ボデオン

スペイン語の用語「ボデガ」は、「パントリー」、「居酒屋」、または「ワインセラー」を意味する場合があります。派生語bodegónは、通常は軽蔑的な形で大きなボデガを参照する拡張語句です。スペイン語の芸術では、ボデゴンは、犠牲者、ゲーム、飲み物などのパントリーアイテムを描いた静物画で、しばしば単純な石のスラブ上に配置されます。また、1つ以上の図が描かれていますが、キッチンや居酒屋に置かれている。また、花や果物、その他のオブジェクトで塗装して画家の熟達を表示することができる、低寿命のオブジェクトや日常的なオブジェクトを指します。

ボデオンはスペインの芸術作家であるFrancisco Pacheco delRío（1564-1654）とAntonio Palomino de Castro y Velasco（1653-1726）がDiegoVelázquezの初期のイメージで既に使用していました。これはおそらくオランダのいわゆるキッチン日常シーンがレンダリングされ、食べ物と料理を配置する静物が重要な役割を果たしました。 Joachim BeuckelaerとPieter Aertsenは、当時スペインに属していた南オランダで栽培されたこのジャンルの重要な代表者でした。また、スペイン語のナポリやスペインのヴィンチェンツォ・カンピーやアニビール・カラッキの作品を通した迂回路では、これらの新しいアイデアがスペインに到着した可能性があります。文化的な歴史の面では、公的生活の中での単純なものや日常生活への回り道は、現実感をより細かく感じる人好主義からの出発点、ヨーロッパ絵画の他のジャンルでも見られる現実主義に関連しています。 17世紀の初めからすぐに、これらのモデルはスペインで取り上げられました。 Velázquezの初期のBodegonesでは、スチールライフの要素はすでに前景に押し込まれていますが、まだ比喩的な状況の一部であり、オランダのモデルの後でさえ、 "低い"テーマ選択を正当化する聖書の背景シーンを使用します。

Bodegónは静止画のジャンルであり、主に絵画であり、象徴的な意図はなく、アーティストが定義したフレームワーク内で一定の方法で編成された無生物（食べ物、ゲーム、果物、花、さまざまなオブジェクト...）を表します。オブジェクトの構成には芸術的な偶然はありません。実用的な扱いを示唆しています」広い意味では、ボデゴンという用語は静物の同義語として使われています。

画家が主題として選択し、プラスチックエンティティにオブジェクトのグループを編成するという基本的な決定をする日には、本物の静物が生まれます。それは、彼が働いている時間と環境に応じて、あらゆる種類の霊的な言葉でそれらをロードし、彼の深いデザイナーのデザインを変えないということです。

バロック時代からは、17世紀の第2四半期にスペインで人気が高まりました。静物画の伝統は、現代の低国、今日のベルギーとオランダ（そしてフランダースとオランダの芸術家）ではるかに一般的でした。北の静物には多くの亜種があった。朝食用のピースは、トンプイ・リール、フラワー・ブーケ、ヴァニタスによって補強されました。スペインでは、この種の客席はずっと少なくなっていましたが、食べ物や食器が置かれたテーブルが置かれた朝食用のものが人気を博しました。現在スペインの発明と見なされていますが、古代ローマでは、石のスラブ上にある果物の古典的なトンプピースのプレゼンテーションが一般的でした。

歴史：
ボデゴンは16世紀末に登場した。イタリアのサンプルに基づいています。 Juan Estebanによって署名された市場シーン（Granada、Pal。Carlos V）の最も初期の例は、1606年にUbedaに登場した。最初のキッチンシーン - 約。 1604 gはVincenzo Campiの手に属し、セビリアのArzobispal宮殿の高官のギャラリーの天井の装飾の不可欠な部分です。

イタリアでは、ミケランジェロ（Michelangelo）とカラヴァッジョ（Caravaggio）という現実的な方法の影響を受けて、ボデゴンが広がっていました。 「低い」ジャンルへのアピールは、イタリアのマナーニズムの洗練への反応でした。その後、「ボデゴン」という言葉は、全体としての静物のジャンルと呼ばれていました。

それと同時に、数年前でさえもなければ、最初の純粋なまだ生き残ったもの、つまり職員なしで、スペインに現れます。今日スペインのボデゴンに数えられています。 1602年以来、トレドのJuanSánchezCotán（1560-1627）は未処理の天然産物の塗装仕上げを作成しました。これは見事に暗い背景に並んで配置されています。個々の塗装されたオブジェクトは、おそらく直接的な象徴的な意味を欠いているが、提示される方法の簡潔さと不本意さ、および主題の選択は、宗教的 - 道徳的な感覚なしには理解されない。これに対応して、1603年にサンチェス・コタンはカルタス修道院に引退し、非常に高潔な生活を送った。静物画家の次の世代の最も重要な代表はフランドルの両親の子供であるJuan van der Hamen yLeón（1596-1631）です。 van de Hamen（そして彼の同時代）と共にSánchezCotánの影響を受けたが、パレットはよりカラフルになり、被写体はより貴重になり、絵の空間はより深くなる。彼と一緒に花の静物はジャンルとして追加されます。彼は裁判所で働き、知識人の輪に所属していました。わずか2年の若いFrancisco deZurbarán（1598-1664）の仕事では、まだ生き物は重要な役割を果たすが、中心的役割は果たしていない。彼らの厳格な配置と不毛の外観では、彼らはより古いコタンの仕事に似ています。

