シェムバーグによる絵画「ラ・フィール・オー・ブーケ」）、ジェニッシンによる「イカルスの崩壊」ルネサンスの最初のアルバムの表紙に。ディープパープルのカバーのボッシュ。艦隊FoxesのカバーのBreugel;画家ジョン・スチュアート・カリー、ノーマン・ロックウェルのカウボーイ（Pure Prairie League）、そして最近ではユーゲイラ・ドラクロワの絵Liberty Leading the People（The Liberty Leading the People）をフィーチャーしたColdplayのViva La Vidaの壁画に合わせたカンザスのデビューアルバムのカバールーヴル）に「VIVA LA VIDA」という言葉を白い塗料で塗りつぶした。
写真撮影やビデオ/映画のレコーディングでも、ドゥー・シュルツァン（ブラック・サバス、アリス・クーパー、アイアン・バタフライ、ビーチ・ボーイズ他）、アニー・ライボビッツ（ジョン・レノン、ブルース・スプリングスティーン、パティ・スミス）、リチャード・アベドンデビッド・ラ・カッペル（ダウト・エルトン・ジョン）、アントン・コービン（U2、ザ・キラーズ、デペッシュ・モード）、カール・フェリス（ジミー・ヘンドリックス、ドノバン、ホーリーズ）、ロバート・メープルソープ（パティ・スミス、ピーター・ガブリエル） Francesco Scavullo（ダイアナロス、エドガーウィンター）、David Michael Kennedy他。
数多くのアーティストやバンドは、イラストレーター、デザイナー、フォトグラファーを務め、自分のレコーディングのために制作したアートワークで才能を発揮するメンバーを特集しています。例としては、ジミーページ（Led Zeppelin IV）、クリスマーズ（Replacements 'Meet Me to Me and others）、マリリンマンソン（Lest We Forget ...）、マイケルスティープ（REM's Accelerator）、トムヨーク（Tchockyグラミー・コクソン（13、ほとんどのソロアルバム）、Mike Shinoda（様々なRadiohead Records）、Michael Brecker（Ringorama）、Freddie Mercury（Queen I）、Lynsey De Paul（Surprise）、John Entwistleアルバム、）、Joni Mitchell（Miles of Aislesなど）、Crosby、Stills、Nash＆Young（So Far）、MIAキャロル・スティーブンス、ミカ（現在までにリリースされたすべてのアルバム）、音楽からのメッセージ（Elastica's The Menace、レコード）、Captain Beefheart、「Mona Bone Jakon」、「Tillermanのお茶」、「Teaser and Firecat」ビッグピンク（バンド用）、セルフポートレートと惑星波ボブディラン、壁と橋ジョンレノン。
アルバムカバーアートは、2013年のドキュメンタリー映画「The Cover Story：アルバムアート」（San Francisco Bay Areaレコードコレクター）のエリッククリステンセン氏によるものでした。
アルバムカバーの物理的なデザインは、創造的な革新の対象となっています。 OgdenのNut Gone Flake by the Small Facesはもともとは円形の金属スズで、Happy to Meet - HorslipsのPart by Sorry To Partは8角形のパッケージになっていました。とにかく家族は、もともとデザイン（Leonardoスケッチ）が見える不透明なプラスチックパッケージで発行されました。ビートルズの魔法のミステリーツアーは、最初にレコード間に小冊子を入れたダブルEPとしてリリースされました。サグ。ペッパーには段ボールの画像があり、ビートルズ（しばしばホワイトアルバムと呼ばれる）にはビートルズの4つの大きな光沢のある写真とポスターサイズのコラージュが含まれていました。リーズ・アット・ザ・ファウンズには、ポスターと印刷物を豊富に用意しています。 Led Zeppelin IIIには、外側のスリーブの小さな切り抜きを通して様々な画像を見ることができる回転するディスクを含むフロントカバーがありました。バンドの後のアルバム「Physical Graffiti」にも同様の効果があり、茶色の石造りの建物の窓が切り取られています。ローリング・ストーンズのSticky Fingersのオリジナルの問題は、実際のジッパーがジーンズのペアの股部分の絵に組み込まれていました。ヴェルヴェット・アンダーグラウンドとニコのアルバムには、表紙にウォーホルデザインのボール紙バナナがあり、それを剥がすことができました。レコード会社Vertigoは、ディスクがターンテーブル上で回転したときに催眠的な光学効果を生み出す、中央ラベル上に白黒デザインをしていました。
アルバムカバーは、アルバム全体のパッケージングのコンポーネントです。特に厚紙スリーブ付きのビニールレコードの場合、これらのパッケージは摩耗しやすくなりますが、プラスチックケースに入っているカバーでは摩耗や裂傷が多少起こることがあります。透明プラスチックラップのような、その外観と耐久性の両方を改善するために、様々な処理を適用することができる。多くの製品は、ビニールのアルバム（しばしば透明プラスチックスリーブ）の保管に利用されている。