バロック様式のスペインの静物画はしばしば厳しいものでした。それはフランダースのバロック様式の静物画とは異なり、多くの場合、華やかな豪華なアイテムに包まれた豪華な宴会が布地やガラスで包まれています。ボドゴンでは、このゲームはしばしば皮をむきだしになるのを待っている普通の死んだ動物です。果物や野菜は調理されていません。背景は荒れ果てた木製の幾何学的ブロックで、しばしばシュールレアリスムの空気を作り出します。オランダ語とスペイン語の静物には、しばしば道徳的なヴァニタス要素がある。彼らの緊縮は、スペインの台地のいくつかの荒涼さに似ていますが、多くの北欧の静物画の官能的な快楽、寛容、贅沢をコピーしません。

ベラスケスの絵画セビリアの水瓶座、老婆の卵を揚げた卵子、そして昼食は、瓶や食料品の描写のために、しばしばボドゴンとして描かれています。 Bambocciantiスタイルと静物でのジャンルのペインティングが混在していると言われるこの用語の使用を拒否する人もいます。

18世紀には、ボンテージュはスペインの観客の間で活況を呈し続けています。 Luis EugenioMeléndezの絵は、背景を見る人の目の近くにある暗い背景も示していますが、光はより均一であり、画像構成はより構成的に「学術」です。いずれにせよ、すべての寓意的で形而上的な意味は消えてしまった。

重要な特徴は、スペインのボデゴンの儀式の世界を、北方の静けさの中の市民のブルジョア - 現実的な生活とは著しく区別しています。フランダースとオランダの食事の写真は、緑豊かで行動の文脈（準備、食べ物）スペイン語表現では、消費の兆候は排除されています。

タイプ
Bodegoneは2つの主要なタイプに分かれています：

まだ生きている（通常は中立の背景にある禁欲的な）;居酒屋内、通りの上、店内の少数のキャラクター（主にコモンズ）の参加、日常のシーンと静物の要素を組み合わせたシーンのイメージ。
Bodegonesは、アーティストがジャンルのシーンと静物とを組み合わせることを可能にしました。

Bodegónは、特に、彼の作品の最初の "セビリア"時代に、Diego Velasquezの好きなジャンルでした。このジャンルには、繰り返しZurbaranに頼った。

bodegonesのジャンルは、伝統的な形をしていました。薄暗い部屋のシーンでは、光の染みが特に対照的です。そのボリュームと輪郭が取り除かれています。

ボデゴンはジャンルの階層における「低い」ジャンルとみなされていた。絵画は「重要ではない」とみなされ、「不信」さえあった。彼らは、ライバルのVelasquez、Vincenzo CarducciによってDiálogosde la pintura（1633）に公然と嘲笑された。

バイオアート

BioArtは、人間が生きた組織、細菌、生物、および生命のプロセスを扱う芸術の実践です。生物工学（遺伝子工学、組織培養、クローニングなどの技術を含む）のような科学的プロセスを用いて、美術館は研究所、ギャラリー、またはアーティストのスタジオで生産される。バイオアートの範囲は、一部のアーティストが「生きた形」に厳密に限定されているとみなされますが、他のアーティストには現代医学や生物学的研究のイメージを使用するアートが含まれています。生命科学の特徴

BioarteまたはBio-Artは、現代美術によって開発された最新の動向の1つです。それは手段としてバイオテクノロジーを取るという特異性を持っています。生きた組織の栽培、遺伝学、形態学的形質転換、生体力学的構造は、バイオアートの芸術家によって使用される技術の一部であり、バイオテクノロジーの発展に倫理的および社会的問題をもたらす。

BioArtistsは生き物とともに働いていますが、物質が生きているか生きているとみなすことができる段階についていくつかの議論があります。生き物を創造し、生命科学を練習することは、倫理的、社会的、審美的な問いかけをもたらす。 「バイオアート」というフレーズは、アートワークのTime Capsuleに関連して1997年にエドゥアルド・カックによって造語されました。ジョー・デイビス・マルタ・デ・メネゼスやSymbioticAのアーティストなどの先駆者の作品を通して、20世紀の終わりに始まったものの、21世紀初めにBioArtがより広く実践され始めました。

この実験には、芸術家自身の体（皮膚培養、動物の輸血）が含まれ、これらの技術に関連する伝統的な恐れや希望を具体化することができます。

生物芸術の流れの中の生きた組織の技術では機能しない作品を含めることについていくつかの議論があります。バイオアートに参加する作品は、バイオテクノロジーにおける社会と開発の間の既存の問題のある関係に関する批判やコメントを反映している限り、認識されるべきである。

BioArtはしばしば衝撃的でユーモラスなものを意図しています。アイソトープの分野に関する1つの調査：文学と自然文学のジャーナルでは、「バイオアートは、しばしばばかげている。オークションブロックにとどまるためには、塊状、全体的、非衛生的、時には目に見えない、それと同時に、それは芸術がやろうとしている非常に伝統的なことをしています。

バイオアートは、現在の芸術的なプラスチックからも開発されています。これは環境とバランスの取れた製造プロセス、すなわち環境と調和した芸術作品の生産にリサイクル可能な再利用可能な材料の使用を考慮しています。バイオアートの目的は、根源に戻る各アーティストの表現を開発し、熟考し、地球から生まれてそれを害することのない各文化の表現に公衆に提供することです。ベネズエラでは様々なアーティストによって開発されています。パイオニアはBioartesanal Workshop "Un Mundo en Botellas"です。

George Gessertは多くの人にとって、バイオアート運動の重要な創始者であると考えられています。エドゥアルド・カックは、現在と生き物との共同作業のイニシアターの一人です。最もよく知られているのはAlbaウサギであり、動物の遺伝子操作によって色が変化する。 SymbioticAは、ウェスタンオーストラリア大学の人体解剖学生物学部にあるOron CattsとIonatt Zurrによって設立されたグループです。彼らはしばしば生きた組織を彫刻の形で使用し、作品の倫理的判断を妥協し、しばしば論争を呼んでいる。 Joe DavisはMITで働き、科学者の協力を得て、いくつかの展覧会を制作しました。

社会における科学の役割について疑問を投げかけながら、これらの作品のほとんどは、芸術的プロセスと科学的プロセスの組み合わせを通じて政治的、社会的批判を伝える社会的反映に向かう傾向があります。

BioArtを練習するほとんどの人は、この新しいメディアのアーティストとして分類されますが、分子構造などに関連する実際の媒体は科学者でもあります。ハーバード大学の細胞生物学科は、この二重受け入れのために、科学的または芸術的価値に基づいて誰かに作品を提出するよう呼びかけています。これにより誰もが強く反応する仕事を提出することができます。

実験室での作業は、最初は環境がアーティストにとって外国人であることが多いため、アーティストに挑戦することができます。一部のアーティストは事前の科学的訓練を受けていますが、他の人は、必要な作業を行うことができる科学者と協力して手順を実行するか、訓練を受けなければなりません。バイオアーチストは、細菌や生きた組織を扱うなど、科学や科学的実践に関連した、あるいはそれに従事する組織をしばしば使用しています。

当技術分野の多くは、組織培養およびトランスジェニックを含み、これは、ある生物由来の遺伝物質が、別の生物由来の合成または移植された遺伝物質の添加によって改変される種々の遺伝子操作プロセスのための用語である。

BioArtは明らかに倫理の欠如のために精査されている。 USA Todayは、動物権利団体が、Kacらを自分の個人的利益のために不当に動物を使用していると非難し、保守的なグループは、トランスジェニック技術の使用および道徳的観点からの組織培養に疑問を投げかけている。

バージニア州ノーフォークにあるPETAの上級研究員であるAlka Chandnaは、芸術のために動物を使用することは、衣料品に動物の毛皮を使用することと変わらないと述べています。 「動物のトランスジェニック操作は、ある種の社会学的批判をするために行われるかどうかにかかわらず、人間の目的に動物を使用する連続体に過ぎない。

BioArtという用語の範囲は、進行中の議論の対象です。議論の主なポイントは、定義上微生物で作られた微生物芸術の場合のように、BioArtが必然的に生物材料の操作を必要とするかどうかを中心にしています。この用語のより広い定義には、生物科学の社会的および倫理的考慮を扱う研究が含まれる。これらの用語の下で、ジャンルとしてのバイオアートは、クリティカルまたはスペキュレーティブデザインなどの分野で多くのクロスオーバを持っています。このタイプの作業は、より広範な一般的な観客に広がり、特定の生物学的プラクティスを先駆けして使用するのではなく、この空間で議論を開始することに焦点を当てています。このスペースの例には、遺伝子操作されたスティングレイスキンで作られた模様の靴を宣伝しているRay Fish靴と、有名人の組織サンプルから培養された肉からサラミを作り出そうとするバイオテクノロジースタートアップのBiteLabsがあります。しかし、芸術的なコミュニティの中で、BioArtは、生物学的な物質に直接関与しない研究を除外するようにますます制限されている。

しかし、多くのBioArtプロジェクトはSymbioticAによるVictimless Leatherのように、生物全体ではなく細胞の操作を扱っています。 「動物を殺さずに革を身に着けるという現実的な可能性は、文化的な議論の出発点として提供されている」と述べた。これらのプロジェクトは、人間以外の動物との関係や科学的プロセスにおける動物製品の使用を強調し、問題を提起するために正確に開発されました。

自閉症芸術

自閉症芸術（Autistic art）は、自閉症芸術家や芸術によって創造され、様々な自閉症体験や態度を捉えたり伝えたりする芸術です。自閉症芸術家による芸術は、障害のない芸術家とは別の会場で長く示されてきました。自閉症児の芸術はしばしばアウトサイダー芸術の一部とみなされてきた

自閉症スペクトラム障害を持つ人々は、自閉症などの類似の性格や経験を持ち、大規模な記憶とともに、特定の分野で優れた技術と天才性を発揮します。これらのスキルには、魅力的な描画能力と視覚的記憶、耳で古典的な曲を再生したり、大きな数を記憶したり、比類なき言語スキルを習得できる能力が含まれます。

ほとんどの障害とは異なり、自閉症に関連する身体的手がかりはほとんどありません。社会的合図は、神経の多様性を検出するより明白な方法かもしれません。自閉症者との交流人々は、あなたを魅了し、混乱させたり、興味深い事実に惑わせたり、単に奇妙な行動に苛立ってしまうことがあります。あなたが好きなように色付けしてください。しかし、実際には、自閉症は予期せぬ明るさと色合いをメインストリームにもたらし、明るい影響を与えています。

自閉症者は世界の特定の見解をアート作品に翻訳する。この作品は、自分自身を表現することを切望している人にとって快適で安心できるものであり、他の人が自閉症の精神的過程を理解するのにも役立ちます。