ビニールレコードの表面は容易に損傷するので、外側の厚紙スリーブのほかに、通常、ほこりや取り扱いから保護するための内側保護カバーがあります。これは、通常、外カバー内で容易にスライドすることを可能にするような形状である。インナースリーブは、薄い白い紙（平らであるか、同じ会社から入手可能な他の記録に関する情報を印刷したもの）または薄いビニール袋を支持する紙のスリーブです。これらのレコードは、レコードを直接処理せずにレコードラベルを読み取ることができるように、円形の切り抜きをしていることがよくありますが、内側の袖にはかなり一般的な歌詞が印刷されています。 Decca Recordsは、青色がステレオ録音を示し、赤色がモノラル録音を示す（これらのモノラルレコードプレーヤーは、常にステレオレコードと互換性があるわけではない）、これらのスリーブで色分けされたシステムを使用しました。このシステムは、1960年代に梱包費を削減するために始まった。
コンパクトディスクのためのパッケージングフォーマットは、アルバムのカバーがもはやそれほど大きくないことを意味するCDのサイズを意味していたとしても、様々なプレゼンテーションを広げました。
特定のレコードを特定する実用性に加えて、アルバムカバーは、グラフィックデザイン、写真、イラストレーションの使用を通して、LP上の音楽コンテンツを宣伝する目的に役立ちます。アルバムカバーは通常ロゴの形で、アーティストの名前を持っています。アルバムタイトル。歴史的なビニールのレコードでより一般的ですが、カバーには参照番号が含まれることがあります。ブランディング（レーベル）、トラックリストなどがあります。他の情報はほとんどカバーには含まれておらず、通常、トラックリスト、レコード作成に関係するものの詳細なリスト、バンドメンバー、ゲストパフォーマー、エンジニア、プロデューサーなど、パッケージの背面または内部に含まれています。パッケージの背骨には、アーティスト、タイトル、および参照番号が通常繰り返されるので、棚にしっかりと詰め込まれたアルバムを識別することができます。
デジタル音楽ダウンロードサービスの普及率が高まり、ビジネスを行うためのコストが膨らんでいることから、アルバムカバーの目的と普及率は進化しています。音楽業界は、技術的および文化的な変化に追いつこうとしているが、その役割は確かに変化しているものの、近い将来、消費者向け音楽の販売において果たすパッケージング（したがって、「アルバムカバー」） 、そしてデジタル形式のパッケージングは、ある程度（そして、一部の消費者にとって）物理的なパッケージングの代わりをしている。 MP3とWMAの両方の音楽ファイルには、jpeg形式の埋め込みデジタルアルバムアートワーク（表紙画像または単にカバー）が含まれています。 2008年現在、物理的な「アルバムカバー」を備えた物理的な音楽プロダクトは、デジタルダウンロードを引き続き販売しています。
2008年8月、ニューオーダーとロキシーミュージックによるアルバムのカバーアートを担当しているアルバムカバーデザイナーのピーター・サヴィルは、アルバムカバーが死んでいたことを示唆しました。
あるいは、いくつかのアーティストは、より多くのカバーアートを生み出すためにインターネット技術を使用しています。例えば、Nine Inch Nailsは当初、そのアルバム「The Slip」を、バンドのウェブサイト上で無料でダウンロードしてリリースした。
1つのデジタルソリューションは、2009年9月9日にアップルが発表したインタラクティブなアルバムアートワーク向けのiTunes LPフォーマットです。
アルバムアートは、依然として多くの方々のリスニング体験の不可欠な部分と考えられていますが、デジタル画像の種類が少なくても、カバーアートと音楽を扱うコレクターはまだまだたくさんあります。
追加されたアート
追加されたアートまたはコンバインズアートは、従来のグラフィティがキャンバスの建物の壁を使用するのと同様に、2番目の作成のためのキャンバスとして既存のアートワークを使用します。本質的にアートワークの落書きです。追加されたアートとは、高いアート環境において、グラフィティの概念を用いて、ハイ・アンド・ロー・アートの融合です。他の人の作品に加えたことは、何十年にもわたる落書きの中で非常に一般的な出来事でした。都市環境では、典型的には攻撃的または敵対的であると考えられるが、競争の形態もある。しかし、それは50年以上の間、Rauschenbergのような勇士たちがErased de Kooning Drawingで練習してきたにもかかわらず、より確立されたハイテクではまだタブーと考えられています。
Rauschenbergは1950年代の彼の "Combines"でよく知られており、非伝統的な素材やオブジェクトが革新的な組み合わせで使われていました。 Rauschenbergは画家と彫刻家の両方であり、Combinesは両方の組み合わせである。
Rauschenbergのアプローチは時には「Neo Dadaist」と呼ばれ、美術品と日常品との区別に疑問を呈し、彼が数字や旗などの絵画であることを疑問視すると、Duchampのメッセージを再現していたオブザーバーがアートの意味を作り出す役割について
Rauschenbergはゴミを拾い、ニューヨーク市の街に興味のある物を見つけて、スタジオに戻して仕事に取り入れることができました。彼は「私が自分自身で作ることができるもの以外のものを求めていたので、私は驚きと集団性と驚きを見つけることの寛大さを使いたいと思っていた」と主張した。オブジェクトそのものはその文脈によって変化したので、それは新しいものになった」