いくつかの自閉症芸術家の作品は、アート出版物、ドキュメンタリーに掲載され、主流のギャラリーに展示されています。

スティーブン・ウィルトシャーは最も有名な自閉症芸術家の一人です。彼の作品は、主に建築物や都市景観、モニュメント、建物です。表現主義的な芸術を生み出している他の自閉症芸術家には、リチャード・ウォーロ、ジェシカ・ヒラリー・パーク、ピン・リーアン・イーグルなどがあります。

造形美術：
オランダの芸術家Roy Wenzel（1959年生まれ）は11歳で診断されました。彼の芸術は過剰であり、非常に断定的でジェスチャー的なイメージです。

Christophe PillaultとDonna Williamsは、動きを重視した具象作品に焦点を当てている。両方のアーティストは、Bernice PelletierとKaren SimmonsによるARTismの賞を受賞し、Autism Todayによって出版されています。 Christophe Pillaultは彼の手で絵を描く。彼の作品は、M.I.N.D Instituteによって出版されたArt of the Mindの著書に掲載されています。

マーク・リムランドは独学者であり、絵や絵はしばしば比喩的であり、人や猫を特徴とする。自閉症の先駆者、バーナード・リムランドの息子、マークはドキュメンタリー「リフティング・ザ・フォッグ」に出演した。 ARTismの自閉症の謎を見て、本の秘密の夜の世界の猫を示しています。

抽象芸術：
Larry BissonnetteとHenriett Seth F.は抽象的で高度にパターン化された作品を作っています。 Roibeard Catnip Tull、Sarah Daisey Van Diesel、Karen Johnson、Silke Heyer、Kristina Teskeyも抽象的な作品を作っています。

想像上の世界：
Gilles TrehinとGeorge Widenerは詳細な想像上の世界を行います。 Gillesは独学のフランス人アーティストで、主に建築家の鉛筆で仕事をしています。彼はスケッチを通してUrvilleと呼ばれる想像上の世界を代表しています。彼はBBC4のドキュメンタリー「Art Savant：The City Inside My Head」に出演しました。

天文学の芸術

天文学の芸術（Astronomical art）は、宇宙の驚異を示すために努力している現代の芸術的表現のジャンルの言葉です。 Space Artには、他のジャンルと同様、リアリズム、印象派、ハードウェアアート、彫刻、抽象的なイメージ、さらには動物芸術など、多くの面があります。視覚芸術の実践者は、伝統的な絵画メディアを使用して、想像力の中で何十年もの間空間を探索してきました。サイエンスフィクション雑誌や画像エッセイ雑誌は、かつては宇宙芸術の主要な出口であり、しばしば惑星、宇宙船、劇的な宇宙の風景を特徴としていました。

天文学は、宇宙の驚異を視覚化するために捧げられた宇宙芸術の側面です。そのような芸術の主な重点は、人類の新しいフロンティアとしての宇宙環境です。他の多くの作品は、外界の世界、ブラックホールのような極端なもの、天文学のインスピレーションから生じる概念を描いています。

アーティストは天文学の要素で長い間芸術を作ってきましたが、スペースアート自体のジャンルは、人類が私たちの世界を見渡す能力を身に付け始めた時からまだ始まっています。どのような形式の道であろうと、アーティストは一般に、スペースに関係する何らかのアイデアを伝えようとしており、しばしば私たちを取り囲む無限の多様性と広大さの感謝を含んでいます。場合によっては、宇宙飛行士がイラストレーションと絵画以上のものを使って科学的発見や空間を描写する作品を作っているアーティストもいますが、宇宙飛行技術や科学者と直接的に協力して芸術、人文科学、宇宙探査に関連した表現。

天文学の芸術は、1940年代から50年代にかけて、巨大な遠近法の問題を解決し、マットの芸術家の目に塗りつぶして現実的な視覚的印象を作り、魅力的な分野の偉大な専門家を追求する能力によって、彼。彼の作品は、V-2ロケットの前に幻想的だった宇宙旅行について考える戦後の時代に多くの人にインスピレーションを与えました。今日まで、数多くのアーティストが、地球を離れる方法に関する最新のアイデアを描きながら、そこで私たちを待っている不思議を見せるために、宇宙コミュニティーでアイデアを表現するのを助けます。

天文学芸術は、Collier's、This Week、Coronetの雑誌で、1950年代にのみ広範な広報になった。 Chesley BonestellとWilly Leyの著書「Space Conquest of Space」は、1949年に米国で出版されました。

天文学は宇宙船の技術です。宇宙船はしばしば科学小説やファンタジー芸術に密接に関連しており、しばしばSF小説そのものです。宇宙船は1950年代にChesley Bonestellが1970年代からDavid A. Hardy、Bill Hartmann、Don Dixonなど多くの人々によって創造されました。宇宙芸術は芸術と科学の境界を行き来し、芸術家はしばしば自由に想像力を利用する。宇宙芸術は外国の惑星の表面の右のイメージにあまり出ません。例えば、Bonestellの絵画では、月の山は急であり、実際にはむしろ緩いです。 BonestellのTitanの表面イメージは、Space Sergeantのものとは異なります。スペース内の多くのオブジェクトは不正確で遠くの観測しかできないので、宇宙船の需要は依然として激しいです。宇宙芸術は、例えば、宇宙のスペースシャトルのイメージであってもよい。

天文芸術は、遠い過去（古代の歴史と先史時代の動物芸術）、最後に着実に明らかにされた宇宙の地球探査（ハドソン川の学校、ルミニズム）から生まれたインスピレーションのアイデアを探求した、ほとんどの天文学者は、宇宙探査で集められた人間の知識の最前線に来るような方法で、伝統的な絵画の方法やデジタル等価物を使用しています。このような作品は通常、現実の知識に慣れ親しんだ視覚的な言葉で物事を描写します。その詳細は、進行中の知識と推測された推測を反映するエキゾチックな環境に外挿されます。天文学の創造のプロセスの例は、惑星のようなものを経験する砂漠の環境を勉強し、訪問し、そのような経験に基づいて絵を描くことです。もう一つは、クローズアップを見て驚くべきことを聞いて、出版された記事や専門家を探すことです。通常、写真家が絵を構成するのと同じように、好ましい視覚的要素を強調する芸術的努力がなされている。最高の天文学芸術は、描写された主題についてのアーティストの想像力を捉えるものです。

ファンタジーやサイエンスフィクション、驚異的で驚異的な（アナログに改名された）サイエンスフィクション雑誌、そしてギャラクシーは、1950年代の宇宙、特に天文学の芸術家の仕事のための主要な出口として役立った。 Life、Collier's、Coronetのような時代のいくつかの絵本雑誌は、そのような芸術のための他の主要なアウトレットでした。今日の天文学芸術は、スカイやテレスコープ、惑星レポート、時折Scientific Americanなどの雑誌で見ることができます。今日では、個々のウェブサイトがそのような仕事を見るのに最適な場所です。 NASAの美術芸術プログラムは、一般的に特定の宇宙プロジェクトに固有の作品を制作するためにアーティストを雇うための継続的な取り組みでした。このページは、伝統的にこのプログラムの最も成功した側面であることに専念しています。専門家による著名な歴史的出来事の記録です。 NASAのファインアーツプログラムは、そのプログラムの最初の頭であるジェームズ・ディーンの時代には、無限の進歩の時代に運営されましたが、絵画的なリアリズムは支配的な視覚的影響ではなくサブセットに見えました。

宇宙芸術家は、宇宙科学者やエンジニアと緊密に協力して、宇宙探査の夢を実現させるための科学技術コンセプトを視覚化して開発するのに役立つかもしれません。他の形の絵画スペースアートは、人類の拡大するビジョンの成果によって直接的に、あるいはそうでなければインスパイアされた内面のビジョンを視聴者にもたらします。そのような芸術のいくつかの側面は、宇宙空間への視覚的な敬意、外来訪問のビジョン、夢のシンボル、サイケデリなイメージ、そして現代の先見性のある美術への他の影響を含む他の世界の人生の人気のアイデアを支払う。

NASA、ロシアとフランスの宇宙機関、ゼロ・グラビティ・アーツ・コンソーシアムのフライトでは、アーティストが自由落下条件を経験したため、アーティストがマイクログラビティ環境を利用する新しい方法を想像すると、今日知られていない新しい表現方法が生まれます芸術作品。このような夢は大きなチャンスを待っていますが、芸術作品を宇宙空間に置くための初期の努力は、すでに絵画、ホログラフィー、微小重力移動体、浮遊文学作品、彫刻などで達成されています。

上記のような宇宙飛行状況を文書化している作品は、第二次世界大戦中の政府の努力とコンセプトが似ています。

サブガン
ジャンルとしてのスペースアートとそれを作成するアーティストは、幅広いスタイルを取り入れています。視覚芸術では、これらのスタイルは以下のように分類することができます。

記述的リアリズム：
記述的リアリズムは、Chesley Bonestellの芸術的基準の直接的な継承者であり、天体芸術の一側面であり、宇宙の宇宙空間を科学的に正確に視覚的に描写することを主眼としています。天文学を作成するときには、照明、空の色、選択された風景の周囲まで表示される理由、他の世界と同様に特定の状態の変化がシーンを変える可能性があるはずです。また、天文学と天文学の合理的な「接地」、地球を知るための地質学、そして天を知るための天文学が必要です。

宇宙印象派：
スペース・アートは、印象派時代の作品と同様に、宇宙印象派のスタイルで作品を作っています。色や形を使って、技術的に正確で、詳細に描写したり、科学的な原則を守ったりすることなく、イメージの主題に対する印象を鑑賞することができます。より緩やかであるにもかかわらず、主題は依然として空間によって明確に触発されている。

ハードウェアアート：
ハードウェアアートは、通常、記述的リアリズムと似ていますが、スペース設定で使用されている宇宙船、プローブ、および機器のハードウェアの詳細な描写に焦点を当てています。

彫刻：
宇宙芸術彫刻の作品は、ロケットの形、星のオブジェクトを表すステンドグラスの窓、またはゼロ重力の表示のために特別に設計された彫刻された作品のように、通常は本質的により象徴的または抽象的であるなど、しかし、宇宙芸術の三次元的な作品の主なインスピレーションは、他のスタイル、空間そのものと同じです。

宇宙動物学：
宇宙の他の人生の問題にはまだ答えがありませんが、芸術家はそれについて推測し、可能性を想像することができます。宇宙動物学は、地球外生命の外生命の描写である。