アートと人生のギャップに関するRauschenbergのコメントは、アーティストとしての彼の貢献を理解するための出発点を提供する声明と見ることができる。特に、コンビネーションと呼ばれる彼の一連の作品は、芸術と彫刻との境界線が細分化され、両者が単一の芸術作品に存在するような場面として役立った。技術的に "コンバインズ"とは、1954年から1962年までのラウシェンバーグの作品を指しますが、彼の作品に新聞や写真素材をコラージュしたり、衣類や都市の破片、モノグラムは彼の芸術的な生活を通して続けられた。
コンビネーションの創造につながった彼の過渡期の作品は、シャーリーヌ（1954）とコレクション（1954）であり、コラージュ技術を組み合わせて、スカーフ、コミック・ストリップ、偽造建築物のコニシースなどのオブジェクトを取り入れ始めました。 Combinesの最初の1つと考えられたBed（1955）は、キルトを横切って赤い塗料を滴下して作られました。後でキルトは引き伸ばされ、芸術作品として展示されました。デイリー・テレグラフによると、一部の批評家は、この作品を暴力と強姦の象徴と考えている。
批評家はもともと、芸術、形、色、テクスチャ、およびこれらの構成と配置の正式な側面に関してCombinesを見ました。最近の批評家や美術史家は、コンビネーションがオブジェクトの提示に明白な順序がないため、解読が困難なコード化されたメッセージを運んでいると見なすように、この1960年代の見解は時間の経過とともに変化しました。キャニオン（1959年）は、1940年の禿頭とゴールデンイーグル保護法のために政府の怒りを引いたぬいぐるみの詰め物を特徴としていますが、モノグラム（1955-1959）の鼻にペイントを塗った詰め物アンゴラヤギは議論の余地がありませんでした。
Rauschenbergは、芸術の意味を創造するクリエイターの役割を擁護することによって、反対方向と見なすことのできる一歩を踏み出しました。 Rauschenbergの絵は、見つかったものだけでなく、シルクスクリーンのプロセスによってキャンバスに写された写真も見つけ出しました。以前は商用アプリケーションでのみ使用されていたシルクスクリーンでは、画像の多重再現性に対応することができました。この点で、彼の作品はアンディ・ウォーホルのものと同時期にあり、ラウシェンバーグとジョンの両方がアメリカのポップ・アートの重要な先駆者として頻繁に引用されている。
1980年代初め、落書きアーティストを一般に公開する最初のアートギャラリーは、マンハッタンのイーストビレッジにあるブロンズアンドナウギャラリーのファッションモーダでした。 "落書きは私の意見では革命的です"と彼は言います。抑圧されたり抑圧されている人はコンセントが必要なので、壁に書きます。それは無料です。
より最近の例では、BanksyはDamien Hirstの「スポット」絵に加えていくつかのアート作品を加え、Mat BenoteはニューヨークのMoMAでロバート・モリスによる無題の作品をキャンバスとして使用しました。 非常に興味深い例がチャップマン・ブラザーズによって行われました。チャップマン・ブラザーズは元々アドルフ・ヒットラーによって作成されたスケッチを描いていました。
Rauschenbergは1950年代の彼の "Combines"でよく知られており、非伝統的な素材やオブジェクトが革新的な組み合わせで使われていました。 Rauschenbergは画家と彫刻家の両方であり、Combinesは両方の組み合わせである。
Rauschenbergのアプローチは時には「Neo Dadaist」と呼ばれ、美術品と日常品との区別に疑問を呈し、彼が数字や旗などの絵画であることを疑問視すると、Duchampのメッセージを再現していたオブザーバーがアートの意味を作り出す役割について
Rauschenbergはゴミを拾い、ニューヨーク市の街に興味のある物を見つけて、スタジオに戻して仕事に取り入れることができました。彼は「私が自分自身で作ることができるもの以外のものを求めていたので、私は驚きと集団性と驚きを見つけることの寛大さを使いたいと思っていた」と主張した。オブジェクトそのものはその文脈によって変化したので、それは新しいものになった」
アートと人生のギャップに関するRauschenbergのコメントは、アーティストとしての彼の貢献を理解するための出発点を提供する声明と見ることができる。特に、コンビネーションと呼ばれる彼の一連の作品は、芸術と彫刻との境界線が細分化され、両者が単一の芸術作品に存在するような場面として役立った。技術的に "コンバインズ"とは、1954年から1962年までのラウシェンバーグの作品を指しますが、彼の作品に新聞や写真素材をコラージュしたり、衣類や都市の破片、モノグラムは彼の芸術的な生活を通して続けられた。
コンビネーションの創造につながった彼の過渡期の作品は、シャーリーヌ（1954）とコレクション（1954）であり、コラージュ技術を組み合わせて、スカーフ、コミック・ストリップ、偽造建築物のコニシースなどのオブジェクトを取り入れ始めました。 Combinesの最初の1つと考えられたBed（1955）は、キルトを横切って赤い塗料を滴下して作られました。後でキルトは引き伸ばされ、芸術作品として展示されました。デイリー・テレグラフによると、一部の批評家は、この作品を暴力と強姦の象徴と考えている。
批評家はもともと、芸術、形、色、テクスチャ、およびこれらの構成と配置の正式な側面に関してCombinesを見ました。最近の批評家や美術史家は、コンビネーションがオブジェクトの提示に明白な順序がないため、解読が困難なコード化されたメッセージを運んでいると見なすように、この1960年代の見解は時間の経過とともに変化しました。キャニオン（1959年）は、1940年の禿頭とゴールデンイーグル保護法のために政府の怒りを引いたぬいぐるみの詰め物を特徴としていますが、モノグラム（1955-1959）の鼻にペイントを塗った詰め物アンゴラヤギは議論の余地がありませんでした。