その他：
音楽制作やダンスなどの芸術的表現の他の方法での作品は、宇宙に触発され、その分野の宇宙芸術ともみなされます。

天文学へのもうひとつの平行したものは恐竜の芸術です。 どちらの美術学校も、到達不能な領域を探求し、その領域に現実感をもたらすことを意図しています。 Charles R. KnightやZdeněkBurianのようなその分野の「Grand Masters」は、私たちの目で見ることのできない現実的なビジョンを生み出すための最良の情報を使って、この分野の専門家と協力しました。 理想的には、天文学の芸術の場合と同様に、そのような作品は、未知のものや不可解なものを記入するための教育的な推測を伴って、その対象について知られているものを示すことを試みます。 私たちは、奇妙な空想と青の代わりに集められた知識を明らかにするエイリアンの風景が描かれているのと同じように、体のスタンスや羽のような知識の成長を反映した、健全な数の素晴らしい恐竜のアーティストによる最近の作品を見る 昨年の火星の火星。 今日広く公開されている宇宙天文学者のほとんどは1983年以来、国際天文学者協会に所属しています。

アスペクト

アスペクト主義（Aspectism）は外見を表現しようとする視覚芸術の一種である。情緒的経験は理性によって制御されているため望ましい。情熱的経験は、自然界のすべてが物質と意識から成っている理由で制御されないため望ましくない。視覚芸術は、アーティストの内面的な感情体験を完全に伝えるものではなく、観客が作品を見て感情的な体験をコントロールするものでもありません。芸術そのものは、オブジェクトの美しい外観に焦点を当てるべきです。

「アスペクトミスム」という言葉は、単に審美的な動機に基づく差別です。それは、さらに、予測不能な審美的基準に基づくことができる特定の人々の不可視の一形態である。例えば、背が高くない人、体格にかかわらず、特定の方法で服を着る人、または非常に特定の傾向によって厳格にマークされた美容師に合わない人に対抗する可能性があります。

アスペクト主義は客観主義に似ているが、主に個人的な美的好みの心理学に偏っている。心理宇宙のモデルを構築するプロセスは、多くの哲学的な仮定を伴う。心理学者にとって最も重要な2つの哲学的問題は、（1）心身の問題と（2）人間の性質です。これらの2つの問題が哲学的レベルで解決されていないという事実は、現在の多元的心理学の状態を説明するのに役立つ。心理学のすべてのシステムは、これらの問題のそれぞれについてポジションを取ってから、それに応じて進めなければなりません。心身の問題には、認識論的および形而上学的な側面があります。人間の本質は形而上学的な問題である。

心身の問題は擬似問題であり、アスペクト主義は個人が心と体に分けることはできないが、身体的、精神的な出来事を同時に経験する団結で構成されていることを示唆する別の二元的な見解である。肉体的、精神的な出来事は人間の両面です。この見解によれば、身体と心は相互作用することはできません。人間として経験するそれぞれの出来事の2つの側面です

批判
アスペクト主義は、事実上自動的に行動するため、特に有害であり、多くの場合、国民の意思に反します。誰かの個人的なイメージは、一目で即座にキャプチャされるものです。それは他の人の出現を研究する目的として何か努力や時間を費やす必要はありませんが、自発的に取り込まれます。

これは、いったん個人的側面が決定的である社会的ダイナミックスが作成されると、この差別的偏見は人生のあらゆる面で生じることを意味します。

最近の数十年間で、所望のボディシルエットは劇的な変化を遂げたので、モデルは女性の美のパラダイムとして薄くて高くなっています。スタイルと身体的属性が社会的に多かれ少なかれ魅力的なものになるように広告に影響を及ぼします。素晴らしいボディは販売を増やすための主張として使われます。

例えば、同性愛者が性的傾向が分かるまで瞬時に同性愛者が起こるのと同じように、視覚的接触が確立されたわずかなゼロからの影響に気づくことができるのは、アスペクト主義です。つまり、平均的な人が1日に確立する社会的相互作用の大部分で。加えて、アスペクトミスの別の効果は、それがハロー効果で補完されることである。

アスペクト主義はハロー効果を引き起こすのは簡単です。それは、誰かの特定の特性が、その特性の残りの部分をより積極的に、あるいはより否定的に判断するかどうかを決定する心理的現象であり、最終的には全体としての人です。

ダブルアスペクト主義：
前者の位置は明らかに相互作用主義的であるが、後者の視点は、心と物質が本当に別々のものではなく、二重のアスペクト主義として最もよく記述できる。後者の考え方は物質主義的な試みを試みているが、技術的には二元論的な見解である。どちらの場合も、重要性は人間の機能に関する記述です。

ダブルアスペクト指向とは、物質的な物質と意識が人間を含む宇宙のすべての不可分な側面であるというスピノザの主張を指します。身体的および精神的な出来事は、あらゆる経験の2つの側面であるため、不可分であるという信念です。

心理的状況における心身の問題は、意識と行動の間に存在する関係の問題に還元される。 （1）二元論、（2）一元論、（3）エピフェノメナリズム、（4）ダブル・アスペクト主義の4つの徹底的な哲学的決議が適用される。認識論は究極の真実と真理の源に関係している。形而上学は、現実の本質とそれが構成されている物質の種類を含む。全体として、BlockはNagelが行ったように、財産の二元論と二重側面主義を同等と見なしているようです。

建築ペインティング

建築絵画は、屋根の眺めとインテリアの両方の建築に主眼を置くジャンル絵画の一種です。初期の絵画やイルミネーションの多くには建築が存在していましたが、主に背景として使用されたり、絵にリズムを提供したりしました。ルネサンスでは、1420年代のマサッチョのホーリー・トリニティのように、建築物を使って視点を強調し、深み感を作り出しました。