Rauschenbergは、芸術の意味を創造するクリエイターの役割を擁護することによって、反対方向と見なすことのできる一歩を踏み出しました。 Rauschenbergの絵は、見つかったものだけでなく、シルクスクリーンのプロセスによってキャンバスに写された写真も見つけ出しました。以前は商用アプリケーションでのみ使用されていたシルクスクリーンでは、画像の多重再現性に対応することができました。この点で、彼の作品はアンディ・ウォーホルのものと同時期にあり、ラウシェンバーグとジョンの両方がアメリカのポップ・アートの重要な先駆者として頻繁に引用されている。
1980年代初め、落書きアーティストを一般に公開する最初のアートギャラリーは、マンハッタンのイーストビレッジにあるブロンズアンドナウギャラリーのファッションモーダでした。 "落書きは私の意見では革命的です"と彼は言います。抑圧されたり抑圧されている人はコンセントが必要なので、壁に書きます。それは無料です。
より最近の例では、BanksyはDamien Hirstの「スポット」絵に加えていくつかのアート作品を加え、Mat BenoteはニューヨークのMoMAでロバート・モリスによる無題の作品をキャンバスとして使用しました。 非常に興味深い例がチャップマン・ブラザーズによって行われました。チャップマン・ブラザーズは元々アドルフ・ヒットラーによって作成されたスケッチを描いていました。
実際の芸術
実際の芸術（Actual Art）は、「芸術家が自然の力を自ら意識して芸術の完成に向けて参加する」というジャンルの芸術のジャンルである。自然とのコラボレーションは必然的に時間の次元を作品の不可欠な要素としており、完成には数千年を要するものもあります。芸術家は、作品の未来を現在と同じくらい重要であると考え、自然に対する作品のコントロールを放棄する。
アートとその最も深刻な顕著な現れである美術についての表現力豊かな線の中の現実の芸術のアンビバレンス。すべての実際の芸術のために話すか、敵対的な芸術のためだけに話すかを決定するための純粋な行の必要性。
実際のアートは、ヘレン・アロンの作品のレビューでサンフランシスコ・クロニクルの批評家アルフレッド・フランケンシュタインによって最初に指名された芸術のジャンルです。この名前は、アートが「リアル」だったために選ばれましたが、現実主義という用語はすでに使用されていました。
実際の芸術では、未来の世代が目にするのは、時間、空間、形、色だけでなく、仕事の要素をプログラムに組み込むことです。アーティストは、アート制作のツールとして時間を導入しています。実際の芸術はエネルギーについてです。具体的には、材料のエネルギーと寿命についてです。 「崩壊」「劣化」「破壊」などの言葉は「変更」に置き換えられます。 Tery Fugate-Wilcoxは、「仕事は永遠に変わると理解している限り、永遠に続く」と言われています。実際のアートは、自然と戦う代わりに自然と働く方法について考えるよう動かします。材料の自然な変化傾向（惑星を損なう）を絶えず阻止しようとする絶え間の試みの代わりに、人間は私たちが扱っている材料の固有の性質を調べ、悪用しているかもしれません。実際のアーティストは、素材世界の自然秩序の先見性を持っています。
歴史：
1982年、実際のアート財団はニューヨークのトライベッカ地区で、実際のアートジャンルのアーティストを奨励するために設立され、1985年には501-C3の非営利団体の非課税のステータスが実際の展覧会に費やされました実際のアーティストが提案したアートやプロジェクト。実際のアート財団が主催した最初の展覧会は、
1983年にニューヨークシティギャラリーで「それは時間だ」
1984年にニュージャージー州プリンストンのSquibb Internationalで "Time Will Tell"
Wadsworth Athenium、Hartfortd、CTの "Slow Kinetic Art"
ドイツのバイエルン州、レーゲンスブルクのシュロス・セント・エメメラム（Schloss St. Emmeram）にあるThurn and Taxisの第11王子、グロリア（Johannes）と共同で「Time Waits ...」を開催しました。
ニューヨークタイムズ、バーゲン郡記録、プリンストンパケット、トレント誌に掲載されている記事では、「Time Will Tell」展示が記録されています。
アーティスト：
亜麻仁油の性質を利用してパターンに染み込むか、または「肌」を形成するヘリーン・アロンは、アルフレッド・フランケンシュタインによるジャンルの命名を促した。 「現実主義」はすでに「リアリズム」が取られているからだ」
長い生きた植物を吊るしたミシェル・ブロディは、水のチューブを吊るした。
スイスのマリア・セッピはキャンバスと香りのついた石鹸絵の模様で草を育てました。
Gregg Degn、火薬、鉛、爆発物およびヒューズを使用して複雑で進化する絵画と彫刻を作成する。
バミューダのダン・デンプスターは、海の下で図面を撮って、塩水が彼の作品を鋼鉄に腐食させ、アメリカのメンサでレビューされた
ロバート・デュグラニエは手で吹き飛ばされたガラス片が彫刻の中に成長して一つになる時、木の永久的な部分です。
Robert DuGrenier、木の手吹きガラス彫刻による無題
手に入れたガラスの「海」殻、生きているイヌイガニが家に入り込んでいく。蜂蜜の製作にプログラムされているような蝋と蜂蜜の彫刻を忙しく作っているイタリアのミツバチの数千人が家にいるガラスの蜂蜜が展示されています。
ジェームス・ホートンは写真の材料を絵画の媒体として使っていました。
イスラエルのネイサン・スレート・ジョセフ（Nathan Slate Joseph）は長年に渡って風化した褐色の褐色の鋼板を巨大な壁に作っています。ジョセフは、イスラエルのエラートにあるキング・ダビデ・ダン・ホテルの屋内・屋外の大規模なインスタレーションを含め、すべての芸術作品を制作するよう依頼されました。
日本の小林豊は、手作りの紙やコンクリートや石の彫刻に錆をつけています。
コンクリートに生きた植物を持つElaine Lorenze;
デビッド・マイヤーズ（David Myers）は、囲まれた傾斜テーブルにリードショットをして、無限のパターンを作りました。
トニー・レイスンの "巻き取り"、リネンの魔法の錆、44 "x 44"
リチャード・サッチャー、ウランを封じ込め、鉛に変身、絶妙な金属箱で。
メリルワーグナーは、鋼鉄を使って、模様、スレート＆岩石を腐食させ、顔料で風化させた。
Tery Fugate-Wilcoxは、キャンバス上に常に変化する絵を描くために水溶性の塗料と雨を使用します。
「現実主義のアバター」と呼ばれる彼は水溶性塗料の絵を描くために雨を使う。ショットガン、爆発物＆稲妻; "ダスト図面"のダスト。何千年もの間に酸化したり拡散したりする金属は、いかなる物質の現実性も含んでいます。彼の作品は、ニューヨークのグッゲンハイム＆近代美術館、コネチカット州ハートフォードのワズワース・アテニウム、オーストラリアのナショナル・ギャラリー、ニューヨークシティがJで購入した、36フィート（11m）の彫刻のコレクションですフッドライトパーク
Actual Art Foundationの本部は、Actual Artを特集した1990年のLaw＆Orderのエピソードでも使用されました。実際のアート財団は、9/11の攻撃でトライベッカ本部を失い、コネチカット州のキャンドルウッド・レイクでアートセンターを創設しました
アートとその最も深刻な顕著な現れである美術についての表現力豊かな線の中の現実の芸術のアンビバレンス。すべての実際の芸術のために話すか、敵対的な芸術のためだけに話すかを決定するための純粋な行の必要性。
実際のアートは、ヘレン・アロンの作品のレビューでサンフランシスコ・クロニクルの批評家アルフレッド・フランケンシュタインによって最初に指名された芸術のジャンルです。この名前は、アートが「リアル」だったために選ばれましたが、現実主義という用語はすでに使用されていました。
実際の芸術では、未来の世代が目にするのは、時間、空間、形、色だけでなく、仕事の要素をプログラムに組み込むことです。アーティストは、アート制作のツールとして時間を導入しています。実際の芸術はエネルギーについてです。具体的には、材料のエネルギーと寿命についてです。 「崩壊」「劣化」「破壊」などの言葉は「変更」に置き換えられます。 Tery Fugate-Wilcoxは、「仕事は永遠に変わると理解している限り、永遠に続く」と言われています。実際のアートは、自然と戦う代わりに自然と働く方法について考えるよう動かします。材料の自然な変化傾向（惑星を損なう）を絶えず阻止しようとする絶え間の試みの代わりに、人間は私たちが扱っている材料の固有の性質を調べ、悪用しているかもしれません。実際のアーティストは、素材世界の自然秩序の先見性を持っています。
歴史：
1982年、実際のアート財団はニューヨークのトライベッカ地区で、実際のアートジャンルのアーティストを奨励するために設立され、1985年には501-C3の非営利団体の非課税のステータスが実際の展覧会に費やされました実際のアーティストが提案したアートやプロジェクト。実際のアート財団が主催した最初の展覧会は、
1983年にニューヨークシティギャラリーで「それは時間だ」
1984年にニュージャージー州プリンストンのSquibb Internationalで "Time Will Tell"
Wadsworth Athenium、Hartfortd、CTの "Slow Kinetic Art"
ドイツのバイエルン州、レーゲンスブルクのシュロス・セント・エメメラム（Schloss St. Emmeram）にあるThurn and Taxisの第11王子、グロリア（Johannes）と共同で「Time Waits ...」を開催しました。
ニューヨークタイムズ、バーゲン郡記録、プリンストンパケット、トレント誌に掲載されている記事では、「Time Will Tell」展示が記録されています。
アーティスト：
亜麻仁油の性質を利用してパターンに染み込むか、または「肌」を形成するヘリーン・アロンは、アルフレッド・フランケンシュタインによるジャンルの命名を促した。 「現実主義」はすでに「リアリズム」が取られているからだ」
長い生きた植物を吊るしたミシェル・ブロディは、水のチューブを吊るした。
スイスのマリア・セッピはキャンバスと香りのついた石鹸絵の模様で草を育てました。
Gregg Degn、火薬、鉛、爆発物およびヒューズを使用して複雑で進化する絵画と彫刻を作成する。
バミューダのダン・デンプスターは、海の下で図面を撮って、塩水が彼の作品を鋼鉄に腐食させ、アメリカのメンサでレビューされた
ロバート・デュグラニエは手で吹き飛ばされたガラス片が彫刻の中に成長して一つになる時、木の永久的な部分です。
Robert DuGrenier、木の手吹きガラス彫刻による無題