建築絵画は、主な動機として外装と内装の両方の工事が行われている、この分野のジャンルです。芸術は、古代、特にローマ人（ポンペイの壁画）で栽培されましたが、自己目的ではなく、人物像の背景や風景の構成要素として使用されています。

建築絵画は、主題の建築を持つ絵画の方向です。彼の主題によれば、すぐに建物の内装と内装、すぐにその外観が描かれ、大規模な建物の再生、風景画に似た近所の近くに来る。建築絵画については、特に、そのスタイルとキャラクターの信頼できる認識だけでなく、空間的展開の明確な提示によって建築の仕事を説明するために、この芸術のブランチでは、line-as空気の視点と同様です。活発なスポットライトは、画像が建築家の絵画の目的を矛盾させる、模式的で乾燥した建築上の傷として現れることを不可能にすることが多い。

西洋美術ではフランダースとオランダで16世紀に独立したジャンルとして発展し、16世紀と17世紀のオランダの絵画の頂点に達しました。その後、ロマンチックな絵画のためのツールで開発されました。遺跡が非常に人気を博しています。密接に関連したジャンルは、建築上の幻想、幻想的な寓話、特に幻想的な天井画、都市景観です。

西洋建築の絵画：
建築画は、16世紀に完全に開発され独立した芸術の枝として最初に現れていますが、古美術には装飾美術としてはるかに早いので、ポンペイの壁画が目撃しています。中世には、宗教絵画の描写の背景としての役割を果たしており、当時の劇場の場面よりも周囲の現実感から被験者を控えているようです。

徐々に、芸術の発展の下で、画家がしばしばマスタービルダーであるという事実のために、徐々に特別な注意が払われます。したがって、厄介なルネッサンス期には、カウンター内で宗教的および歴史的なイメージとの奉仕の関係が暗示していることも重要な回復を遂げています。パオロ・ウチェッロ、ピエロ・デッラ・フランチェスカ、メロゾ・ダ・フォルリ、ベノッツォ・ゴッツォリなど、数々の画家が絵を描き、その絵画を幅広く使っています。 Andrea Mantegnaは、パドヴァでいくつかの建築的な視点を描きました。 AlbertisとLeonardo da Vinciの幾何学的な研究と絵のような会社は、そのジャンルをさらに発展させました。ラファエル（アテネのピエトロ・ペルギノスとラファエル・トロロベセンの建築を比較）とヴェネツィア人は、装飾的な継ぎ目としての頂点に応じて建築画に達しました。どのような美しさと美しさですか？

16世紀には、西洋美術における別のジャンルとしての建築絵画の発展が見られました。この時期の主なセンターはフランダースとオランダでした。最初の重要な建築画家は、オランダのHans Vredeman de Vries（1527-1607）であり、建築家でも画家でもあった。フランダースとオランダのHans Vredeman de Vriesの学生には、息子のSalomonとPaulとHendrik van Steenwijk Iが含まれています。彼らを通じ、彼らの家族と学生はそれを普及させ、オランダのゴールデン年齢の絵画。

17世紀には、肖像画や風景とともに、オランダの黄金時代における建築の絵画が有力なジャンルとなりました。

建築の絵画、関連するヴェデットや街の風景は、18世紀のイタリアで特に人気がありました。建築絵画に密接に関連する別のジャンルは、カプリシオ、想像上の建築に焦点を当てた想像であった。

19世紀のスカンジナビア代表者には、ノルウェーのヴィンセント・シュトルテンベルク・ルルシェとデンマークの画家、ヨルゲン・ローデ、コンスタンティン・ハンセン、クリスティン・クーベがある。

デンマークの建築絵画は、安全なデザインを重視し、忠実な自然観察の信念の観点を徹底的に熟知し、エッカーベルク時代に良好な生活条件を得ました。建築芸術と様々な歴史的形態の高い温暖化の関心もまた肥料でなければならなかった。 Eckersberg自身が建築イメージを描いているが、MartinusRørbyeは歩み寄った。アートサークル内では、それはしばしば最高レベルに達した非専門家である。したがって、建築画の優れたサンプルは、ジョルゲン・ローデ（Bargello、フレデリクスボー城など）、コンスタンティン・ハンセン（Pæstumの寺院）、クリスチャン・コブ（オーフス大聖堂など）によるものです。 Joakim SkovgaardとKristian Zahrtmannは、パルテノンから熟練した仕事を受けました。真の建築家画家の中には、絵画（大部分はオランダのルネサンス）で大いに人気を博したハインリッヒ・ハンセン（Hinrich Hansen）があります。これは輝く床や鮮やかな大理石などのアクセサリーを再現します。ヨーロッパの建築芸術。さらに、特にヴェネツィアの建築を好むジョセフ・テオドール・ハンセンなど、ニールス・ブレダール、ピーター・コーンバック、オーギュスト・フィッシャー、アドルフ・ハンセン、クリスチャン・ヴィルヘルム・ニールセン、カール・クリスチャン・アンデルセンが挙げられます。カール・ジェンセンは、ローゼンボリの写真、ヘルシンゲルとリューベックの教会の内装など、絵画的な効果と優れたラインナップを達成しました。他にもトム・ピーターセン、ヨハン・ローデ、グスタフ・ヴィルヘルム・ブロム、マルテ・エンゲルステッド、ヴィルヘルム・ハンマーシェイ、スヴェンデ・ハマーシェイ、カール・マーティン・ソヤ・ジェンセン、シャーロット・フリモット、エリック・ストルックマン、マリー・ヘンリクエス、オーガスタ・ザル・クレメンセンなどがあります。