手に入れたガラスの「海」殻、生きているイヌイガニが家に入り込んでいく。蜂蜜の製作にプログラムされているような蝋と蜂蜜の彫刻を忙しく作っているイタリアのミツバチの数千人が家にいるガラスの蜂蜜が展示されています。
ジェームス・ホートンは写真の材料を絵画の媒体として使っていました。
イスラエルのネイサン・スレート・ジョセフ（Nathan Slate Joseph）は長年に渡って風化した褐色の褐色の鋼板を巨大な壁に作っています。ジョセフは、イスラエルのエラートにあるキング・ダビデ・ダン・ホテルの屋内・屋外の大規模なインスタレーションを含め、すべての芸術作品を制作するよう依頼されました。
日本の小林豊は、手作りの紙やコンクリートや石の彫刻に錆をつけています。
コンクリートに生きた植物を持つElaine Lorenze;
デビッド・マイヤーズ（David Myers）は、囲まれた傾斜テーブルにリードショットをして、無限のパターンを作りました。
トニー・レイスンの "巻き取り"、リネンの魔法の錆、44 "x 44"
リチャード・サッチャー、ウランを封じ込め、鉛に変身、絶妙な金属箱で。
メリルワーグナーは、鋼鉄を使って、模様、スレート＆岩石を腐食させ、顔料で風化させた。
Tery Fugate-Wilcoxは、キャンバス上に常に変化する絵を描くために水溶性の塗料と雨を使用します。
「現実主義のアバター」と呼ばれる彼は水溶性塗料の絵を描くために雨を使う。ショットガン、爆発物＆稲妻; "ダスト図面"のダスト。何千年もの間に酸化したり拡散したりする金属は、いかなる物質の現実性も含んでいます。彼の作品は、ニューヨークのグッゲンハイム＆近代美術館、コネチカット州ハートフォードのワズワース・アテニウム、オーストラリアのナショナル・ギャラリー、ニューヨークシティがJで購入した、36フィート（11m）の彫刻のコレクションですフッドライトパーク
Actual Art Foundationの本部は、Actual Artを特集した1990年のLaw＆Orderのエピソードでも使用されました。実際のアート財団は、9/11の攻撃でトライベッカ本部を失い、コネチカット州のキャンドルウッド・レイクでアートセンターを創設しました
分析的芸術
分析的芸術か普遍的な開花（Mirovoi rastsvet）キュービズムの原則から出発して、フィロノフは合理主義によって制限された彼の方法を、芸術的形態の「有機的成長」の原則と絵画の原則「私生から一般まで」のうち、発芽した穀物のような場所から発達するもの。分析的アートは、超現実的なキュービズム未来主義のジャンルです。
フィロノフの哲学はもともと、1915年に書面で公式化されました。フィロノフがペトログラード芸術アカデミーの教授であった1923年にユニバーサル開花宣言として改訂され出版されました。フィロノフの主な理論的研究分析芸術のイデオロギー（Ideologia analiticheskogo iskusstva）は1930年に出版されました。
すでに1912年にFilonovは、いわゆる「Canon and Law」（Канонизакон）のいわゆる分析芸術の原則に関する最初のエッセイを宣言しました。
「私たちは自分自身を守り、攻撃しないでください。私たちは道を行くのですが、クーバ未来主義との関係を示すならば、私たちは答えます：あなたは私たちの理論と前任者の間のつながりを見つけたいですが、クブブ未来派とPic [asso]だが、彼らのすべての力学の冷酷で執拗な否定について。
このように、分析的芸術は意識的に、当時の有望な未来主義（Filippo Tommaso Marinettiによって設立された）とキュービズム（Pablo Picassoによって開始された）とロシアにおけるCubofuturismへの融合に反対していた。分析的芸術は、当初は自然と自然の方向性が強かった。例えば、写真「フィッシャーシャンナー」（1913年、106x100cm、キャンバス紙の油）は、フィロノフが新しい原則に真の永遠の変態を示している
「あらゆる形の芸術における純粋な形は、その中で起こる進化とのオープンなつながり、すなわち、何か新しいものへの変化、そしてこのプロセスの機能と発展とともに描かれている」。
1914年の初めから、フィロノフは、分析的な芸術の原則に従う芸術家協会の創設の基礎を築いた。彼の最初の仲間はDavid N. Kakabadze、Anna M. Kirillov、Elsa A. Lasson-Spirova、Yevgeny K. Pskovitinovでした。 1914年3月、サンクトペテルブルクのこの協会は、最初に印刷された分析技術の宣言として、マニフェスト「画家とドラフツのイメージワーク>メイドイメージ」を出版しました。タイトルページにはFilonovの "The Feast of the Kings"（元175x215cm、キャンバスオイル）を再現しました。
「私たちの目標は、絵画や絵画について最も価値のあることは、彼自身と彼の不滅の魂が表明されていることに対する人間の強力な仕事であることを知って、忍耐強い仕事の美しさで作られた絵や絵を作り出すことです。 "
"私は世界開花の芸術家であり、したがってプロレタリアンです。私は自分の原則を自然主義的と呼んでいます。それは、対象を完全に徹底的に予測し、直感的にすべての述語を無意識と無意識に直面させ、知覚に適した創造的な解決策の中のオブジェクトオブジェクトとその球のすべての述語を活性化する：脈動とその球体、生物力学と知性、出現、含意、回復、色彩と形態のプロセス - 球体は単なる宇宙ではなく、物体が一定の発散と相互侵入にある生物力学的球体である。物体と球体の存在は、永遠になり、色の変化、フォームとプロセス（絶対的な分析ビジョン）このメソッドの公式は次のとおりです：絶対解析、オブジェクトとその球の先見をバイオモニズムと知覚 - 適切な解決策。それゆえ、現実主義（生の形態と未加工の色）の2つの述語は、形式と色が圧縮されて正確に処理され、シフト、純粋な能動的形式などが使用されています。