東部の建築絵画：
中国では、建築絵画は「ジーファ」と呼ばれ、主に下絵の絵として見られました。境界絵画は中国絵画の一種で、描画するときに境界線を描き、建物などのオブジェクトを描画するために使用されます。 川の地図上の清明の最も有名な境界図。

城の塔や橋、ボート、キャリッジなどの建物を正確に描く技術であるルールコンパスを使用します。

境界絵画はすでに晋時代に作られたもので、隋時代には非常によく発展しています。唐時代の王朝時代の李天龍の墓には、

製図業の有名な芸術家は、唐時代の陰時代、五代時代の趙大儀、朝鮮時代の王朝禅、元朝の李龍仁、明代の元殷、清朝の元江などであった。

古美術

アンティークは、この言葉の意味の手がかりになるはずです。これは、古くから古くなっているものを指します。これは祖父母ではありません - これは数百年または数千年前のように実際には古くなります。人々はまた、この言葉を使って、古いやり方を新しいやり方と比較します。昔ながらのアイデアは、近代性に反する古代（新しいアイデアややり方）と言えるでしょう。古代は、中世の前の時を意味することもあります。

古代は、古代からのオブジェクト、特に地中海の文明：古代ギリシャとローマ、古代エジプトと他の古代近東文化の古代古代からのものです。 Mesolithicやアジアなどの文明のような初期のものからの成果物も、この用語でカバーされる可能性があります。古代の遺物に高い価値を与えるという現象は、他の文化、特に中国の儀式の青銅器（3〜2千年前）が熱心に収集され、数世紀にわたって模倣されている中国と、メゾアメリカのプリコロンビア文化特に初期のオルメック文明の成果物は、スペインの征服までの後期文化の重要な場所に再発見されています。

古代。モニュメント、遺物、または習慣として、古代に属しているか、または古代から残っているもの。古代の品質。中世より前の歴史の時代、民族、国家、種族、または古代の文化の時代から始まります。

この用語の定義は必ずしも正確ではなく、博物館のような制度的定義はしばしば後期をカバーするが、通常の使用法ではゴシック様式の物体は、例えば1700年にはうまくいくかもしれないが1513年に英語で最初に発見されて以来、古美術のカットオフ日が後退する傾向にあったためです。非芸術的な人工物は、以前よりも古美術と呼ばれる可能性が低くなりました。フランシス・ベーコンは1605年に次のように書いています。「古代は歴史が損なわれている、あるいは時代の難破船を偶然脱出した歴史の残骸です。

美術貿易は現代の用語の使用を反映している。クリスティーズの "古代美術学部"は、文明の幕開けから、西ヨーロッパからカスピ海に至るまで、エジプト、ギリシャ、ローマ、近東の文化を取り入れた暗黒時代までの対象をカバーしています。 Bonhamsは同様の定義を使用しています： "... BC、12世紀の広告に地理的には4000年BCエジプト、近東、そしてヨーロッパに由来します..."公式の休業日はしばしば後であり、美術史の正確な区分、彼らが保護したいすべての歴史的期間にこの用語を使用する：ヨルダンでは1750年、香港1800年などである。

この用語は、この不正確さのために公式の学術的議論にはもはやあまり使われていない。すべてではないが、ほとんどの古代遺物は考古学によって回収されている。考古学の結果として一般には発見されないオブジェクトをカバーする骨董品との重複はほとんどないか、ほとんどではないが、約300年以上、通常ははるかに少ない。

古代芸術とは、古代中国、インド、メソポタミア、ペルシャ、パレスチナ、エジプト、ギリシャ、ローマなどの書物を用いて、古代社会の高度な文化によって作られた多くの種類の芸術を指します。先文学社会の芸術は、通常、先史時代の芸術と呼ばれており、ここでは扱いません。いくつかのプリコロンビアの文化は、ヨーロッパ人の到着前に何世紀にもわたって執筆されていましたが、デートの理由から、プレコロンビアの芸術や、マヤ美術やアステカ美術などの記事でカバーされています。

バロック時代に使われていたヨセフスのユダヤ人の古代遺跡に反映された、遺物や物質文化の体系的探査によって文明が回復するというアイデアは、古代の遺物が残っていた中世に失われた彼らの材料の希少性や奇妙さ、あるいは単に魔法や奇跡的な力を与えられたと考えられていたからです。貴重なカメオや他のアンティークの彫刻された宝石は、ゴスペルのカバーとして使用されることによって、クラウンやダイアデム、典礼のオブジェクト、領事のアイボリーディップなどに組み込まれると保存されるかもしれません。ローマの柱は教会で建て直すことができました。 sarcophagiは新しい居住者を受け取り、cinerary壷は聖なる水stoupsとして機能することができた。 「アイドル」として恐喝され、非難された人間の形態の彫刻表現は、被験者を再確認することによって修復することができます：カンデジョリオの乗馬ブロンズマーカス・アウレリウスはキリスト教皇帝コンスタンティヌスの象徴として尊敬され、パヴィア・レギゾルは市民的役割それはそれを保存した。ローマでは、ローマの銅のスピナリオはガイドブック作家のマジスター・グレゴリオウスによって賞賛されました。カロリングのルネッサンスの古典主義は、レイト・アンティークの写本の鑑賞によって部分的に影響を受けました。ユートレット・シフターは、手書きとイラストの両方で、このようなレイト・アンティークのオリジナルを再現しようとしています。