それは、それが作り出す形よりも自然が支配する方法を開くことのより多くの問題です。それは、一種の科学的なやり方で、騒々しい人生の宇宙を追跡し、それを核とするものを追跡するために、世界の地下のプロセスについてです。
「私は知っているから分析し、見て、直観的に、どの物体も2つの述語、形や色だけでなく、目に見える現象や目に見えない現象、その出現、反応、含意、起源、 「2つの述語」とその右と左のすべての宗派の非現実的な現実主義の教義を、非科学的かつ死んだものとして拒絶しています。その代わりに、科学的、分析的、直観的な自然主義、すべての述語世界の現象、目に見えない目に見えない現象やプロセス、研究者の忍耐力、「生物学的画像」の原則など、さまざまなものがあります。
パベルフィロノフは、小さな筆で絵を描くような大きめの絵画でさえも示唆していました。 B.「春の調合」（250x285cm、キャンバスに油）彼は弟子たちに教えました：
「すべての原子を手作業で正確に捉えます。各原子に働く色を注意深く正確に導入して、体内の熱を掘り起こすことができます。
この処方は誇張されているかもしれませんが、フィロノフはそれを真剣に受け止め、深み、繊細さ、複雑さ、カオス性、そして無限の信じられないほどの効果を達成しました。それは振動し、脈動し、失われ、それ自体を発見し、一緒に壊れて成長する。非表象的で客観的なものは常に融合しており、単一の世界の2つの側面になっています。比喩的なものは、非比喩的な有機構造の構成である継続である。そしてそれはまた、大草原の抽象化にもつながる。
1925年の夏、フィローノフはロシア美術学校の部屋の一つで、彼の新しい学生と一緒に働くことができました。彼らは1927年ごろに約40人のメンバーによって公式に芸術家の社会として認められた芸術的なグループ、「分析的芸術家の集団」（MAIМастеаналитическогоискусства）を形成した。これは分析美術のワークショップМастерскаяаналитическогоискусства）。
これらの芸術家たちは、「一連の変容的なプロセス」でそれを提示するために、目を見るだけでなく、知ることで物事をより多く見ます。このような分析技術は、植物有機的で神秘的な宇宙とその創設者を、ポール・クレーのロシアのカウンターパートに捧げるよう努めている。
1929年4月の自伝では、フィロノフは、部分的または条件的にのみ、スプレマティズムからドイツの表現主義への絵画とグラフィックにおける流れに影響を与えることができました。 1930年、フィロノフの理論的研究「分析的芸術のイデオロギー」が出版された。
"ここでは、マスターとしての私の手段とその定義の簡単なリストがあります：圧縮された、鋭く表現された形と色変位を含む形、変位のバイオダイナミクス純粋なアクティブな形、対象とその述語、選択肢、 （色と音についても同じ定義）公式：これらのすべてのものにおける純粋で活発な形式、抽象的で芸術的な選択の複合体または選択肢有機的美学、審美的不協和音同じことが、 （私はこのアプローチを拒否しています）私は規則を設定していませんし、学校を始めることもありません。現代芸術の批判を拒絶する "、"現代美術をロシアに移転する "、"現代美術を批判する "、"純粋なac 「世界の花」は、1914年/ 1915年にPetrogradで最初に出版されました。 "
MAIグループのアーティストたちは、ソ連の文化政策によって1932年に単純に解散されました。およそ70名の学生のうちのいくつかは、彼の後継者がそのように強く表現された原則を引き続き実行している間に、彼のワークショップを続けています（創設者が飢えているレニングラードの飢えになるまで）。
フィロノフの哲学はもともと、1915年に書面で公式化されました。フィロノフがペトログラード芸術アカデミーの教授であった1923年にユニバーサル開花宣言として改訂され出版されました。フィロノフの主な理論的研究分析芸術のイデオロギー（Ideologia analiticheskogo iskusstva）は1930年に出版されました。
すでに1912年にFilonovは、いわゆる「Canon and Law」（Канонизакон）のいわゆる分析芸術の原則に関する最初のエッセイを宣言しました。
「私たちは自分自身を守り、攻撃しないでください。私たちは道を行くのですが、クーバ未来主義との関係を示すならば、私たちは答えます：あなたは私たちの理論と前任者の間のつながりを見つけたいですが、クブブ未来派とPic [asso]だが、彼らのすべての力学の冷酷で執拗な否定について。
このように、分析的芸術は意識的に、当時の有望な未来主義（Filippo Tommaso Marinettiによって設立された）とキュービズム（Pablo Picassoによって開始された）とロシアにおけるCubofuturismへの融合に反対していた。分析的芸術は、当初は自然と自然の方向性が強かった。例えば、写真「フィッシャーシャンナー」（1913年、106x100cm、キャンバス紙の油）は、フィロノフが新しい原則に真の永遠の変態を示している
「あらゆる形の芸術における純粋な形は、その中で起こる進化とのオープンなつながり、すなわち、何か新しいものへの変化、そしてこのプロセスの機能と発展とともに描かれている」。
1914年の初めから、フィロノフは、分析的な芸術の原則に従う芸術家協会の創設の基礎を築いた。彼の最初の仲間はDavid N. Kakabadze、Anna M. Kirillov、Elsa A. Lasson-Spirova、Yevgeny K. Pskovitinovでした。 1914年3月、サンクトペテルブルクのこの協会は、最初に印刷された分析技術の宣言として、マニフェスト「画家とドラフツのイメージワーク>メイドイメージ」を出版しました。タイトルページにはFilonovの "The Feast of the Kings"（元175x215cm、キャンバスオイル）を再現しました。
「私たちの目標は、絵画や絵画について最も価値のあることは、彼自身と彼の不滅の魂が表明されていることに対する人間の強力な仕事であることを知って、忍耐強い仕事の美しさで作られた絵や絵を作り出すことです。 "
"私は世界開花の芸術家であり、したがってプロレタリアンです。私は自分の原則を自然主義的と呼んでいます。それは、対象を完全に徹底的に予測し、直感的にすべての述語を無意識と無意識に直面させ、知覚に適した創造的な解決策の中のオブジェクトオブジェクトとその球のすべての述語を活性化する：脈動とその球体、生物力学と知性、出現、含意、回復、色彩と形態のプロセス - 球体は単なる宇宙ではなく、物体が一定の発散と相互侵入にある生物力学的球体である。物体と球体の存在は、永遠になり、色の変化、フォームとプロセス（絶対的な分析ビジョン）このメソッドの公式は次のとおりです：絶対解析、オブジェクトとその球の先見をバイオモニズムと知覚 - 適切な解決策。それゆえ、現実主義（生の形態と未加工の色）の2つの述語は、形式と色が圧縮されて正確に処理され、シフト、純粋な能動的形式などが使用されています。
それは、それが作り出す形よりも自然が支配する方法を開くことのより多くの問題です。それは、一種の科学的なやり方で、騒々しい人生の宇宙を追跡し、それを核とするものを追跡するために、世界の地下のプロセスについてです。
「私は知っているから分析し、見て、直観的に、どの物体も2つの述語、形や色だけでなく、目に見える現象や目に見えない現象、その出現、反応、含意、起源、 「2つの述語」とその右と左のすべての宗派の非現実的な現実主義の教義を、非科学的かつ死んだものとして拒絶しています。その代わりに、科学的、分析的、直観的な自然主義、すべての述語世界の現象、目に見えない目に見えない現象やプロセス、研究者の忍耐力、「生物学的画像」の原則など、さまざまなものがあります。
パベルフィロノフは、小さな筆で絵を描くような大きめの絵画でさえも示唆していました。 B.「春の調合」（250x285cm、キャンバスに油）彼は弟子たちに教えました：
「すべての原子を手作業で正確に捉えます。各原子に働く色を注意深く正確に導入して、体内の熱を掘り起こすことができます。
この処方は誇張されているかもしれませんが、フィロノフはそれを真剣に受け止め、深み、繊細さ、複雑さ、カオス性、そして無限の信じられないほどの効果を達成しました。それは振動し、脈動し、失われ、それ自体を発見し、一緒に壊れて成長する。非表象的で客観的なものは常に融合しており、単一の世界の2つの側面になっています。比喩的なものは、非比喩的な有機構造の構成である継続である。そしてそれはまた、大草原の抽象化にもつながる。
1925年の夏、フィローノフはロシア美術学校の部屋の一つで、彼の新しい学生と一緒に働くことができました。彼らは1927年ごろに約40人のメンバーによって公式に芸術家の社会として認められた芸術的なグループ、「分析的芸術家の集団」（MAIМастеаналитическогоискусства）を形成した。これは分析美術のワークショップМастерскаяаналитическогоискусства）。
これらの芸術家たちは、「一連の変容的なプロセス」でそれを提示するために、目を見るだけでなく、知ることで物事をより多く見ます。このような分析技術は、植物有機的で神秘的な宇宙とその創設者を、ポール・クレーのロシアのカウンターパートに捧げるよう努めている。
1929年4月の自伝では、フィロノフは、部分的または条件的にのみ、スプレマティズムからドイツの表現主義への絵画とグラフィックにおける流れに影響を与えることができました。 1930年、フィロノフの理論的研究「分析的芸術のイデオロギー」が出版された。
"ここでは、マスターとしての私の手段とその定義の簡単なリストがあります：圧縮された、鋭く表現された形と色変位を含む形、変位のバイオダイナミクス純粋なアクティブな形、対象とその述語、選択肢、 （色と音についても同じ定義）公式：これらのすべてのものにおける純粋で活発な形式、抽象的で芸術的な選択の複合体または選択肢有機的美学、審美的不協和音同じことが、 （私はこのアプローチを拒否しています）私は規則を設定していませんし、学校を始めることもありません。現代芸術の批判を拒絶する "、"現代美術をロシアに移転する "、"現代美術を批判する "、"純粋なac 「世界の花」は、1914年/ 1915年にPetrogradで最初に出版されました。 "
MAIグループのアーティストたちは、ソ連の文化政策によって1932年に単純に解散されました。およそ70名の学生のうちのいくつかは、彼の後継者がそのように強く表現された原則を引き続き実行している間に、彼のワークショップを続けています（創設者が飢えているレニングラードの飢えになるまで）。
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